Ars Sonora 6m6k1c

Nos adentramos, en esta edición de Ars Sonora dedicada a la compositora belga Ingrid Drese (Amel, 1957), en dos de sus obras más emblemáticas, en las cuales convergen la física, la cosmología y la experimentación electroacústica. Drese, formada en el Real Conservatorio de Mons bajo la tutela de Annette Vande Gorne y colaboradora de figuras como François Bayle, ha consolidado una trayectoria que une pedagogía, creación sonora y diálogo interdisciplinar con científicos y artistas. La primera pieza, "Treize virgule huit" (2018-2019), surge de su colaboración con el astrofísico Marc Moniez. El título alude a los 13.800 millones de años estimados de edad del universo, cifra que estructura la narrativa sonora de la obra. A través de cinco secciones interconectadas (Fournaise, Errance, Chaos, Attente y Danse), Drese traduce fenómenos cósmicos —como las ondas gravitacionales y la expansión térmica del universo— en un paisaje acústico en continua evolución. Utilizando sonidos sintéticos generados con el software "Mathematica", así como técnicas electroacústicas tradicionales, la composición acelera progresivamente su "tempo", simbolizando la compresión del tiempo cósmico desde el Big Bang hasta la actualidad. Estrenada en el Musée Curie de París, esta obra refleja el interés de la compositora en la integración de datos científicos en los procesos creativos, transformando conceptos abstractos en experiencias auditivas inmersivas. A continuación, en "Pérégrinations d'une petite sphère happée par le temps" (2020), obra dedicada a François Bayle, Drese aborda la percepción subjetiva del tiempo. La "pequeña esfera" del título actúa como metáfora de su fluir inexorable, representado mediante sonidos concretos modificados digitalmente. La pieza, estructurada mediante una serie de desplazamientos y pausas, combina texturas erráticas con momentos de quietud, evocando en el oyente la ilusión propia de un flujo temporal continuo que experimenta sucesivas detenciones temporales. Escuchar audio

En esta segunda entrega del monográfico dedicado a Pierre Boulez con motivo de su centenario, Ars Sonora profundiza en la madurez creativa del compositor francés, analizando su integración de las tecnologías electroacústicas con los instrumentos tradicionales, así como su papel como fundador del IRCAM. La emisión traza un arco temporal que abarca desde "Répons" (1981-1984) hasta "Anthèmes II" (1997), revelando cómo Boulez superó su inicial escepticismo hacia los medios electrónicos para crear obras pioneras en la interacción entre instrumentos acústicos y procesamiento digital. La fundación del IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique), en 1977, marcó un punto de inflexión en la carrera de Boulez. A diferencia de laboratorios y estudios de grabación anteriores, como el GRM regido por Pierre Schaeffer también en París, el IRCAM combinó la investigación científica con la creación artística bajo una filosofía interdisciplinar. El IRCAM, por lo demás, no fue solo un centro tecnológico, sino un manifiesto arquitectónico: su diseño subterráneo bajo el Centre Pompidou intentaba simbolizar la ruptura con las tradiciones más academicistas (desde la perspectiva actual, ciertamente debe cuestionarse si este propósito ha sido alcanzado o no). Este "Silicon Valley de la música contemporánea" —así lo denominó, algo exageradamente, el semanario The New Yorker en 1984— permitió a Boulez, por ejemplo, materializar las ideas esbozadas en "Poésie pour pouvoir" (1958), obra que —tal y como se argumentó en el programa anterior— el compositor abandonó debido a las limitaciones técnicas del momento, pero cuya problemática resurgió en "Répons". Para este proyecto el propio Boulez coordinó equipos multidisciplinares dentro de los cuales ingenieros como Andrew Gerzso desarrollaron sistemas de procesamiento en tiempo real que revolucionaron la espacialización sonora. Estrenada en 1981 y expandida hasta 1984, "Répons" representa la culminación de dos décadas de investigación. La obra establece un "juego de espejos acústicos" entre seis solistas (arpa, címbalo, vibráfono, glockenspiel/xilófono y dos pianos), una orquesta de cámara y un sistema de veinticuatro altavoces. Boulez utilizó algoritmos desarrollados en el IRCAM para transformar los sonidos instrumentales en tiempo real, creando una textura donde lo acústico y lo digital se entrelazan como en un caleidoscopio sonoro. La estructura en espiral de la obra —organizada en una introducción, ocho secciones y una coda— retoma el concepto medieval de canto responsorial, actualizándolo mediante técnicas de espacialización que envuelven al oyente. Como señaló el crítico Paul Griffiths, "cada intervención solista genera un eco digital que se propaga por la sala como onda expansiva". Por su parte, en "Dialogue de l'ombre double" (1985), Boulez traslada al terreno electroacústico la dualidad presente en el drama "El zapato de raso" de Paul Claudel. El clarinete solista interactúa con su "doble espectral" —una parte pregrabada procesada mediante líneas de retardo y modulaciones de frecuencia—, en un juego de ausencias/presencias que anticipa conceptos propios de la realidad virtual. La musicóloga Carmen Noheda ha destacado cómo la espacialización a través de seis altavoces crea una "topografía sonora móvil", dentro de la cual el intérprete físico y su avatar electrónico negocian constantemente su posición en el espacio. Esta obra, concebida como homenaje a Luciano Berio, sintetiza el interés de Boulez por la poética del espejo —tema recurrente en su catálogo— mediante el uso de una tecnología que convierte cada gesto instrumental en un material sonoro extremadamente maleable. La génesis de "...explosante-fixe..." (1991-1993) revela el método compositivo bouleziano: partiendo de un esbozo de 1972 concebido como elegía a Stravinsky, el compositor desarrolló durante dos décadas un sistema de variaciones infinitas mediante herramientas digitales. La flauta MIDI solista —instrumento híbrido que combina sensores de movimiento con síntesis granular— dialoga con dos "flautas sombra" y un ensemble, mientras un conjunto de algoritmos genera derivaciones microtonales en tiempo real. Boulez describe el proceso como "geología sonora": cada capa estratigráfica revela nuevas relaciones entre el material temático original y sus transformaciones electrónicas. El título, tomado de André Breton, encapsula esta tensión entre lo fijo ("fixe") y lo explosivo ("explosante"), entre la partitura escrita y la improvisación algorítmica. En su última incursión electroacústica, "Anthèmes II" (1997), Boulez lleva al extremo el concepto de instrumento aumentado. El violín solista se multiplica digitalmente mediante un sistema de muestreo en tiempo real, creando un "cuarteto virtual" donde cada línea responde a parámetros gestuales capturados por sensores. La obra estructura seis secuencias que exploran desde el "glissando" continuo hasta pulsaciones rítmico-armónicas, siempre mediadas por procesamientos espectrales. Como señala el violinista Hae-Sun Kang, "la electrónica no acompaña, sino que devora y regurgita el material sonoro, obligando al intérprete a renegociar constantemente su rol". Al conmemorar el centenario bouleziano, se impone una reflexión crítica sobre la relevancia histórica y actual de sus innovaciones (estéticas y, particularmente, políticas —sobre todo en el ámbito de la gestión cultural, donde el poder ejercido por Boulez no tuvo parangón—). Si bien el IRCAM continúa representando una referencia en el terreno de la música computacional, su modelo verticalista —radicalmente contrario a los planteamientos propios del código abierto ("open source"), más horizontales y democráticos— viene siendo cuestionado, desde hace décadas, por las nuevas generaciones de compositores y, especialmente, de artistas sonoros. La paradoja final reside en que obras como "Répons", concebidas para tecnología punta, hoy se interpretan mediante simples emulaciones de software que se actualizan constantemente, y que hoy ya pueden ejecutar los más sencillos —y baratos— sistemas de procesamiento digital. Como afirma el compositor Tristan Murail, "Boulez creó máquinas del tiempo sonoras, dispositivos donde pasado y futuro colisionan en un presente perpetuo". En cualquier caso, este doble monográfico ayuda a constatar cómo Boulez trascendió su etapa de "joven furia" serialista para convertirse en un arquitecto de nuevos paisajes acústicos. Sus investigaciones en el IRCAM no solo produjeron obras seminales, sino que redefinieron el estatuto epistemológico de la composición, fusionando arte, ciencia y filosofía en un proyecto totalizador. En un contexto cultural donde la música electroacústica lucha por mantener su relevancia, el legado de Boulez persiste como desafío: ¿puede la tecnología continuar siendo un fértil territorio de innovación estética y no un mero instrumento de reproducción de las estructuras de poder institucionalizadas? Escuchar audio

