Bandas sonoras para recordar 2z2n27

Fábula de ciencia-ficción en la que un extraterrestre llega a la Tierra y vive un tórrido romance con una terrícola, con el inconveniente para él que, al convertirse en humano, se ha transformado en la réplica exacta de su difunto y amado marido. Hermosa partitura, de corte fantástico y romántico, en la que el compositor aplica melodías sinfónicas con cierto tono melancólico. Sobresale su bello tema principal. Compositor: Jack Nitzsche. 1.Jenny Shot (1:32) 2.Here Come The Helicopters (4:48) 3.Honeymoon (0:59) 4.Road Block (1:41) 5.Do You Have Somebody? (1:21) 6.Pickup Truck (3:03) 7.What's It Like Up There? (1:49) 8.All I Have To Do Is Dream - Jeff Bridges, Karen Allen (3:32) 9.Lifting Ship (1:25) 10.I Gave You A Baby (2:12) 11.Morning Military (1:07) 12.Define Love (1:35) 13.Balls (1:11) 14.Starman Leaves / End Title (7:09)

Una pieza imprescindible dentro del mundo de las BSO. La adaptación de las aventuras de este bárbaro, creado en las novelas de Robert E. Howard y popularizado en los cómics de John Buscema, Barry Windsor-Smith y Roy Thomas, no habría sido la misma sin la música que la acompañó. Basil Poledouris compuso piezas operísticas que encajaban a la perfección para cada escena: rigor para la acción, exotismo para la orgía, melodía para las partes románticas y solemnidad para el funeral. El compositor griego-americano supo crear una banda sonora de corte orquestal y clásico con la que dotó a la cinta de un aura de magnificencia que hace de ella todo un clásico para cualquier amante del cine de fantasía y aventuras. Temas de la película Conan el bárbaro Compositor: Basil Poledouris Prologue/Anvil of crom Riddle of Steel / Riders of Doom Wheel of Pain Atlantean Sword Theology / Civilization Wifeing The Leaving / The Search Mountain of Power Procession Tree of Woe Recovery The Kitchen / The Orgy Funeral Pyre Battle of the Mounds Death of Rexor Orphans of Doom / The Awakening Cecilia And The Radio Symphony Of Rome. Recorded At International Recording Studios, Rome, Italy. All Music Written And Conducted By Basil Poledouris Except "The Orgy" (Written By Basil And Zoe Poledouris).

Dying Young (Elegir un Amor)(Compositor: James Newton Howard,Kenny G) Melodrama sobre el romance entre un joven heredero, aquejado de leucemia, y la enfermera que le atiende. Partitura romántica y a la vez dramática, con solos de saxo y un estilo moderno y acústico, desgranandose en forma de melodias hermosas. La película y su música: La que sería segunda película con Julia Roberts de una larga lista a las que Howard pondría música, es un drama romántico e intimista que marcaría también la segunda colaboración del músico con el director Joel Schumacher con el que el compositor lograría poco después una de las cumbres de su carrera con “Un día de furia”. El gran éxito de su banda sonora se debió a la acaramelada participación en el proyecto de Kenny G, que aporta el elemento romántico comercial con el que se consiguieron las multitudinarias ventas de este disco, aun siendo el auténtico artífice de la maravillosa, delicada y pegadiza partitura nuestro querido compositor. Consiguió además la nominación a los Grammy como mejor composición música instrumental de su año. Lo mejor: La belleza de las melodías incluso con la introducción de Kenny G. en pasajes tan coloristas como Driving north / Moving in. Lo peor: Que para disfrutar la partitura sin aditamentos comerciales (canciones y saxo) la duración del score se reduzca a unos exiguos aunque magníficos 13 minutos. Temas: 1. Theme from Dying Young - Kenny G 2. Driving North / Moving In - Kenny G;James Newton Howard 3. The Clock 4. Love Montage 5. The Maze 6. All the Way - Jeffrey Osborne 7. Hillary's Theme - Kenny G;James Newton Howard 8. Victor Teaches Art 9. The Bluff 10. San Francisco 11. Victor 12. All the Way - King Curtis 13. I'll Never Leave You (Love Theme) - Kenny G;James Newton Howard

American Beauty (Compositor:Thomas Newman) El sentido y la música de American Beauty En 1999, Sam Mendes nos deslumbró con su opera prima en la dirección cinematográfica. La película en cuestión se llamaba "American Beauty" (podría traducirse como Belleza Americana, pero también es un tipo de rosas) y contaba con un gran reparto, tanto artístico como técnico, destacando entre los primeros el actor Kevin Spacey, y dentro del segundo el veterano iluminador Conrad L. Hall y el compositor Thomas Newman. El guión fue llevado a cabo por el también debutante Alan Ball (ganador del Oscar por este trabajo). El propio Spielberg leyó el guión y se lo encargó personalmente a Sam Mendes, con la condición de que no cambiara nada -el propio director dijo que le ofrecieron el proyecto porque sería el que menos cobraría-. Finalmente, por acuerdo entre guionista y director, se suprimieron secuencias y se alteró el final, según confesó el propio Alan Ball en una entrevista tras ganar el Oscar. El film no fue un rotundo éxito, pero ni mucho menos fracasó, por supuesto, su recaudación aumentó tras sus 8 nominaciones y sus posteriores 5 galardones (toda película ganadora del Oscar recauda un 25% más en taquilla, sin contar con una mayor venta de derechos y recaudaciones en vídeo), a pesar de que su carrera comercial estaba casi terminada. Spielberg -a través de su productora Dreamworks- se anotó de nuevo un tanto gracias a su ojo clínico (¿recuerdan al rey Midas?) para elegir guiones y talentos. Recordemos que Mendes era director teatral y que montó "The Blue Room" con Nicole Kidman como estrella absoluta. De nuevo su reconocido instinto le reportó dividendos y prestigio; la película sólo costó 15 millones de dólares, lo cual es una auténtica miseria, si tenemos en cuenta que una producción media de Hollywood cuesta entre 40 y 50 Millones de dólares. Kevin Spacey ganó el Oscar por su recreación de Lester Burham, Alan Ball lo ganó por su magnífico guión, Sam Mendes hizo lo propio con su buena dirección y Conrad L. Hall vio recompensada su gran labor como operador con un segundo Oscar (el primero lo ganó con su fotografía para "Dos hombres y un destino"), gracias al toque blanquecino que transmite a la película, resaltando el rojo de las rosas y haciendo destacar el blanco de las paredes de la cocina de los Burham. Conrad L. Hall falleció recientemente (el cinco de Enero de 2003), pero eso no ha sido obstáculo para que ganara su tercer Oscar por la impresionante iluminación para la otra película de Mendes, "Camino A La Perdición". El montaje de Tariq Anwar, Annette Benning y el score de Thomas Newman quedaron finalistas. Probablemente todos los galardones fueron justos y recompensaron la gran labor de producción de todo el equipo, aunque hubo sórdidas excepciones que no se entienden muy bien (ese Oscar vilmente robado a Thomas Newman... es increíble). Pero, ¿qué tenía esta película para agradar tanto a la conservadora academia? Pues... Nada. Porque conservador es el último adjetivo que se emplearía para definir American Beauty, ya que daba un gran palo al famoso "American Way Of Life" y al no menos famoso "American Dream". El guión de Alan Ball (antes de este film, sólo había hecho guiones para televisión) estaba repleto de acidez corrosiva, de denuncia, de hipocresía, de humor negro, de falsedad, de crítica contra el sistema, contra las instituciones, contra el dinero y los cambios que este produce en el ser humano, a todo esto se le sumaba que contenía un par de desnudos adolescentes, quedando ya completa la provocación. En relación con los desnudos es curiosa la carta que apareció publicada en un periódico de tirada nacional en la que se ensalzaba la película, pero se arremetía contra los desnudos al ser "completamente innecesario para el desarrollo de la trama la aparición de esas dos chicas desnudas y la recreación en esa desnudez". Todos ocultan algo en el mundo de "American Beauty", nadie se muestra como es, incluso Jane guarda dinero para una operación de pecho. Es la historia de la destrucción del matrimonio y de la familia Burham, un matrimonio hipócritamente perfecto que se esconde como la podredumbre debajo de la alfombra. Como ya se ha dicho, esta hipocresía se extiende a todos los personajes, ocultando todos una parcela importante de su ser, todos ocultan su verdadera personalidad, sus frustraciones y sus problemas, hasta que Lester no puede aguantar más, se quita los corpiños que le tenían atrapado y se muestra como quiere, haciendo lo que le viene en gana. De este esquema se sale Ricky (Wes Bentley), con la paradoja de que es él el considerado como "Freak" (Así en la V.O), como "pirado", siendo en realidad el único que se muestra tal como es, grabándolo todo con su cámara de vídeo, simplemente porque le gusta grabar cosas. Incluso confiesa abiertamente que lo más bello que ha grabado en su vida es una bolsa siendo llevada por un remolino de viento ("Hay tanta belleza en el mundo... que a veces siento que no lo aguanto"), una confesión de inocencia, de candor, de realidad, de integridad, una confesión que lleva a Jane a enamorarse de él. Ricky no piensa en los demás, no sucumbe a la sociedad, a sus gustos, modas u opiniones, simplemente se viste con su gorro, coge su cámara y filma la realidad, la vida tal y como se le presenta; la extraña realidad que siempre supera a la ficción ("Weirdest Home Videos"). No le importa que le rechacen, o le insulten, su integridad le permite estar por encima de todo eso, sabe que su fachada no es convencional, pero no pretende entrar en este mundo de mentiras y engaños. Ricky es un "Outsider", no quiere entrar en las convenciones sociales y se muestra como es, sabiendo que si tiene que gustar a alguien, será porque le guste como es, no quiere representar a alguien que realmente no es. En esta película no sólo el guión era tremendamente sólido, sino que además el hilo conductor de la puesta en escena era realmente original: Las rosas (ya se ha dicho que American Beauty es un tipo de rosa). ¿Qué representan realmente las rosas? Sam Mendes nunca se pronunció acerca del contenido o significación de las famosas rosas, así que no nos queda más remedio que especular. Acerca de este tipo de símbolos existe una anécdota muy graciosa a cargo de Buñuel (ese gran talento del absurdo), que al ser preguntado en una ocasión por el significado de unas ovejas que aparecían en un film suyo respondió airado: "¡No lo sé!. ¡Pregúntenle a los críticos, ellos lo saben todo!". Esta divertida anécdota nos muestra la inutilidad de buscar razones y sentido a todo lo que aparece en un pantalla de cine, a cada plano, a cada diálogo. Las rosas aparecen diseminadas por toda la casa y en las secuencias más relevantes, lo que le da un aire de juego. Carolyn cultiva rosas y nos muestra sus secretos para cuidarlas, en este sentido podrían enlazar el recuerdo que guarda Lester de su joven y, por aquella época, liberal esposa (se paseaba desnuda en su juventud) con el despertar que siente en su vida y en sus instintos al conocer a la sensual y exuberante Angela. Así, las rosas harían de motivo conductor entre el recuerdo del deseo por su joven esposa de los setenta y el nuevo deseo renovado y encarnado en la joven Angela. Aunque al hablar de estos significados semióticos podemos caer en la tautología, o peor aún, en la anécdota de Buñuel... En cualquier caso, suponemos que la las rosas sirven para algo más que para tapar la desnudez de Mena Suvari. Volviendo a los personajes y a sus secretos, aquéllos que no ocultan nada, es porque se encuentran incapacitados para hacerlo, siendo paradigmático el caso de la madre de Ricky, incapacitada mentalmente para hacer nada, quedando junto con su hijo como los únicos restos de integridad de la película. A pesar de que Ricky sí esconde algo (su adicción a las drogas blandas), aunque este caso no lo hace por hipocresía o corrupción moral, sino por obligación ante la rigidez tanto paterna como social. Su padre (interpretado por el reciente ganador del Oscar Chris Cooper) esconde su sexualidad detrás de la hombría intachable de un coronel retirado de los "Marines", atacando la homosexualidad hasta en sus aspectos más sinceros y cariñosos. Esto es lo que Freud denomina "Proyección", el individuo proyecta en su odio a lo homosexual un rechazo hacia su propia homosexualidad, no reconociendo su propia condición. Éste es sin duda el personaje que más oculta y el que más difícil de imaginar resulta, pero el resto también lo hace: Carolyn oculta un matrimonio fracasado, Angela oculta su virginidad tras una máscara de "devora hombres", "el rey del inmueble" esconde también otra farsa matrimonial, escudándose para ello bajo su estúpido lema: "Para tener éxito hay que proyectar una imagen de éxito". Pero el gran protagonista de la cinta es Lester Burham, magistralmente encarnado por Kevin Spacey, en una transformación física y mental excepcional, reflejada en sus muecas, su forma de caminar cargada de espaldas, su absoluto sometimiento a su mujer, sus maneras de un hombre acabado y hastiado de la vida, rasgos todos transformados al conocer a Angela y liberarse de las correas que le atan. Comienza el film con la voz de Lester aclarando que "Yo ya estoy muerto, aunque eso, claro, aún no lo sé", ahondando después en su propia mortalidad ya en vida al afirmar que, "en cierto modo, yo ya estoy muerto". Es el propio Lester, desde el cielo, el que nos adentra, con un bonito plano cenital y una cuidada iluminación, en una característica urbanización estadounidense de clase media-alta, en la que, estamos seguros, detrás de cada casa, se esconde una historia similar a la desarrollada por la película en la figura de Lester. Prosigue Lester en su narración (ribeteada por la excelente partitura de Newman) mientras en cámara se nos muestra su anodina y amargada vida cotidiana, que alcanza su punto culminante cuando se masturba en la bañera ("Para mí, el mejor momento del día" -"This is the Highlight Of My Day", en la V.O.- la misma frase que empleó al recoger el Oscar). Lester se rebelará ante esta situación en la famosa secuencia de la cena familiar, en la que estalla la ira contenida tras tantos años, sin perjuicio del punto de inflexión previo que supone una de las maravillosas frases del guión de Alan Ball: "Es genial comprobar que todavía tienes la capacidad de sorprenderte a ti mismo". Aunque quizá la frase más definitoria de la película es la que pronuncia el propio Lester a su jefe de sección : "Sólo soy un tipo corriente que no tiene nada que perder", es tan definitoria que muchos podrían verse reflejado en ella. La tarea de componer la partitura para la película recayó en Thomas Newman, hijo del famoso compositor, director musical, y autor de la fanfarria de la fox, Alfred Newman, que ya había sido previamente candidato al Oscar al menos en dos ocasiones y que había demostrado su valía en composiciones como "Cadena Perpetua", "¿Conoces A Joe Black?", "El Hombre Que Susurraba A Los Caballos" y "Esencia de Mujer" (con una calidad inversamente proporcional a la de los filmes que servía de soporte, excepción hecha, claro está, de "Cadena Perpetua"). Realmente, desconocemos por qué Newman fue el elegido, pero tras ver los resultados, sabemos que era el músico y compositor más adecuado y que nadie habría sabido como transformar la historia y las imágenes en una partitura musical que complementa la película en una simbiosis perfecta. En el que, seguramente, es el mejor trabajo de toda su carrera (una injusticia manifiesta que no ganara el Oscar), Newman optó por aplicar su personal estilo, pero con particularidades. No utilizó la orquesta-sabia decisión- en favor de extraños y exóticos instrumentos no utilizados normalmente, pero que daban una dimensión extra a la película. Utiliza Newman instrumentos de cuerda extraorquestales como banjos, ukeleles, mandolinas, así como guitarras, tanto eléctricas como acústicas. El mejor ejemplo lo encontramos en el corte nº 1 del cd editado del score: "Already Dead", en el que también se emplean percusiones y membráfonos como el tam-tam (que marca un excelente ritmo), mientras que la melodía principal es llevada por una especie de xilófono, instrumento que es el primero en entrar, seguido en contrapunto imitativo de los citados cordófonos. El corte en cuestión rebosa ironía por los cuatro costados y se adapta a la perfección a la secuencia inicial de la película (ya comentada), haciéndonos reír ante la inutilidad y el sometimiento de Lester a todo lo que le rodea. Newman sabe captar