El doble programa monográfico que aquí comienza se centra en la presentación de la obra electroacústica de Pierre Boulez, cuyo centenario conmemoramos este año. El compositor y director francés, nacido el 26 de marzo de 1925 en Montbrison y fallecido en enero de 2016 en Baden-Baden, mantuvo una relación compleja pero significativa con los medios electrónicos, acerca de la cual reflexionaremos a lo largo de estas dos emisiones de nuestro espacio. El programa comienza con una contextualización de esta serie de conmemoraciones centenarias que Ars Sonora viene realizando en los últimos años, recordando los monográficos dedicados a figuras como Iannis Xenakis y Henri Chopin (2022), György Ligeti (2023), Else Marie Pade, Luigi Nono y Klaus Huber (todos en 2024) o, más recientemente, Cathy Berberian (2025). Estas remembranzas no aspiran a convertirse en nostálgicos ejercicios conmemorativos, sino más bien en valiosas oportunidades para reevaluar el legado y la vigencia actual de estos creadores fundamentales. Escuchamos, después, en orden cronológico, los resultados de las más tempranas incursiones de Boulez en el terreno electroacústico, comenzando con los "Deux Etudes" (1951), que recogen sus primeras experimentaciones con cinta magnética (realizadas en los estudios del Groupe de Recherche de la Radiodiffusion Française, bajo la dirección de Pierre Schaeffer). Tras presentar estos estudios, poco conocidos, abordamos la compleja relación del compositor con la música electrónica, su inicial escepticismo y su famosa comparación de la música electroacústica pregrabada con "la ceremonia propia de un crematorio". Exploramos después la "Symphonie mécanique" (1955), otra obra de música concreta compuesta, en este caso, para un cortometraje experimental del cineasta francés Jean Mitry. Boulez utiliza en ella grabaciones de sonidos industriales y mecánicos, transformándolos y organizándolos de manera musical para crear una "sinfonía" que refleja y amplifica las imágenes de Mitry. Esta pieza, estructurada en doce secuencias encadenadas e igualmente realizada en el contexto propio del Grupo de Investigación de Música Concreta de la Radiodifusión-Televisión sa en París, representa la última incursión de Boulez en la música concreta y su única contribución a la música cinematográfica. El programa culmina con la audición de "Poésie pour pouvoir" (1958), composición para orquesta y cinta basada en un poema de Henri Michaux. A través de las investigaciones de la musicóloga Aï Higashikawa, analizamos este primer intento de Boulez por integrar elementos orquestales y electrónicos en una obra que el compositor retiró de su catálogo tras su estreno en el Festival de Donaueschingen, pero que sentaría las bases para futuras creaciones como "Répons", que presentaremos en la segunda parte de este monográfico. En esa próxima edición de Ars Sonora continuaremos indagando acerca de la relación de Pierre Boulez con la música electrónica, centrándonos en sus obras más maduras y en su legado como fundador del IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) de París. Escuchar audio

Continuamos celebrando —tras la introducción presentada hacia el final de la anterior emisión de Ars Sonora— el centenario del nacimiento de la vocalista y compositora estadounidense, de ascendencia armenia, Cathy Berberian, una de las voces más influyentes y versátiles del siglo XX. El programa explora la trayectoria de Berberian desde su formación en la Universidad de Columbia hasta sus colaboraciones con compositores como Luciano Berio y John Cage. Comenzamos escuchando algunas obras emblemáticas, como "Thema (Omaggio a Joyce)" (1958), que utiliza la voz de Berberian como materia prima sonora para crear una particular relectura del undécimo capítulo del "Ulysses" de James Joyce, y la "Sequenza III" (1965), también de Berio, que desafía las convenciones del canto clásico (estas audiciones nos sirven, también, para conmemorar el centenario de Luciano Berio, pues el compositor italiano nació el 24 de octubre de 1925). Analizamos seguidamente el concepto de "nueva vocalidad" propuesto por Berberian en 1966 con el propósito de defender la necesaria integración de diferentes estilos y técnicas vocales, tal y como se manifiesta en su propia composición "Stripsody" (1966), una obra basada en onomatopeyas de cómics. Presentamos, tras la interpretación de esta pieza realizada por la propia autora, otra lectura del mismo trabajo protagonizada por Clare Lesser, que en paralelo a su carrera como soprano desarrolla una brillante trayectoria académica (que próximamente nos brindará el esperado libro "A Radical Decentering – Deconstructing Radio in Works by John Cage and Karlheinz Stockhausen 1950-1970" —cuya publicación en la editorial Palgrave Macmillan está prevista para este mismo año, 2025—, así como otra intrigante monografía titulada "Cage, Nono and 1960s Hauntology: Sonic Ghosts" —que también está previsto que aparezca este año dentro de la prestigiosa serie "Elements in Music since 1945" de Cambridge University Press—). La sección final del programa está dedicada a las colaboraciones de Cathy Berberian con John Cage; recordamos "Aria" (1958) —obra que escuchamos superpuesta con la pieza electroacústica "Fontana Mix", compuesta ese mismo año por Cage—, "The Wonderful Widow of Eighteen Springs" y "A Flower" (1942), que muestran la versatilidad de Berberian y su capacidad para interpretar partituras no convencionales. Ars Sonora rinde así un homenaje a esta artista pionera, fallecida en 1983 (con solamente cincuenta y siete años), cuyo legado sigue inspirando a nuevas generaciones de cantantes y compositores en la exploración de las posibilidades, infinitas, de la voz humana. Escuchar audio