perfectamente que música e instrumentación debe emplear en todo momento, creando una expectativa de comedia que no se mantendrá a lo largo de la película, ya que sus cambios de registro son constantes. Posteriormente, y siguiendo el orden de los cortes del CD, nos encontramos con un corte titulado "Arose", que pertenece a la primera ensoñación erótico-festiva de Lester tras conocer a Angela en el partido de baloncesto. La música asociada a esos momentos oníricos y al personaje de Angela es de extrañas sonoridades, con percusiones metálicas (Cfr. el corte llamado "Spartanatte") que producen un extraño efecto al ser contemplada la secuencia. El citado corte "Arose" contiene unos particulares tintineos metálicos (podrían ser triángulos) en una contrastación de la asociación comentada. Esta asociación metálica de Angela se romperá en una de las secuencias clave de la película, el encuentro entre Lester y Angela en el que están a punto de consumar el acto sexual. Aquí la música de Newman es sustituida por una bonita canción de Annie Lennox (no incluida en ninguno de los dos cd's), tal vez porque ya hemos salido de ese mundo onírico y entrado en la realidad, y en esta realidad, Angela cae a los encantos de Lester, rompiéndose la fantasía y entrando en el verismo, en la realidad, en la que, por fin, cae seducida. Otra de las virtudes que hallamos es el uso de la música, halago que Newman deberá compartir con Sam Mendes, ya que hay secuencias que encajan perfectamente con las canciones que Mendes seleccionó e incluyó en la película. Podríamos poner como ejemplo la secuencia de la rebelión de Lester en la cena: Cómo un ser anodino y pusilánime impone su ley sacando la rabia y la furia que llevaba tanos años guardando. Aquí no hubiera funcionado ningún tipo de música incidental extradiegética que subrayara las imágenes y sus sentimientos, el uso de la música diegética en esta secuencia supone un contrapunto irónico y cómico a la subyacente crudeza de la escena, permitiendo incluso que los propios personajes hagan comentario hilarantes acerca de la música que escuchan en la "sabrosa y nutritiva cena". En este sentido, Mark Russell y James Young dicen: "Las eclécticas texturas instrumentales de Thomas Newman se integran perfectamente con las diez canciones seleccionadas, sin perturbar en absoluto el equilibrio de la tensión dramática" ("Bandas Sonoras . Cine" / "Screencraft Film Music"), de Mark Russell y James Young, ed. Océano, 2001). Otro momento destacado de la música es el excelente y apacible corte "Walk Home" que nos sumerge en el inicio de la relación entre los dos vecionos adolescentes, filmado con un plano lejano de los chicos, plano que nos muestra hileras de árboles y un coche fúnebre, mientras que la música nos hace sentir la quietud del momento, la paz. El gran momento donde Newman utiliza su maestría para el sentimiento y la introspección, su maestría para hacernos sentir lo que los personajes sienten, la emoción del momento, y lo hace, por supuesto, con su instrumento favorito: El piano (Newman se especializó en este instrumento tras sus estudios de música). Una imagen con la que más de uno soñóEl corte en cuestión es el denominado "American Beauty" en el Cd y posteriormente repetido como "Any Other Name", este corte constituye una de las mejores muestras de los ya clásicos temas de piano de Thomas Newman, quizá su marca de la casa, su sello, que lo hace distinguible del resto, su estilo, su razón para componer. La música consigue crear una atmósfera perfecta (otra de las grandes virtudes de Newman es crear sonidos atmosféricos, que se ajustan como un guante a las imágenes, mediante el uso inteligente del sintetizador), mientras vemos en pantalla el ir y venir de una bolsa movida por el aire, a la vez, la voz "en off" de Ricky nos advierte que "Hay tanta belleza en el mundo..." Esta secuencia nos demuestra el cambio producido en Jane, desde el desprecio inicial, pasando por el interés y terminando en el amor, su cambio es palpable mientras escucha las palabras de Ricky y se da cuenta de la autenticidad de este chico, como lo es nuestro descubrimiento del sentimiento de la chica, primero con la mirada, después, con un beso. La secuencia es la cumbre de la película, la secuencia por la que será recordada en un futuro lejano, la secuencia que mejor describe la película, la que resume todo el argumento, la que nos demuestra la virtud de la ingenuidad y la inocencia y la capacidad que tienen de despertar sentimientos, de despertar el amor. Y es la belleza de la melodía (y del piano) la que nos hace evocar todas estos sentimientos, la que nos recuerda que seguimos vivos, que no vivimos para sofás italianos, ni para chalets adosados, sino para las relaciones con las personas, para el amor, para la honestidad, para la integridad, para creer en los demás, para entregarnos. La belleza y sentimiento del ambiente se vuelven pura opresión y expectativa (con la utilización de los mismos instrumentos que en el corte comentado anteriormente) en el corte "Structure And Discipline", en el cual, se ven los planes de todos los personajes, envueltos en la noche. Planes de futuro, (los adolescentes y su fuga), planes de inmediatez (la sexualidad del Coronel Fitts) y planes homicidas (Carolyn, aunque no llega a consumarlo). Aquí, la música nos prepara para el desenlace, tanto de la secuencia, como de la película, creando una sensación opresiva y malsana, que nos hace estar atento al excelente montaje paralelo, mientras esperamos con impaciencia, sensación remarcada por el ritmo lento y cansino de la melodía interpretada por el piano, una sensación que se suma a la sensación de atmósfera ya comentada, pero una atmósfera que se torna en opresión tras la tranquilidad y la apacibilidad de los cortes anteriores. Por último, ya bastante iniciados los créditos finales, vuelve el corte número uno, aquí llamado "Still Dead" y arreglado con una mayor presencia de los banjos y de la percusión, que le da un aire más divertido aún. Es sintomática la fama alcanzada por este score fuera de los círculos de aficionados y coleccionistas, ya que ha trascendido los círculos de aficionados para incrustarse en el colectivo popular. Buena muestra de ello es la utilización del corte llamado "American Beauty" en una campaña televisiva navideña de una conocida cadena de televisión nacional y la remezcla del título principal realizada por Yakatta. En este sentido, también habría que comentar la gran influencia que ha ejercido esta banda sonora, y por ende el estilo de Thomas Newman, en otros compositores, entre los que destacan John M. Keane, compositor de la serie de televisión "C.S.I: Crime Scene Investigation", y el español Víctor Reyes, que prácticamente ha plagiado la instrumentación y las orquestaciones de Newman en su banda sonora de "En La Ciudad Sin Límites", partitura que le valió una candidatura al Goya. También pueden detectarse sus influencias en numerosos anuncios publictarios. En definitiva, "American Beauty" es una de las mejores composiciones de Thomas Newman, en la que supo sacar todo el partido posible a su estilo y aplicarlo a una historia absolutamente contemporánea que no debe limitarse o ceñirse al consabido retrato de la doble moral americana y de la sociedad estadounidense. Amigos, el género humano es igual, sin distinciones, en todas partes del mundo. Pero... como diría Lester: "Seguro que no tienen ni la menor idea de lo que les estoy hablando". Lo Mejor: Toda la partitura de Newman, la fantástica orquestación y producción (del compositor con su habitual productor, Bill Bernstein) y el magnífico guión de Alan Ball. Lo Peor: Que le fuera vilmente arrebatado el Oscar a Thomas Newman y que todavía no se haya hecho justicia. Que sacaran primero el disco de canciones y hubiera que esperar a escuchar completa la magnífica obra de Newman. Fuente: BSOSpirit Ricardo Torres. Temas: 1. Dead Already 2. Arose 3. Power Of Denial 4. Lunch W/ The King 5. Mental Boy 6. Mr. Smarty-Man 7. Root Beer 8. American Beauty 9. Bloodless Freak 10. Choking The Bishop 11. Weirdest Home Videos 12. Structure & Discipline 13. Spartanette 14. Angela Undress 15. Marine 16. Walk Home 17. Blood Red 18. Any Other Name 19. Still Dead