En esta última entrega del ciclo de Ars Sonora dedicado al compositor suizo Klaus Huber (1924-2017) profundizamos en su obra "Quod est pax? Vers la raison du cœur" ("¿Qué es la paz? Hacia la razón del corazón"), compuesta en 2007, e interpretada —en la versión que aquí les ofrecemos— por la Orquesta Sinfónica de la SWR, bajo la dirección de Rupert Huber, junto al conjunto vocal Les Jeunes Solistes, la percusionista Nora Thiele y las siguientes voces solistas: Anne-Marie Jacquin (soprano), Lucie Lacoste (mezzosoprano), Sebastian Amadieu (contratenor), Hubert Mayer (tenor) y Alain Lyet (bajo). Se trata de una grabación en directo, realizada en el contexto del Festival de Donaueschingen (los Donaueschinger Musiktage) en su edición del año 2007. Este registro fue editado en cedé al año siguiente por el sello discográfico NEOS, con el apoyo de la Fundación BBVA. Mediante el análisis de la citada obra, este programa —que también se integra dentro de la serie "Instrumentos 'exóticos'" (siempre entrecomillando la palabra "exóticos", por supuesto)— explora la fusión de diferentes tradiciones musicales y complejas reflexiones filosóficas que definen el legado de Huber, y que combinan la instrumentación occidental con la percusión árabe, así como con textos (interpretados por cinco voces solistas) de Jacques Derrida, Octavio Paz —cuya voz nosotros escuchamos en este programa, a través de una grabación en la que el poeta recita un fragmento de "El cántaro roto"—, Simone Weil y el propio compositor. La pieza se divide en dos partes conectadas sin solución de continuidad. La primera sección, basada en fragmentos del citado poema de Octavio Paz, aborda la dualidad vida-muerte mediante un peculiar tratamiento instrumental: siete contrabajos afinados en tercios y sextos de tono generan una marcha fúnebre centrada en un mi bemol grave, mientras los violines crean una textura etérea generando armónicos agudos. Esta oposición sonora simboliza la tensión entre lo terrenal y lo trascendente, reforzada por la línea vocal que declama las siguientes palabras: "Somos un solo tallo con dos flores gemelas". La segunda parte incorpora textos de Derrida, incluyendo su reflexión sobre "la razón del corazón" —concepto inspirado en el pensamiento de Blaise Pascal—, y proponiendo una idea sobre la paz en virtud de la cual ésta se plantea como un acto de amor, así como de resistencia política. Huber integra aquí instrumentos árabes, como el daf y el riqq, cuyos ritmos se entrelazan con la orquesta para subrayar el diálogo intercultural. La percusión árabe, lejos de ser un elemento decorativo, actúa en este ambicioso trabajo como puente entre tradiciones, lo que ayuda a cuestionar la propia noción de "exoticismo" y proponiendo una escucha de amplios horizontes. El epílogo orquestal sintetiza esta búsqueda de unidad a través de un "tutti" cadencial que oscila entre la extrema disonancia y una cierta resolución de carácter armónico. Con esta audición, Ars Sonora no solo cierra su homenaje a Huber, sino que también anticipa su próxima emisión, dedicada a conmemorar el centenario de la vocalista de ascendencia armenia Cathy Berberian (1925-1983), cuya obra ayudará a ampliar los márgenes de las exploraciones propias de nuestro ciclo "Instrumentos 'exóticos'". Concluimos así este recorrido por la música de Klaus Huber, que nos ha servido para recordar su enorme capacidad para fusionar el máximo rigor compositivo con un profundo humanismo, así como para reafirmar el papel de Ars Sonora como un espacio de diálogo y reflexión entre la vanguardia musical y las urgencias éticas de nuestro tiempo. Escuchar audio

Esta emisión, inscrita como tercer episodio dentro ciclo monográfico de cuatro programas consagrado al compositor suizo Klaus Huber (1924-2017), también forma parte de la serie de Ars Sonora titulada "Instrumentos 'exóticos'" (subrayando siempre el uso de las comillas en este último término), iniciada en 2023 y dedicada a rastrear la presencia de instrumentos y técnicas de otras tradiciones culturales en la (llamada) música contemporánea occidental. Tras las dos entregas anteriores —centradas en la música de Huber escrita para para órgano, por un lado, y en el oratorio "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet", por otro—, este programa explora una faceta menos transitada pero esencial en la trayectoria del compositor: su aproximación a tradiciones musicales diferentes de la europea. Como comprobaremos, la obra del autor suizo —profundamente espiritual y comprometida— se nutre de influencias y materiales procedentes de contextos lejanos, desdibujando continuamente los límites entre lo propio y lo ajeno. La primera audición que presentamos es "Rauhe Pinselspitze" ("Punta áspera del pincel", de 1992), una breve pero intensa pieza para violonchelo y percusiones coreanas. Interpretada por Alexis Descharmes en el instrumento de cuerda y Jean-Baptiste Leclère en el buk —un tambor tradicional coreano—, esta obra ejemplifica el diálogo entre la tradición europea y los timbres de raigambre asiática, generando una textura sonora que emborrona cualquier frontera estilística y abre nuevas perspectivas estéticas. El núcleo del programa lo constituye la escucha íntegra de "...à l’âme de descendre de sa monture et aller sur ses pieds de soie..." ("... al alma de descender de su montura y caminar sobre sus pies de seda..."), compuesta entre 2002 y 2004. Esta obra, de más de media hora de duración, se basa en extractos del poema "Estado de sitio" del poeta palestino Mahmoud Darwich, escrito en Ramala en 2002. Huber construye aquí un concierto para violonchelo (interpretado por Walter Grimmer en esta grabación —editada por el sello NEOS con el apoyo de la Fundación BBVA, como sucedía con otras obras de Huber presentadas anteriormente en este ciclo—), acordeón (con Hugo Noth), percusión (con Michael Pattmann) y voces (con el barítono Max Engel y la contralto Katharina Rikus). Una ambiciosa composición en la que la palabra poética y la música se entrelazan para evocar la fragilidad, la resistencia y la dignidad en contextos de conflicto —cuya escucha, en el alarmante momento actual, nos sirve para recordar a las víctimas del genocidio que el Estado de Israel continúa perpetrando contra el pueblo palestino en la Franja de Gaza—). Escuchar audio