La Vida Es Bella (La Vita E Bella)(Compositor:Nicola Piovani, Noa) Esta pelicula realizada sobre el año 1997 llego a las pantallas con un exito rotundo, consiguio el exito de publico, critica y los mas prestigiosos premios cinematograficos (Festival de Cannes, Premios de cine europeos...). Pero el autentico "boom" llego con los Oscars de Hollywood cuando por primera vez en una pelicula extranjera era nominada nada mas y nada menos que a 7 estatuillas de las que al final logro 3 (Mejor Director, Mejor pelicula extranjera y mejor banda sonora). ::: SINOPSIS ::: Guido el personaje protagonista llega a un pueblo de la Toscana italiana con la intención de abrir una libreria, alli conocera a Dora, se enamora de ella pero se las vera con Ferrucio, fascista con el que se relaciona Dora, pero nuestro protagonista no se rinde y hace lo posible por llamar la atención de Dora y conseguir su amor, al final Dora cansada de su actual situación con Ferrucio y encandilada por el caracter de Guido acaba por marcharse con el, juntos emprenden una nueva vida en la que tienen un hijo Giouse (pronunciado Josué). Su futuro pinta maravilloso hasta que estalla la guerra y los tres son enviados a un campo de concentración, Guido intenta ocultar a su hijo el horror al que seran sometidos, le hace creer encontrarse en un viaje-juego con premio incluido, el juego consiste en superar una serie de pruebas para sumar 1000 puntos con los que ganaran el premio consistente en un super carro blindado, Josué no acaba de comprender todo lo que sucede a su alrededor y se muestra reticente hasta que Guido con una serie de situaciones muy divertidas consigue convencerle, el desenlace es lo mas emotivo de toda la pelicula, lo dejo para quien aun no la haya visto que lo descubra por si mismo. ::: CRÍTICA ::: Maravillosa forma de hacernos ver algo tan cruel como una guerra y sus campos de concentracion, la pelicula tiene un doble sentido en el cual de una forma amena y divertida nos muestra el horror, el sufrimiento, el dolor en situaciones extremas pero manteniendo siempre el gran secreto para que el pequeño Josué no se entere y siga acumulando puntos. Roberto Begnini sorprendio a medio mundo con una actuación magistral y una dirección perfecta. Su actuacion asemejandose en muchas situaciones al humor Chaplinesco nos divertira en escenas rocambolescas y muy bien tramadas. ::: BANDA SONORA ::: La banda sonora corre a cargo de Nicola Piovani, fue premiada con una de las tres estatuillas de los Oscars, cabe destacar el precioso tema principal de NOA "La vida es Bella" que se puede encontrar bien en el disco de la banda sonora o en su disco "Blue Touches Blue". ::: CURIOSIDADES ::: - Ha sido galardonada con 40 premios internacionales entre los que destacan los 3 Oscars de Hollywood, premio especial del jurado en el festival de Cannes, 9 Premios David de Donnatello, festival de Varsovia, Festival de Montreal y un largo etc... - Dora interpretada por Nicolleta Braschi es al igual que en la pelicula la esposa de Roberto Begnini. - El Papa solicitó un pase privado para ver la pelicula. - Participa nuestra actriz Marisa Paredes como madre de Dora. - El número en el uniforme del campo de concentración de Benigni es el mismo número que llevaba Charlie Chaplin en "Gran Dictador, El", lo que indica la iracion de Begnini al humor de Chaplin. - El titulo de la pelicula fue sacado de una cita de Leon Trotsky cuando se encontraba en Mexico y sabia que los soldados de Stalin iban a matarlo, observo como paseaba su esposa por el jardin y escribio... a pesar de todo, "La vida es bella". Temas: 01 Buon Giorno Principessa 02 La Vita E Bella 03 Viva Giosue 04 Grand Hotel Valse 05 La Notte Di Favola 06 La Notte Di Fuga 07 Le Uova Nel Cappello 08 Grand Hotel Fox 09 Il Treno Nel Buio 10 Arriva Il Carro Armato 11 Valse Larmoyante 12 L'uovo Di Struzzo-Danza Etiope 13 Krautentang 14 Il Gioco Di Giosue 15 Barcarolle 16 Guido E Ferruccio 17 Abbiamo Vinto

Rob Roy, la Pasión de un Rebelde (Compositor:Carter Burwell, Capercaillie) ROB ROY es una película que se puede englobar en la clase de películas tipo BRAVEHEART, pero mucho menos espectacular y más realista, con mucha depravación (los nobles son auténticos pervertidos, baste ver al actor TIM ROTH, que hace una increíble caracterización que fue nominada al OSCAR). El músico que llevó a cabo la tarea de componer la música de ésta película fue el siempre efectivo y lírico CARTER BURWELL, que aquí impregna su sello musical y su buen hacer, componiendo una de las partituras más bellas y líricas de los 90, con un tema principal hermoso y que será largamente recordado. Casi cometo el error de llegar tarde a la película cuando fui a verla al cine, pero llegué justo en el momento en que sonaba el OVERTURE, primer tema del compact, y me quedé sorprendido y enamorado de la música. CARTER BURWELL es uno de esos pocos compositores que saben tocar la fibra sensible, y saber ser originales y nada empalagosos, una virtud muy poco compartida entre sus colegas. Habitual de lo COHEN (hay están sus estupendas partituras para películas como FARGO, ARIZONA BABY, EL GRAN SALTO O BARTON FINK) BURWELL compone su tema principal con muchos aires étnicos propios de las montañas y los valles donde transcurre la película, en Escocia, y lógiamente, la música tiene que traernos a la memoria éste contexto. Apoyado en secciones de cuerda y viento, y con uso de voz femenina y gaitas, CARTER construye un tema precioso y muy lírico. El primer corte del Compact, OVERTURE, tiene dos partes; en la primera escuchamos el tema prinial de la película, muy lírico, y el segundo tema aparece ligado al primero mediante una gaita y una voz femenina, que dan paso al uso de percusión con tambores para relatarnos visualmente como ROB ROY y su clan buscan a unos ladrones de ganado. Increíble. El compact alberga 50 minutos, más o menos, de increíble música, donde alberga el lirismo ( en cortes como el último tema del compact, ROBERT AND MARY, muy emotivo) y la acción (excelente el corte que musicaliza la fallida ejecución de ROB ROY en el puente, BORN BY RAPIDS, o la llegada de las tropas inglesas para destruir la vivienda de ROB ROY y violar a su esposa, TROOPS IN THE MIST). El compact está aderezado con dos cortes ajenos al compositor de un grupo de la tierra, CAPERCAILLIE, que funcionan muy bien, y que son THE GAELIC REELS y THE BLUNT REELS, más o menos tres minutos. Una BSO que resume el buen momento de muchos compositores actuales y que pone de manifiesto el buen hacer de CARTER BURWELL, uno de los mejores compositores y más independientes del mundo cinematográfico. Cómo nota adicional, resaltar que en la película aparece un tema que no está recogido en el compact tocado por los CHIEFTAINS, una marcha tradicional llamada O´ SULLIVAN´S MARCH, de 4 minutos de duración que aparece cuando las tropas inglesas parten del castillo para capturar a ROB ROY. Éste tema, con gaitas y uso de instrumentos de vientos, está recogido en un compact llamado THE CHIEFTAINS FILM CUTS, un album recomendable no sólo por este tema, sino por todos los demás (pertenecientes a otras películas). Temas: 01. Overture: Rob Roy / The Rieving Party (04:42) 02. Home from the hills (02:46) 03. Hard earth (02:10) (Karen Matheson) 04. Procession for the ill-used (01:40) 05. Blood sport (01:16) 06. The Gaelic Reels (01:07) (Capercaillie) 07. Ailein Dunn (02:37) (Tradicional / Canta Karen Matheson) 08. The last peaceful night (01:51) 09. Troops in the mist (01:15) 10. Honor inflamed (03:21) 11. The dispossessed: The cave / Hard home on the Moor (02:03) 12. The Blunt Reels (02:15) (Capercaillie) 13. Highland justice: Call of the Claymore / Assize of the Gregorach (02:59) 14. A standing stone, a silk purse (03:37) 15. Theid mi Dhachaigh (I'll go home) (01:20) (Tradicional / Angus Grant & Karen Matheson) 16. Rannoch Moor Suite: Scorched earth / Rannoch Moor retreat / The mists / Rob come to hand (06:07) 17. Morag's lament (00:50) (Tradicional / Karen Matheson) 18. Born by rapids (02:26) 19. Love and death suite: My beloved / A matter of honor / Cunningham's end (04:10) 20. Robert and Mary (03:14)

El Club de los Poetas Muertos (Compositor: Maurice Jarre) Por manida que esté, la frase “ya no se hacen películas como las de antes” parece que cada vez es más cierta. Los proyectos que llegan a nuestras carteleras ya no inscriben sus títulos con grandes letras en la historia del Séptimo Arte, sino que más bien pasan desapercibidos. Incluso las que terminan alzándose con grandes premios como el Oscar, el Globo de Oro o los de festivales como Cannes, Venecia, Berlín o San Sebastián al poco son olvidadas por la mayoría. Pero esto no siempre fue así… No hace falta remontarse al siempre socorrido periodo de la Edad de Oro de Hollywood, aquellas maravillosas décadas de los cuarenta o los cincuenta que descubrió a tantos grandes cineastas delante y detrás de las cámaras. Tan sólo hace 20 años, a finales de la década de los 80, podíamos encontrar en un mismo año muchas películas que hicieron historia. Por ejemplo, un año como el 89 nos dejó la tercera de las aventuras de Indiana Jones, nos presentó a un nuevo Batman, vimos a un hombre tener fe y construir un campo de baseball en medio de un maizal, supimos de la dureza del regreso a casa para un veterano del Vietnam o entonamos una frase que traspasaría el umbral de las salas de cine… “Carpe Diem”, disfruta el momento! El Club de los Poetas Muertos Pocas películas consiguen traspasar lo estrictamente cinematográfico para convertirse en un fenómeno social. Y muchas menos pueden jactarse de haberlo conseguido gracias al mensaje que encerraba su metraje. En aquel brillante 1989 para el arte y la industria cinematográfica, una película sencilla y poco pretenciosa como “El Club de los Poetas Muertos”, se convertiría en la inspiración de miles de jóvenes en todo el mundo. La historia de un entregado profesor de literatura que, en el seno de un estricto y arcaico colegio privado americano, intenta inculcar a sus pupilos las cualidades que un ser humano ha de tener para considerarse independiente, las que hacen de él un libre pensador, y de los alumnos que siguieron sus pasos, tocaron el alma de casi todos aquellos que fueron a verla, que supieron saborear el mensaje de libertad que evocaban sus imágenes. Peter Weir, por aquel entonces ya un más que respetado director, se atrevía con esta historia que aunque de contenido contemporáneo se refería a otra época en principio superada. Lo hacía contando con un reparto plagado de jóvenes valores, desconocidos para el gran público, arropados por un selecto grupo de secundarios de lujo y de un actor, una gran estrella, en busca de su reafirmación más allá de un género, la comedia, donde ya lo era todo: Robin Williams. El resultado para ellos iba a ser mucho más del esperado, pues varios de los descubrimientos de Weir luego labraron una carrera de prestigio, como Ethan Hawke (Training Day), sin duda el más famoso de todos hoy en día, Robert Sean Leonard (House, en televisión) o Josh Charles (Four Brothers); y Williams, no sólo consiguió el respeto que anhelaba, sino que además sumó su segunda nominación al Premio de la Academia como actor principal (la primera había sido por “Good Morning Vietnam”). Su profesor Keating, se convirtió en el modelo de profesor ideal para todo aquel que buscaba en las materias de su curso algo más que una nota, y no había alumno que no conociera el significado encerrado en aquellas dos palabras originales del latín: carpe diem. El mensaje, el apremio de disfrutar de cada momento de la vida como algo único, el buscar aquello que nuestro espíritu anhela y necesita, superando para ellos cualquier obstáculo, conseguiría calar en muchos que partieron en busca de sus metas personales. Pero el filme, además, es de esas películas que suponen lecciones maestras en muchos aspectos. La fotografía del filme, dominada por los colores ocres del otoño y, posteriormente, por el blanco y pálido invierno, es toda una lección técnica y artística; por no hablar de su extensa labor de ambientación y, como no, de la maestría de Peter Weir tras la cámara, otorgando a cada plano su valor adecuado y a cada movimiento su preciso momento. Y entre tanta lección magistral, el apartado musical no podía obviar la oportunidad. Maurice Jarre, colaborador habitual del realizador australiano desde que sus caminos se cruzaran por primera vez con El Año que Vivimos Peligrosamente, supo dibujar un cuadro sonoro más que apropiado para el filme, convirtiéndose en un elemento fundamental para transmitir el mensaje de la película. La maestría de lo sencillo De todos los títulos que tienen el honor de haber contado con Jarre en el apartado musical, me atrevería a asegurar que éste es el que menor cantidad de música contiene. Poco más de quince minutos de score conforman la aportación del maestro francés al filme, aunque no por ello su valor es menor. Jarre se enfrentaba al cometido de ir mucho más allá del mero subrayado musical. La presencia de la música en el filme es tan reducido, son tan pocas las secuencias que cuentan con ella, que éstas cobran una especial significación. En la mayoría de esas escenas, Jarre y su música quedan totalmente asociados al concepto de libertad, esa idea que Keating intenta inculcar en unos alumnos oprimidos por sus profesores, su ambiente escolar y, por extensión, las pretensiones de sus propios padres (sobre todo en el caso de Neal). Así, podemos hablar de un solo tema central que representa esa libertad perseguida y que en cada personaje supone algo diferente. Una primera aproximación a ese leit motiv es interpretado por instrumentos solistas, un harpa en sus tonos más agudos y por una flauta. Lo escuchamos acompañando a Knox en sus salidas en busca de Chris, su amada, o durante la obra de teatro de Neal, donde se muestra realmente su alma. Finalmente, ese delicado tema se convierte en un himno, en el canto de guerra pacífica de unos jóvenes en contra del sistema que establece rígidas fronteras, y que con su acto de sencillo levantamiento al subirse a las mesas y clamar el nombre de su respetado mentor, hacen lectura silenciosa de todo un manifiesto en defensa de la libertad de afirmación personal del ser humano. Acerca de esta secuencia, el propio director del filme escribe en las notas del libreto de la edición discográfica que Jarre “tenía que escribir con su música el diálogo final del filme, traducir a notas los sentimientos de aquel grupo de alumnos que se pusieron en pie a favor de su profesor”. Jarre, como no, consigue con éxito transmitirnos las emociones que cada cara nos sugiere, de cada mirada de orgullo de Keating hacia sus alumnos, de la impotencia de cada uno de los gritos del Sr. Nolan, el estricto y anquilosado director del colegio. Jarre inicia el largo corte de más de cinco minutos de la misma manera que suena en el resto del filme. Con la melodía en manos de ese instrumento solista… pero algo hay diferente: suenan contrapuntos al tema creando un ambiente de tensión que culmina con la aparición de las cuerdas y la percusión tradicionales, recogiendo el testigo de ese sonido electrónico para elevarlo, en un sostenido in crescendo, puntuado de apariciones de los sintetizadores, hasta convertirse en el grito de libertad y orgullo. La culminación de ese levantamiento la ofrece un grupo de gaitas que, si bien durante el fin han significado los conceptos más tradicionalistas de la sociedad que se nos muestra, aquí se convierten en líderes del nuevo orden. Una vez se funde a negro y los créditos del filme comienzan a aparecer, Jarre se mantiene fiel a la formación sinfónica para dejarnos de esa forma con un aliento de esperanza, con la reafirmación de que la lucha por la libertad sea cual sea el escenario, es siempre valiosa en si misma. A pesar de la corta duración del score del filme, podemos disfrutarlo gracias a que el sello Milan decidió publicarlo junto a cortes de otros filmes del Maestro, como Unico Testigo (Witness) y El Año que Vivimos Peligrosamente (The Year of Living Dangerously), ambos títulos dirigidos por el Peter Weir. Son cuatro los temas de El Club de los Poetas Muertos que aparecen en el disco, además del conocido Himno a la Alegría de Beethoven, que suena en el filme durante el entrenamiento de fútbol. Los dos primeros, “Carpe Diem” y “Neal”, desarrollan el tema principal en su versión más sencilla, mientras que el himno final queda en el titulado “Keating’s Triumph”. El