Continuamos el ciclo dedicado al compositor suizo Klaus Huber (1924-2017) con motivo del centenario de su nacimiento —que conmemoramos algo tardíamente—. Tras la primera entrega, centrada en su música para órgano, este programa se adentra en una de las obras más ambiciosas y significativas de Huber, el oratorio titulado "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet" ("Humillado – oprimido – abandonado – despreciado"), compuesto para voces solistas, coro, orquesta y cinta magnética. Huber inició la escritura de "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet" en 1975, si bien la forma definitiva de la obra no se alcanzó hasta el final de un periodo de reescritura que se extendió entre 1978 y 1983. Se trata de una obra de gran formato, tanto por su duración como por la complejidad de su plantilla y la profundidad de su mensaje. Este oratorio, construido a partir de textos de Ernesto Cardenal, Florian Knobloch, Carolina Maria de Jesus y George Jackson, articula una reflexión sobre el sufrimiento, la opresión y la dignidad humana, temas recurrentes en el pensamiento y la creación de Huber. La interpretación que escuchamos cuenta con la participación de Anne Haenen (mezzosoprano), Theophil Maier (tenor y narrador), Paul Yoder (bajo barítono), el Tölzer Knabenchor, la Schola Cantorum y el SWR Vokalensemble (ambos con sede en Stuttgart), la orquesta sinfónica de la SWR (con sede en Baden-Baden y Friburgo), y la dirección de Matthias Bamert, junto a Kenneth Jean, Burkhard Rempe y Arturo Tamayo como codirectores. El registro nos llega a través de una magnífica edición realizada por el sello NEOS, con el apoyo de la Fundación BBVA. A partir del análisis de la obra realizado por el musicólogo suizo Max Nyffeler, intentamos desentrañar algunas de las claves técnicas, expresivas y filosóficas de la obra, destacando la capacidad de Huber para integrar recursos contemporáneos —como el uso de la cinta magnética— con una escritura coral y orquestal de gran riqueza en matices, así como el profundo compromiso del compositor con la denuncia de la injusticia y la búsqueda de una dimensión trascendente en la música. La audición de "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet" se presenta como una experiencia intensa y transformadora, en la que la música se convierte en vehículo de memoria, resistencia y esperanza. Escuchar audio

Esta emisión representa, por una parte, el cierre del conjunto de cuatro programas que hemos dedicado estas últimas semanas a la presencia del órgano en las músicas experimentales (como parte de una serie mucho más amplia, que ya se había iniciado con anterioridad y que volveremos a retomar dentro de unos meses) y, por otra parte, el inicio de un ciclo monográfico de otros cuatro programas que versará sobre el compositor suizo Klaus Huber (1924-2017), cuyo centenario se celebró en noviembre de 2024 —si bien la generalizada ausencia de conmemoraciones de esta efeméride, especialmente en el contexto cultural español, nos impulsa ahora a emprender esta indagación radiofónica—. Aunque la figura de Huber pueda resultar menos conocida que la de otros compositores coetáneos, su influencia como creador, teórico y pedagogo ha sido fundamental en la música contemporánea europea, como demuestra la destacada nómina de discípulos que formó a lo largo de su carrera (Thüring Bräm, Hans-Ola-Ericsson, Reinhard Febel, Brian Ferneyhough, Ulrich Gasser, Daniel Glaus, Toshio Hosokawa, Michael Jarrell, Younghi Pagh-Paan, André Richard, Wolfgang Rihm, Kaija Saariaho, Alfred Schweizer, Hans Wüthrich...). Este primer programa, como se mencionaba anteriormente, se centra en la producción de Huber para órgano, instrumento al que dedicó algunas de sus páginas más significativas. El recorrido comienza con la "Sonata da chiesa" (1953), para violín y órgano, una obra de juventud que revela la temprana inclinación del compositor por el diálogo entre instrumentos y la exploración de sus posibilidades tímbricas. A continuación escuchamos "In te Domine speravi" (1964), breve fantasía para órgano Merklin, que permite apreciar la evolución de Huber hacia un lenguaje más personal y experimental. La emisión culmina con la audición de "Metanoia" (1995), obra para órgano solista que representa la madurez creativa del compositor y su profunda conexión con la espiritualidad, ya que invita al oyente a una experiencia meditativa y transformadora. Nuestro homenaje a Klaus Huber continuará, en la segunda entrega de este ciclo que ahora comienza, con su monumental oratorio "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet"("Humillado, oprimido, abandonado, despreciado"), una obra de gran formato para voces, coro, orquesta y cinta en la que Huber articula una profunda reflexión sobre el sufrimiento y la dignidad humana a partir de textos de Ernesto Cardenal, Carolina Maria de Jesus, George Jackson y Florian Knobloch. La tercera emisión explorará la faceta de Huber como creador permeable a otras tradiciones musicales, presentando obras en las que dialoga con instrumentos y sonoridades "exóticas", como "Rauhe Pinselspitze" (para violonchelo y percusiones coreanas) y "...à l’âme de descendre de sa monture et aller sur ses pieds de soie...", basada en textos del poeta palestino Mahmoud Darwich. Finalmente, en la cuarta y última entrega de esta serie dedicada a Klaus Huber, abordaremos la escucha de "Quod est pax? Vers la raison du cœur" ("¿Qué es la paz? Hacia la razón del corazón"), una obra que fusiona la instrumentación occidental con la percusión árabe, y que se apoya en textos de Jacques Derrida, Octavio Paz, Simone Weil y el propio Huber para plantear una profunda reflexión sobre la paz, la razón y las pasiones humanas. Estas dos últimas emisiones de este pequeño ciclo nos permitirán reabrir otra de las líneas de investigación que, como la dedicada al órgano, aparecen periódicamente en la programación de Ars Sonora (en este caso se trata de la que aborda el uso de instrumentos "exóticos" —siempre con intencionadas comillas en el uso de este término— dentro del repertorio propio de la creación musical contemporánea occidental). Con este ciclo invitamos a los oyentes de Ars Sonora a descubrir la riqueza y la vigencia del legado de Klaus Huber, sondeando las diferentes etapas y dimensiones de su creación, con el propósito de profundizar dentro de un territorio sonoro tan fértil como comprometido, pero quizá aún no suficientemente valorado y reconocido. Escuchar audio

Continuamos el homenaje —iniciado la semana pasada— al compositor minimalista estadounidense Tom Johnson (1939-2024), figura fundamental de la música experimental nacido en Greeley (Colorado), y fallecido en París el pasado 31 de diciembre de 2024, a los 85 años. Esta emisión se centra en la audición íntegra de "Orgelpark Color Chart", una de las composiciones más singulares de Johnson, escrita para cuatro órganos y grabada en directo en el Orgelpark de Ámsterdam el 13 de mayo de 2010. Los intérpretes de esta versión fueron Geerten van de Wetering (órgano Sauer), Hans van Haeften (órgano Verschueren), Jeroen Koopman (órgano Molzer) y Dorien Schouten (órgano Van Leeuwen). "Orgelpark Color Chart" propone un descenso progresivo a través de las diferentes octavas del órgano, comenzando con registros agudos y avanzando gradualmente hacia frecuencias más graves y cálidas. Los primeros minutos, de tonos penetrantes y agudos, generan una atmósfera inquietante, que se va transformando en un zumbido profundo y envolvente a medida que la obra avanza. El crítico Jack Chuter ha comparado este proceso con el aterrizaje de un avión: al principio, la música flota de manera inestable, con una sensación de vacío por la ausencia de graves, hasta asentarse en un registro más cálido y vibrante. Los cuatro intérpretes entran y salen de la textura musical, generando una sensación de movimiento y estructura que evita la monotonía y convierte la obra en una experiencia auditiva intensa y vertiginosa. Con esta emisión completamos el doble monográfico dedicado a Tom Johnson desde Ars Sonora, recordando su legado como una de las grandes figuras del minimalismo musical. Su obra, marcada por la exploración de estrictos procesos lógicos y sólidas estructuras matemáticas, así como por la indagación en la poética del silencio, continúa —y, sin duda, continuará, por muchos años— inspirando a nuevas generaciones de creadores. Escuchar audio

En esta edición de Ars Sonora rendimos homenaje al compositor estadounidense Tom Johnson (1939-2024), figura clave del minimalismo musical cuya obra se caracteriza por la integración de estructuras matemáticas y la exploración conceptual del silencio. Johnson falleció el pasado 31 de diciembre en París, a los 85 años, dejando un legado artístico profundamente influyente en la música contemporánea. Nacido en Greeley, en el estado de Colorado, el 18 de noviembre de 1939, Johnson estudió composición en la Universidad de Yale bajo la tutela de Allen Forte y continuó su formación con Morton Feldman en Nueva York. Fue en esta ciudad donde desarrolló una intensa actividad como crítico musical para la revista "The Village Voice" entre 1971 y 1982, contribuyendo al reconocimiento del minimalismo americano. En sus escritos, recopilados en el libro "The Voice of New Music" (1989), Johnson documentó la evolución de compositores de compositores como Gavin Bryars, John Cage, Brian Eno, Luc Ferrari, Philip Glass, Phill Niblock, Éliane Radigue y Steve Reich entre muchos otros, además de reflexionar sobre sus propias obras. En 1983 se trasladó a París, donde vivió junto a la artista multidisciplinar donostiarra Esther Ferrer. Este primer programa de los dos que dedicaremos a la música para órgano de Tom Johnson se centra en su obra "Organ and Silence" (2000), una colección de piezas relativamente breves (si se tiene en consideración la enorme duración de gran parte de las obras de este autor) que cuestionan el papel del silencio en la música. Según Johnson, esta composición analiza el papel de los silencios prolongados como elementos activos dentro de la experiencia auditiva. La obra fue interpretada por primera vez en su totalidad por Wesley Roberts en Kentucky en 2001, y se articula mediante pausas de diferente duración, que contrastan con los sonidos del órgano. Esta perspectiva refleja una evolución dentro del minimalismo hacia una poética del vacío sonoro. Escuchar audio

Nos adentramos en el singular universo sonoro propio de las obras escritas para órgano por Mauricio Kagel (1931-2008), uno de los compositores más innovadores e influyentes del pasado siglo. Nacido en Buenos Aires (Argentina) y afincado desde su juventud en Colonia (Alemania), Kagel fue autor de un gran número de obras orquestales, de cámara, para instrumentos individuales, de teatro musical, de música electrónica y también de obras radiofónicas. Su producción para órgano, marcada por la innovación (así como por el humor, igualmente característico de su estilo), ocupa un lugar destacado en su legado creativo. En buena parte del repertorio kageliano la improvisación desempeña un papel igualmente destacado. Con objeto de subrayar y analizar este hecho, la experiencia radiofónica que les proponemos en esta edición de nuestro espacio tratará de contrastar dos interpretaciones, muy diferenciadas entre sí, de cada una de las dos obras para órgano que les ofreceremos. El programa se abre con "Improvisation ajoutée" (1962), una composición que incorpora elementos vocales y gestuales, lo cual desdibuja los límites entre lo (estrictamente) sonoro y lo performativo. Escuchamos, en primer lugar, una interpretación del organista alemán Dominik Susteck, acompañado por sus asistentes Tobias Hagedorn y Boris Heinrich, quienes añaden un despliegue de murmullos, carcajadas y gritos que intensifican la experiencia auditiva. Más adelante, en el final del programa, presentaremos una versión contrastante de esta misma pieza a cargo de Gerd Zacher, representante de una generación anterior de organistas especializados en la interpretación de música contemporánea. Continuamos con "Phantasie" (1967), otra obra emblemática de Kagel que combina el sonido del órgano con grabaciones de la vida cotidiana del intérprete. En esta ocasión, Dominik Susteck nos ofrece una interpretación en la que sonidos como campanas, electrodomésticos y emisiones radiofónicas se integran en un collage sonoro que desafía las fronteras entre arte y realidad. Seguidamente escuchamos una aproximación diferente a esta misma pieza por parte de Gerd Zacher, en un ejercicio de escucha que intenta destacar las posibilidades interpretativas abiertas por Kagel. A lo largo del programa, y en paralelo a las citadas audiciones, reflexionamos sobre la capacidad de Kagel para transformar el órgano en un vehículo expresivo único, capaz de trascender su tradición litúrgica para conducirlo hacia territorios genuinamente experimentales. Escuchar audio