corte restante, “To the Cave”, nos presenta una melodía que no se repite en la película y que se refiere a la primera escapada de los jóvenes a la cueva donde se realizan las reuniones del club. Comienza con un sonido grave, un solo masculino que termina por romper a una melodía sobria con cierto toque de fantástico, que acompaña adecuadamente a unas escenas donde la silueta de los muchachos se recorta contra la luz de la luna y una densa niebla, como si de espíritus se tratase. En pocas ocasiones se podrá afirmar con mayor rotundidad las excelencias de la utilización de la música en un filme. Por hábito, estamos acostumbrados a aplaudir aquellos trabajos que subrayan largos segmentos de un filme, pero en esta ocasión podemos hacer nuestro el también manido pero efectivo dicho de lo bueno, si breve, dos veces bueno. Con otras palabras, Jarre y Weir son conscientes en el filme del impacto de la música y lo aprovechan con maestría, dándole presencia allí donde realmente puede marcar una diferencia. Todo un ejemplo, otro más, a seguir dejado como legado por parte del Maestro Jarre. Lo mejor: sin duda, la efectividad de la música en las secuencias en las que se hace presente en el filme. Lo peor: sinceramente… NADA. El momento: o, mejor dicho, dos: la primera vez que Knox se escapa del colegio en busca de Chris (ese plano maravilloso del muchacho bajando con la bicicleta una colina de tonos ocres, ahuyentando a las aves posadas en ella) y, como no, la secuencia final, con el tema central adoptando esa cualidad de himno a la libertad. Temas: 1. Carpe Diem 2. Neal 3. To The Cave 4. Keating's Triumph 5. Football Training - 9th Symphony, 4th Movement: Hymne a la joie 6. Building the Barn 7. Prelude 8. Death Of A Child 9. Kwan 10. Kwan's Sacrifice

Banda Sonora compuesta por Wojciech Kilar Drácula (mejor conocida como Drácula, de Bram Stoker) es una película estadounidense de los géneros de terror y romance, rodada en 1992 por el director Francis Ford Coppola y escrita por James V. Hart, basándose en la novela Drácula, original de Bram Stoker. Fue producida por Columbia Pictures. El reparto cuenta con Gary Oldman, (interpretando el papel del conde Drácula), Keanu Reeves, Anthony Hopkins y Winona Ryder. La banda sonora fue compuesta por Wojciech Kilar, pero su tema final, Love Song for a Vampire (Canción de amor para un vampiro) fue escrita por Annie Lennox. La película tuvo una buena acogida por el público, y obtuvo 4 nominaciones a los premios de la Academia en 1993, de los que ganó tres: Mejor diseño de vestuario, Mejor Maquillaje y Mejor edición de sonido. Esta película es una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero está considerada como su adaptación oficial, ya que es la película más fiel a la novela, además de introducir en ella a personajes que nunca se adaptaron en versiones anteriores como Quincey P. Morris, o Arthur Holmwood. La historia nos relata la historia del conde Drácula, un antiguo voivoda y líder de un gran ejército valaco, que reside en un viejo castillo de los Cárpatos, en Transilvania. El conde es un no muerto, es decir, un vampiro, cuyo único alimento es la sangre humana. Este ser tiene el poder de manejar a su antojo la fauna de la naturaleza, poder convertirse en niebla, volar, e incluso adaptar la forma de un murciélago o un lobo. En esta película, se nos muestra un Drácula más romántico que monstruoso, ya que vemos como pierde a su amada trágicamente y después se enamorara perdidamente de Mina Harker, y vemos como ambos entran en una profunda historia de amor platónico. La película cosechó un gran número de espectadores, que harían que su recaudación fuese de 215.862.692 dólares por todo el mundo. Este sería el retorno al éxito del director Francis Ford Coppola, y también su salvación financiera, ya que se encontraba en problemas económicos debido a películas de elevado coste pero escaso beneficio como El Padrino III y Apocalypse Now. La banda sonora original estaba compuesta por el compositor polaco Wojciech Kilar, que conocería a Coppola en uno de sus conciertos en Francia, y este le ofrecería un debut en los Estados Unidos componiendo la música de la película. Su banda sonora estuvo a punto de ser seleccionada para una nominación a los Oscars, pero por determinaciones desconocidas de los productores, no querían que la música de Kilar fuera seleccionada. El tema principal de la película "Love Song for a Vampire" (Canción de amor para un vampiro) fue escrita por Annie Lennox, que juntándola con el trabajo de Kilar, saldría al mercado un disco con la banda sonora y los temas interpretados por Lennox. Este disco cosechó un gran éxito por los Estados Unidos, y también por parte de Europa, especialmente en Polonia, con la razón de que era el debut de un compositor polaco en el cine estadounidense. Temas: 1. Dracula- The Beginning 2. Vampire Hunters 3. Mina's Photo 4. Lucy's Party 5. The Brides 6. The Storm 7. Love ed 8. The Hunt Builds 9. The Hunters Prelude 10. The Green Mist 11. Mina/Dracula 12. The Ring Of Fire 13. Love Eternal 14. Ascension 15. End Credits 16. Love Song For A Vampire

Banda Sonora compuesta por Ennio Morricone La Misión es mucho más que un guión del oscarizado Robert Bolt llevado al cine. Su misma concepción, la puesta en escena, sus extravíos y el incómodo final resumen una de las más perfectas lecciones de historia llevadas al cine. El realizador Roland Joffé la engendró con la angustia de un parto enfermizo, y el compositor Ennio Morricone dispuso para ella de una partitura-testamento. Un conflicto histórico, en el que se ven envueltos un grupo de jesuitas españoles, un mercenario y traficante de esclavos, el pueblo nativo guaraní, un emisario del Vaticano y un cónsul portugués en pleno siglo XVIII, no hace sino reproducir el drama eterno en que la humanidad, la política y la religión determinan, no sin cierto cinismo, quién gana y quién pierde en el juego de la vida y de la muerte. Ocurrió en la misión de San Carlos (Brasil), en tiempos del Tratado de Madrid (1750). Pero mientras Joffé y su equipo rodaban su epopeya histórica en escenarios naturales, alejados del mundanal ruido, el presidente Reagan desafiaba un mandato de la Corte Penal Internacional que condenaba a Estados Unidos por financiar con 20.000 millones de dólares a la Contra nicaragüense en ayuda militar… “Uso ilegal de la fuerza”, fue el término empleado en la sanción de la I. Cuando el Congreso estadounidense tuvo que sopesar la rentabilidad de esas operaciones encubiertas, el presidente aclaró que los ataques militares iban destinados a objetivos suaves (soft targets) que desmoralizaran a la población: clínicas, escuelas e iglesias. Una estrategia similar se reproducía años después en El Salvador, y en ella perdió precisamente a vida un grupo de jesuitas españoles. En La Misión, cuando el nuncio vaticano, cardenal Altamirano, pide cuentas al cónsul portugués sobre la masacre de San Carlos (en la penúltima escena de la película), le reprende de este modo: “¿Tiene la desfachatez de decirme que esa operación era necesaria?”