[Este programa fue emitido antes del fallecimiento, el 13 de marzo de 2025, de la compositora Sofia Gubaidulina, a quien está dedicado] Exploramos, en esta edición de Ars Sonora, algunas de las fascinantes posibilidades del sintetizador ANS, un instrumento fotoelectrónico desarrollado en la Unión Soviética por el ingeniero Evgeny Murzin. Este singular dispositivo, capaz de generar nuevos sonidos a partir de espectrogramas gráficos, no solamente marcó un hito en la historia de la música experimental, sino que también conectó a grandes compositores con nuevas formas de creación sonora, tal y como comprobaremos a través de la serie de audiciones que proponemos en estos sesenta minutos. El programa comienza con un homenaje al compositor Eduard Artemiev (1937-2022), pionero en el uso del sintetizador ANS, y autor de la banda sonora de "Solaris" (1972), película dirigida por Andrei Tarkovsky (a la que, por cierto, Ars Sonora ya dedicó, el 14 de marzo de 2009, un programa monográfico titulado "Apuntes de Solarística", que siempre se encuentra entre las ediciones de nuestro espacio más escuchadas y descargadas). Además de un fragmento de esta célebre pieza, escuchamos composiciones como "Mosaic" y "Doce miradas hacia el mundo del sonido", trabajos que reflejan la relación entre lo microcósmico y lo macrocósmico a través de sucesivas variaciones acústicas sobre un mismo timbre. También nos referimos a la obra de Sofia Gubaidulina, compositora rusa nacida en 1931 que empleó el sintetizador ANS en su pieza "Vivente-Non Vivente" (1970). Reconocida por su profunda espiritualidad, Gubaidulina ha sido una figura muy destacada (e incluso muy popular) en el ámbito de la música contemporánea de las últimas décadas. Sus composiciones a menudo incorporan afinaciones microtonales, así como una búsqueda constante de nuevas formas expresivas. La música de Sofia Gubaidulina volverá a estar presente en Ars Sonora en la próxima edición de nuestro espacio, con su obra para órgano "Luz y oscuridad" (1977). Seguidamente escuchamos "El canto de los pájaros", de Edison Denísov (1929-1996), otra muestra del potencial del sintetizador ANS para crear paisajes sonoros artificiales. Denísov, junto con otros compositores soviéticos como Alfred Schnittke y Sofia Gubaidulina, formó parte de un grupo vanguardista que exploró, dentro del contexto soviético, el entonces poco transitado campo de la música electroacústica. Cerramos el programa con la pieza "Corriente" de Schnittke (1934-1998), una obra que mantiene el tono misterioso característico de las composiciones presentadas hoy, al tiempo que refleja un gran dramatismo, probablemente heredado de la estética compositiva de Shostakovich (referente, además de maestro, para gran parte de los protagonistas de esta emisión). Escuchar audio

En esta edición de Ars Sonora rendimos homenaje a Eduardo Polonio, nacido en Madrid el 5 de enero de 1941, y fallecido —hace solamente unos días, el 25 de diciembre de 2024— en Valverde del Camino (Huelva). Polonio es, incuestionablemente, una figura clave de la música española (por mucho que las instituciones oficiales de nuestro país, en una nueva muestra de su terrible y ya insostenible conservadurismo, nunca llegaran a reconocer adecuadamente este hecho), además del principal pionero, dentro de nuestro contexto cultural, en el ámbito de la creación musical electroacústica. A lo largo de este programa exploramos su legado artístico, complementando el ciclo de cinco emisiones de Ars Sonora con el que, en enero de 2021, tuvimos la oportunidad de celebrar su octogésimo cumpleaños, así como la extensa entrevista que, a lo largo de otras dos ediciones de nuestro espacio, presentadas en mayo de 2012, nos permitió conversar con el maestro. También recordamos su gran generosidad y su enorme influencia en varias generaciones de compositores y artistas sonoros. El programa comienza con la audición completa de "Un día es un día", obra que Polonio compuso en 2021 para la "Fiesta de Cumpleaños del Arte", organizada anualmente por la UER y transmitida en directo por Radio Clásica cada 17 de enero. Se trata de una elaborada composición que refleja la capacidad de su autor para transformar eventos cotidianos en experiencias sonoras profundas. A continuación recuperamos "Para una pequeña margarita ronca", pieza emblemática de 1969 recientemente incluida en el disco de vinilo "Five Spanish Pioneers of Electronic and Experimental Music 1953-1969", editado por el prestigioso sello belga Sub Rosa (como adelanto de otra edición discográfica más ambiciosa, en tres discos compactos, que próximamente publicará este mismo sello —presentando, de nuevo, el trabajo de Polonio—). Esta obra, representativa de su estilo minimalista y repetitivo, conecta —de forma precursora— con el pensamiento musical que en aquel momento histórico estaban desarrollando compositores estadounidenses como Terry Riley y Steve Reich. Seguidamente escuchamos "Sampling Polonio", una obra de la compositora palentina Elena Hidalgo creada como homenaje a Polonio en 2011. Este 'mashup' combina fragmentos de diferentes trabajos del maestro con materiales elaborados por la propia Hidalgo, y revela cómo la obra de Polonio continúa inspirando nuevas formas de experimentación sonora. Finalmente destacamos, en este mismo sentido, una reciente iniciativa que también celebra las aportaciones estéticas de Eduardo Polonio, la convocatoria internacional "Orient Express", basada en la pieza creada por el compositor en 1974. Este proyecto, que ha reunido a artistas de todo el mundo para reinterpretar su música, reafirma la vigencia de un legado musical que sin duda trasciende cualquier premio o reconocimiento oficial y que, como el recuerdo de la sonrisa —y la sonora carcajada— de Eduardo Polonio, nos acompañará siempre. Escuchar audio

En esta primera emisión del año 2025, Ars Sonora se centra en la presentación de la obra "Apocalypse d'Angers", del compositor francés Denis Dufour. Este programa especial de Año Nuevo continúa la exploración de la música de Dufour iniciada en la última emisión de 2024, que nos permitió analizar y escuchar su "Missa pro pueris". Denis Dufour, nacido en Lyon en 1953, es una figura destacada de la segunda generación de compositores vinculados a la música acusmática. "Apocalypse d'Angers", compuesta en 1980, es una pieza de aproximadamente cincuenta minutos basada en textos seleccionados del Evangelio según San Juan, elegidos para ilustrar las escenas representadas en los famosos tapices del siglo XIV del castillo de Angers. Originalmente concebida para acompañar las visitas a las tapicerías del citado castillo, la pieza fue estrenada en radio el 30 de noviembre de 1981 en el programa "Le Bruit des mots" de Musique. La obra, con su temática de transformación y transición entre ciclos, resulta particularmente apropiada —en un plano simbólico— para un momento como el de la emisión de este espacio, es decir, el cambio de año. Su estilo vívido y enérgico refleja un viaje poético a través del ciclo de nacimiento, vida, muerte y renacimiento, conectando así con algunas reflexiones propias de estas fechas. Escuchar audio

Esta edición de Ars Sonora, la última del año 2024, está dedicada a la obra "Missa pro pueris" ("Misa para los niños") del compositor francés Denis Dufour, nacido en Lyon en 1953. En un contexto global marcado por conflictos y desastres, este programa especial de Navidad intenta recuperar la idea de esperanza que, dentro del cristianismo, encuentra su perfecta metáfora —con un alcance antropológico universal— en el nacimiento de un niño, tal y como expresa musicalmente la obra de Dufour que presentamos. Dufour, formado en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París con figuras como Pierre Schaeffer, pertenece a la segunda generación de compositores de música acusmática. Su "Missa pro pueris", compuesta en 2019, es una reelaboración de una obra anterior de 1986, y en ella combina elementos del ordinario de la misa católica (es decir, el conjunto de oraciones invariable en el rito romano a lo largo del año litúrgico) con textos poéticos de Thomas Brando. Estructurada, pues, en cinco secciones (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei), la "Missa pro pueris" sigue la forma tradicional de la misa, con el propósito de convertirse en un himno a la creación y al amor, exaltando al ser humano en relación con la naturaleza. Desde una perspectiva musical, la obra fusiona voces adultas con un coro de niños, creando una atmósfera que oscila entre lo ritual y lo exuberante. Utiliza técnicas clásicas en la música electroacústica, como bucles (“loops”) y ralentizaciones del material sonoro, e incorpora el canto difónico del vocalista (y compositor experimental) Hem-Ish, también conocido como Hamish Hossain, nacido en 1987 en Calcuta (India). Escuchar audio

Esta edición de Ars Sonora, quizá una de las experiencias de escucha más radicales en la historia de nuestro programa, está dedicada a Catherine Christer Hennix (nacida en Estocolmo el 25 de enero de 1948 y fallecida en Estambul -ciudad a la que se trasladó después de convertirse al Islam- el 19 de noviembre de 2023), una figura singular en el panorama de la música experimental y el arte sonoro. Hennix desarrolló una carrera multifacética que abarcó la composición musical, las matemáticas, la filosofía y las artes visuales, entre otros campos del saber. El programa comienza con un fragmento de "Equal Temperament Fender Mix", obra extraída del álbum "Selected Early Keyboard Works" (2018). Esta pieza, que utiliza el sistema de afinación justa, refleja la influencia de figuras como La Monte Young y Pandit Pran Nath en el trabajo de Hennix. Analizamos, a partir de esta audición, cómo el interés de la compositora por las matemáticas y la lógica se refleja en su música, que explora conceptos como la recursividad y los sistemas dinámicos no lineales. Destacamos la reciente publicación de "Further Selections from the Electric Harpsichord" (2024), una grabación inédita que expande nuestra comprensión de su obra temprana. En ella se fusiona el clavecín con la electrónica, creando texturas sonoras hipnóticas, envolventes y extáticas. Estas piezas, que Henry Flynt describió como un "entorno sonoro alucinógeno", demuestran la capacidad de Hennix para crear experiencias auditivas inmersivas y transformadoras. Reflexionamos, a lo largo de este monográfico, sobre el legado de Hennix, cuya obra fusiona elementos del minimalismo occidental, la música india clásica, el jazz y las tradiciones sufíes. Su enfoque interdisciplinar y su exploración de la intersección entre sonido, matemáticas y espiritualidad continúan inspirando a nuevas generaciones de artistas sonoros, tal y como se manifiesta en una emisión de Ars Sonora que se conecta con programas anteriores dedicados a figuras como La Monte Young, Henry Flynt, Phill Niblock y otros pioneros de la música experimental, ofreciendo una perspectiva única sobre la evolución de la música minimalista y drone (que nosotros preferimos denominar "música pedal") en las últimas décadas. Escuchar audio

Con esta edición de Ars Sonora concluye el ciclo de tres programas dedicados al compositor alemán York Höller en su octogésimo aniversario. Nacido en Leverkusen en 1944, Höller ha sido una figura clave en la música contemporánea alemana, como compositor, profesor en la Hochschule für Musik de Colonia y director artístico del Estudio de Música Electrónica de la WDR. El programa se centra en obras más recientes de Höller, explorando cómo su lenguaje musical (y, en particular, su aproximación a los medios electroacústicos) ha evolucionado desde sus primeras composiciones, que hemos presentado en los dos capítulos anteriores de este triple monográfico. Así, escuchamos varios fragmentos de "Sphären" ("Esferas"), una obra escrita para orquesta y electrónica en vivo estructurada en seis movimientos y compuesta entre 2001 y 2006, que le valió a Höller el prestigioso Premio Grawemeyer de Composición en 2010. "Sphären" se inspira en conceptos filosóficos (principalmente, los cuatro elementos de la filosofía griega, siguiendo a pensadores como Empédocles, si bien también las ideas de Peter Sloterdijk en su "opus magnum", la trilogía titulada, precisamente, "Esferas", también influyeron a Höller durante la escritura de este trabajo). Sus seis movimientos incluyen pasajes como los titulados "Canción de las nubes", "Campana de viento" y "Luto de las esferas". Seguidamente ofrecemos diversos extractos de "Der Ewige Tag" ("El día eterno"), una composición de 2002 para coro y electrónica en vivo basada en textos de poetas como Ibn Sharaf, Georg Heym y Pablo Neruda, que manifiesta la habilidad de Höller para integrar la voz humana con texturas electrónicas. A través de estas audiciones, intentamos ofrecer una perspectiva crítica sobre la evolución del lenguaje compositivo de Höller en las últimas décadas, mostrando cómo ha logrado fusionar técnicas de vanguardia con una expresividad más inmediata y comunicativa. El programa concluye con algunas reflexiones acerca del lugar que actualmente ocupa la figura de York Höller (y, más ampliamente, toda su generación) en el panorama de la música contemporánea, contrastando el reconocimiento obtenido por estos autores nacidos en los años cuarenta del pasado siglo con el que disfrutaron algunos autores de generaciones anteriores, como Stockhausen, Berio, Nono y Boulez (o, en España, Luis de Pablo y Cristóbal Halffter). Escuchar audio