. A lo que el cónsul responde: “La operación se ejecutó con el visto bueno de la Santa Sede, y en verdad sí fue necesaria… No había alternativa, Eminencia. Nosotros representamos al mundo civilizado, y el mundo civilizado es así…” Altamirano, en un primerísimo primer plano, reflexiona en voz alta: “No señor cónsul, el mundo no es así. Nosotros lo hemos hecho así. Yo lo he hecho así…” En la última secuencia, un niño superviviente bucea al fondo del río para recuperar la espada de Mendoza. El tema "Guaraní" se desnuda de orquestaciones y queda resuelto a coro infantil y acompañamiento étnico, como un hacha de guerra desenterrada. En 1987, de las siete nominaciones con que La Misión concurría a los premios de la Academia (incluida la BSO de Morricone), se quedó sólo con el Oscar a la mejor fotografía (Chris Menges). El Oscar a la mejor película fue para Platoon, de Oliver Stone. Herbie Hancock, con su partitura para Alrededor de la medianoche, le arrebató el de mejor BSO a Morricone. Anatomía musical La BSO consta de cuatro temas que son ejes de toda la progresión musical del disco ("Falls", "Penance", "Gabriel’s Oboe" y "Guaraní"). "Falls", el tema de las cataratas, refleja la profundidad de campo en que transcurre la acción; es la banda sonora de una naturaleza inquebrantable, poseedora de un poder sin estridencias y que todo lo envuelve, como la misma selva, como un vapor. Morricone, que es muy dado a revisar temas anteriores en sus temas nuevos, autotributa en este fragmento su música para El desierto de los tártaros. "Penance" es el tema de la constricción, de la culpa con que Mendoza (Robert de Niro) carga en su particular descenso (aunque en realidad sea una ascensión) a los infiernos. En este caso, la música autotributada corresponde a Novecento. Convertido en misionero, Mendoza es reconocido por uno de los indígenas a los que persiguió y éste le interroga: “¿Por qué apareces vestido de misionero?” El ex traficante le responde: “Mi nuevo hábito protege a gente como tu de individuos como yo”… "Gabriel’s Oboe", tenida por tema principal de La Misión, tiene una falsa apariencia barroca. Morricone decide aparcar la belleza lírica de un Adagio de Marcello y recurrir al folklore mestizo de los temas religiosos con los que los misioneros desembarcaron en Iberoamérica y que los sincopados sonidos indígenas acabaron por reconquistar. La aportación de Hinnigan y Taylor (Incantation) se hace notar, aunque no tanto como en "Guaraní". Rebosante de sonoridades étnicas, "Guaraní" marca el compás rítmico de la BSO a modo de estrofa e imprime velocidad en secuencias de acción, como la persecución del río o las emboscadas selváticas. En otra escena, un hermano jesuita subraya cómo el padre Gabriel se sirve de la música para someter a los indígenas. “Si en vez de un oboe tuviera una orquesta, hubiera podido someter a todo el continente”, responde el interfecto. Toda la banda sonora se alimenta de estos cuatro temas, a excepción de "Brothers" (tema intimista al estilo de Cinema Paradiso) y "Carlotta" (mujer, traición, celos evocados por una guitarra española con acordes de conspiración). La musicalidad de esta película arranca con timidez en la secuencia inicial: un grupo de indígenas ata un misionero a una cruz y lo lanza al río para acabar despeñado en las cataratas, al tiempo que el cardenal Altamirano da a conocer su ambiguo punto de vista sobre lo acaecido con tono melancólico y un grupo de jesuitas se encarama hasta las cataratas para homenajear al mártir… Entonces Morricone destapa su particular tarro de esencias con "On Earth As It Is In Heaven" y enciende la London Philarmonic Orchestra y los coros de London Voices y la Barnett School’s Choir. Para el maestro romano no fue un trabajo nada fácil. Tuvo que trasladarse hasta Londres (es sabido que Morricone es poco amigo de viajar) para grabar la música de la película en los estudios CTS de Wembley. Allí se sirvió de tres fantásticos colaboradores: Tony Hinnigan y Mike Taylor, del grupo Incantation, y el director de orquesta David Bedford. Temas: On Earth As It Is In Heaven - 3:48 Falls - 1:53 Gabriel's Oboe - 2:12 Ave Maria Guarani - 2:48 Brothers - 1:30 Carlotta - 1:19 Vita Nostra - 1:52 Climb - 1:35 Remorse - 2:46 Penance - 4:00 The Mission - 2:47 River - 1:57 Gabriel's Oboe - 2:38 Te Deum Guarani - 0:46 Refusal - 3:28 Asuncion - 1:25 Alone - 4:18 Guarani - 3:54 The Sword - 1:58 Miserere - 0:59

Banda Sonora compuesta por Trevor Jones y Randy Edelman "Mi oído está abierto y preparado mi corazón: Lo peor es la pérdida del tú en estos mundanos acontecimientos: - Oyelo, es mi reino perdido". Con esta cita comienza la novela del escritor estadounidense James Fenimore Cooper (1789-1851), The Last of The Mohicans, que data de 1986 y forma parte de una serie de libros llamada Leatherstocking Tales que gran reconocimiento le han brindado a este escritor. Varias de las novelas de Fenimore Cooper se desarrollan en parajes aislados y exóticos con grandes héroes solitarios, siempre incidiendo e investigando en la historia americana. El Último Mohicano no es una excepción a estas características generales, ya que nos encontramos ante una historia de amor y grandes aventuras que ha sido llevada a la gran pantalla en más de una ocasión, pero la versión que a nosotros nos interesa es la dirigida por Michael Mann (Heat, The Insider...) en 1992. La historia se encuadra en Norteamérica, en los bosques del norte de Estados Unidos y Canadá, con las luchas por ocupar los territorios del nuevo mundo entre dos grandes potencias colonizadoras como eran Francia y Gran Bretaña. En estas guerras participaban también los colonos y los indios nativos de aquellas tierras, que sin más remedio, se veían en medio de tal afán colonizador teniendo que decantarse por alguno de los dos bandos. Pese al abrumador marco que envuelve a la historia, esta es mucho más personal y sencilla, partiendo de ese sentimiento que tantas otras películas de aventuras nos ha dado: la venganza. Magua (Wes Studi), indio de la tribu de los Hurones culpa al coronel británico Munro (Maurice Roëves) de la muerte de su familia, por lo que decide tomarse su venganza matando a sus dos hijas y al mismo coronel. Las hijas de Munro son interpretadas por Madeleine Stowe, como Cora, hija mayor, y Jodhi May, la hija menor, Alice. De esta forma, durante el viaje que ambas realizan para encontrarse con su padre serán atacadas por varios indios hurones, pero salvadas por tres indios mohicanos, Chingachgook (Russell Means), Nathanian (Daniel Day-Lewis) y Uncas (Eric Schweig). Sólo Uncas es hijo de sangre de Chingachgook, mientras que Nathanian es criado por la tribu, sin ser pues un indio nativo. A partir de este punto comenzará una lucha por parte de estos tres héroes mohicanos por salvar a las chicas, provocando que surjan dos historias de amor paralelas, una entre Nathanian y Cora, pareja principal de la película, y otra más secundaria entre Alice y Uncas. La película pues abandona en este punto el enfoque general del conflicto bélico en tierras de Norteamérica para centrarse en las aventuras de estos personajes, mostrándonos como el destino de personas muy distintas puede estar unido en el más exótico de los parajes. Además, la película consigue que el espectador se olvide de la guerra entre ses y británicos y se interese más por el desenlace de las aventuras de estos mohicanos y las dos chicas. Pero ésta no es la única virtud de la película, pues además Michael Mann consigue una estupenda dirección a lo largo de todo el metraje, alternando los momentos de acción con los de drama y romance consiguiendo enganchar por completo al espectador. A esto hay que unirle además una fotografía preciosa que hace justicia a las hermosas localizaciones en las que se desarrolla la trama. Y cómo no, heredado de la novela original, en la película subyace ese mensaje de protección de la naturaleza y de sus "habitantes legítimos", los indios nativos, con una especial crítica a la forma de actuar de los colonizadores del "viejo continente". ¿Y quiénes son los culpables de tan interesante trabajo? Pues Trevor Jones y Randy Edelman son los dos compositores encargados de vestir y de poner voz a este personaje tan importante en la narración de la historia que es la música. Jones y Edelman son compositores que podríamos decir poseen una importancia notable en el cine actual, aunque no tanto como los que podríamos llamar compositores de primera línea: Williams, Goldsmith (recientemente fallecido, pero no queríamos dejar de incluirlo en esta lista), Horner, Zimmer, Newton Howard, Elfman... pero no por ello dejan de tener un buen número de fans que hemos disfrutado mucho con su música. De hecho, tanto uno como otro nos han regalado estupendos trabajos de tal forma que una colaboración entre ambos siempre debe ser valorado con ilusión, y tal y como a continuación veremos, el resultado es difícilmente mejorable. Con todo, si echamos un vistazo al libreto del disco encontramos (al menos en la edición de Morgan Creek) cómo la tarea realizada por cada compositor viene perfectamente delimitada y diferenciada, lo cual implica que no han creado temas para la banda sonora de forma conjunta, sino más bien se ha hecho un reparto del trabajo. Tal y como Jones nos comenta en la entrevista que nos ha concedido en exclusiva, él fue el encargado de componer el grueso del score, él fue la primera