Esta edición de Ars Sonora continúa el ciclo de tres programas dedicados al compositor alemán York Höller en su octogésimo aniversario. Nacido en Leverkusen en 1944, Höller ha sido una figura clave en la música contemporánea alemana, como compositor, profesor en la Hochschule für Musik de Colonia y director artístico del Estudio de Música Electrónica de la WDR. El programa se centra en las obras de Höller compuestas durante la década de 1970, con énfasis en aquellas que incorporan elementos electrónicos. Se presenta en detalle "Arcus" (1978), una pieza para diecisiete instrumentos y cinta magnética, encargada por el IRCAM y estrenada por el Ensemble InterContemporain bajo la dirección de Péter Eötvös (compañero de generación de Höller, pues también nació en 1944, aunque desgraciadamente falleció en marzo de 2024; Eötvös fue el protagonista, hace unas pocas semanas, de otro ciclo de Ars Sonora). Exploramos la técnica compositiva de Höller en "Arcus", que utiliza transformaciones electrónicas para modificar y ampliar las posibilidades acústicas de los instrumentos tradicionales. El compositor trabajó en el IRCAM para desarrollar la dimensión electrónica de la obra, utilizando un código que estructura tanto los sonidos sintéticos como los instrumentales. El programa también incluye fragmentos de "Chroma" (1972-1974), para gran orquesta y órgano transformado electrónicamente, y "Tangens" (1973), obra escrita para una plantilla tan excepcional como el conjunto de músicos que la interpreta: Othello Liesmann, violonchelo; Wilhelm Bruck, guitarra eléctrica; Peter Eötvös, piano y órgano eléctrico; David Johnson y Mesías Maiguashca, sintetizadores AKS. A través de estas audiciones, Ars Sonora ofrece una perspectiva sobre la evolución del lenguaje de Höller en una década crucial dentro de su carrera, durante la cual el compositor profundizó en su exploración de las interacciones entre sonidos acústicos y electrónicos. Escuchar audio

Con esta edición de Ars Sonora iniciamos un ciclo de tres programas dedicados al compositor alemán York Höller en su octogésimo aniversario. Nacido en Leverkusen en 1944, Höller ha sido una figura clave en la música contemporánea alemana, como compositor, profesor en la Hochschule für Musik de Colonia y también como director artístico del Estudio de Música Electrónica de la WDR, donde sucedió a Karlheinz Stockhausen. El programa se inicia con "Topic" (1967), obra orquestal que revela la influencia de su maestro Bernd Alois Zimmermann, y que catapultó al joven compositor hacia cierta fama —entendida ésta, siempre, dentro de los ínfimos márgenes en los que nuestra sociedad confina este tipo de composición musical—, con contrastes extremos unidos por una construcción extremadamente coherente. A continuación presentamos "Horizont" (1971/72), obra para electrónica en cuatro canales que refleja varias ideas centrales en la obra de Höller: claridad estructural, expresividad, contenido poético y la concepción de la música como discurso sonoro. Frente al rechazo unilateral de la vanguardia serial por parte de algunos de sus contemporáneos, Höller ha fusionado, ya desde su juventud, el pensamiento estructural y la creatividad más espontánea, inspirándose en conceptos "extramusicales" (usando siempre las comillas en este desafortunado término) como el espacio, la literatura, la filosofía o la ciencia. En este sentido, la década iniciada en 1970 marcó un giro en el enfoque estético de Höller, que se interesó por los dramas musicales de Wagner, el psicoanálisis de Carl Gustav Jung y la "Dialéctica de la Ilustración", es decir, la demoledora crítica al proyecto de la Modernidad que firmaron conjuntamente los filósofos Theodor Adorno y Max Horkheimer. Finalmente escuchamos "Mythos" (1979/80, revisada en 1995), para trece instrumentos, percusión y cinta cuadrafónica (la obra nos llega en la interpretación del ensemble Musikfabrik, con Zsolt Nagy como director). En esta obra, Höller crea una narración musical mediante un enfoque que combina la construcción racional con una expresividad espontánea, basada en diferentes formas de representación simbólica. El programa concluye con un fragmento de "Arcus", que será explorada en el próximo programa. Escuchar audio

En esta edición de Ars Sonora exploramos el universo sonoro de Flora Yin-Wong, artista y DJ londinense de ascendencia chino-malaya. Con una propuesta que se expande desde el pop experimental y la música de baile hasta terrenos propios de la música ambiental —lo que permite entroncar esta emisión con la de la semana pasada, dedicada a Kaitlyn Aurelia Smith—, Yin-Wong se nutre de sus viajes y experiencias multiculturales para crear sus propuestas sonoras. El programa recorre la trayectoria de la compositora y artista sonora a través de sus discos más destacados. Se inicia con "Holy Palm" (2020), un diario de viaje en sonido que captura susurros y estruendos de lugares exóticos y cotidianos. A través de técnicas digitales de procesamiento, Flora Yin-Wong manipula instrumentos de cuerda como el violín, el yangqin chino o el kemenche turco, creando ambientes herméticos y texturas erosionadas digitalmente. Escuchamos, como muestras de este trabajo, piezas como "Śūnyatā" y "Loci", que exploran la relación entre espacio, memoria y lo invisible. Continuamos con "The Sacrifice" (2021), un EP inspirado en el folclore galés y grabado en la naturaleza salvaje del norte de Gales. Este trabajo muestra un lado más introspectivo y reverente de Yin-Wong, con grabaciones de campo que capturan la totalidad de su entorno natural, como se manifiesta en "Willow Bends" (que incluye la narración sonora de Rachel Lyn), y la pieza que da título al disco, "The Sacrifice" (realizada en colaboración con Adam Sherry). Finalmente llegamos a "Cold Reading" (2023), un álbum aún más abstracto y esquelético, influido por la idea de un pacto fáustico y la imaginería religiosa. Inspirada en la "Sonata del trino del diablo" de Tartini, Yin-Wong crea una teología sonora a través de campanas, sueños "new age" y marchas fúnebres. Presentamos "Meadow Copse", "Beautiful Crisis" y "Vittore al Corpo", antes de concluir con la escucha de "Nectar Dripping" (pieza que ha sido comparada con un disco oxidado de los Cocteau Twins), y otro fragmento de "Loci", cerrando el círculo de este viaje sonoro. Escuchar audio