elección, mientras que Edelman desembarcó en el proyecto mucho después para crear la música que acompañará a escenas con diálogos. Curioso reparto que al parecer fue idea de Mann. En definitiva, es un toque especial que tiene esta banda sonora que la hace única: los primeros nueve cortes son obra de Trevor Jones, mientras que del corte 10 al 15 son de Randy Edelman. Y analizando el score en su conjunto podemos ver que se mantiene un estilo homogéneo en la música creada por ambos compositores, aunque el toque personal de cada uno de ellos no deje de estar presente en sus respectivas partes. A continuación analizaremos por separado la labor realizada por cada uno, estudiando los temas uno a uno, para terminar comentando la canción de Clannad que cierra el disco. La mayor parte de la música que encontramos en la banda sonora es obra de Jones, donde además podemos observar cómo claramente son sus temas la verdadera columna vertebral del score y, por tanto, la que mejor enlaza los pasajes de la historia. El fabuloso tema principal es la base de toda su partitura, hasta tal punto que podemos encontrarlo prácticamente en todos los cortes de Jones. Además, ha realizado la música para las escenas de acción así como las más dramáticas, por lo que es innegable que la importancia de la tarea realizada por el compositor de Cristal Oscuro es superior a la del compositor de Dragonheart. De hecho, el disco contiene bastante más música de Jones que de Edelman. Además, es la partitura de Trevor Jones la que más conoce el aficionado a la música de cine y la que más fama y popularidad ha cosechado. A continuación analizaremos sus nueve cortes de manera individualizada: •"Main Title": nos encontramos ante la pieza que es el corazón de esta banda sonora, al archiconocido tema central de El Último Mohicano, una pieza que empieza con unas percusiones y un tono de suspense hasta romper en el majestuoso tema que todos conocemos. Lo mejor de esta música es que tiene un carácter completamente atemporal, no tiene ningún matiz que nos sitúe en la época en la que se desarrolla la película, ni ningún toque étnico que nos localice geográficamente la historia. Es simplemente un estupendo tema para una película de aventuras, dando igual donde y cuando se desarrolle la acción. Este dato favorece también la popularidad que ha adquirido esta música, puesto que este carácter "abstracto" favorece que al oyente le sea más fácil retener la melodía, además de permitir su uso en otros medios ajenos a la película con buenos resultados (esas campañas publicitarias a las que nos referíamos antes). Sin ninguna duda esta pieza concentra a la perfección y en muy poco tiempo el espíritu de la trama de El Último Mohicano, pues tras un comienzo con ese tono aventurero y épico, el tema se cierra con un cambio en la melodía que tiende a mostrar un sentimiento más dramático y romántico. Aventura y amor se mezclan en esta pieza exponiendo las dos principales fuerzas que mueven la historia. •"Elk Hunt": el segundo de los cortes del disco es sin duda uno de los mejores, con un comienzo arrebatador, las percusiones nos van llevando a través de una pieza que va cobrando fuerza en cada segundo, mientras el tema central va surgiendo poco a poco, creando un contraste maravilloso y, sobre todo, lleno de energía. Un magnífico tema de acción. •"The Kiss": por fin en esta pieza sí encontramos por primera vez un toque étnico en la música. Con un tono más relajado que sus dos temas predecesores, nos encontramos con una melodía a cuerda que se va repitiendo una y otra vez con un estilo indio (entiéndase de indio americano, por supuesto). De nuevo poco a poco va surgiendo el omnipresente tema central, aunque en este caso una variación de corte más minimalista para dar un aire más romántico a la escena. En definitiva, un corte de gran belleza y cuya melodía inicial recuperará el compositor en el corte sexto, "Promentory". •"The Glade Part II": el cuarto corte también mantiene ese estilo de música india, en un tono más pausado, para de nuevo finalizar en una variación del tema inicial, mucho más simple que las anteriores, perdiendo el aire épico a favor del dramático. Quizás sea uno de los temas más "insípidos" del disco. •"Fort Battle": tal y como reza el título nos encontramos ante una de las piezas que acompañará a una batalla, por lo que la música apuesta claramente por la acción, con un incesante redoble de tambores que otorga al corte un aire militar. A lo largo de esta pieza irán surgiendo varios temas, entre ellos una vez más el central en una nueva variación, pero también otros del mismo estilo que imprimen un carácter épico a la escena con magníficos resultados. •"Promentory": nos encontramos ante el que es, en nuestra opinión, el mejor corte del disco. Como mencionábamos antes recuperamos el tema indio que escuchamos en "The Kiss" pero en este caso alejado del tono romántico de este corte, para generar un efecto de suspense y de peligro impresionante. Al tiempo que la melodía va repitiéndose una y otra vez el compositor nos ofrece un acompañamiento a base de notas sostenidas que crean esa tensión antes mencionada. La música acompaña a la última escena de la película, donde Chingachgook corre implacable hacia Magua, jefe de los hurones para medirse con él en un último duelo. A su paso, Chingachgook irá eliminando a varios indios hurones con el apoyo de Nathanian, en una magnífica secuencia de acción, donde la música lo es todo, no hay diálogos, es Trevor Jones el encargado de narrar la historia ante el silencio de los personajes. Y realmente creemos que lo consigue con creces, pues el sentimiento que imprime la música a toda la secuencia gracias sobre todo a ese carácter reiterativo es lo que exactamente necesitaba la escena. Nos encontramos ante uno de esos momentos de fusión entre música e imagen inolvidables para todo aficionado al séptimo arte. Como no podía se de otra forma, el corte se cierra una vez más con el tema central para dar también un magnífico cierre a la escena (debemos señalar en este punto que los cortes no están ordenados de manera cronológica). •"Munro´s Office/Stockade": en este corte la música pasa a un segundo plano y adquiere un estilo más pausado y menos protagonista. Mantiene ese toque indio que ya antes había mostrado en otros cortes para terminar con el tema central, que como el lector se habrá dado cuenta, es la base de toda la historia, un personaje más en la trama con una buena dosis de protagonismo. •"Massacre/Canoes": de nuevo nos encontramos ante una pieza de acción, aunque en este caso se pierde el estilo militar en las percusiones y se tiende más al dramatismo de la escena mediante temas de gran emotividad y tono épico, siempre dentro del estilo del tema central, el cual aparece aquí también en una de sus variaciones (de las mejores del disco). La música acompaña a una emboscada que realizan los indios hurones al ejercito británico cuando éste, una vez vencido, se retira de los territorios que les han ganado los ses. Uno de los objetivos de este ataque es por supuesto acabar con los hijas de Munro. •"Top Of The World": el último corte que encontramos en el disco compuesto por Trevor Jones contiene, como no podía ser de otra forma, una bella versión del tema de El Último Mohicano, que en este caso alarga y desarrolla creando una magnífica pieza, donde residen todos los sentimientos que se exponen en la película, aunque prima el trasfondo romántico de la historia de amor entre Nathanian y Cora. Un precioso cierre para la parte compuesta por Jones y para finalizar la película. Temas: Main Title – 1:44 Elk Hunt – 1:49 The Kiss – 2:47 The Glade Part II – 2:34 Fort Battle – 4:22 Promentory – 6:15 Munro's Office/Stockade – 2:30 Massacre/Canoes – 6:52 Top of the World – 2:43 The Courier – 2:27 Cora – 2:30 River Walk and Discovery – 5:30 Parlay – 3:46 The British Arrival – 2:00 Pieces of a Story – 4:58 I Will Find You (performed by Clannad) – 1:42

Música compuesta y dirigida por James Horner e interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londres. Cualquier amante de la música folk y los sonidos celtas encontrará en esta BSO una buena colección de canciones a tener en cuenta. Como sabrán todos aquellos que hayan visitado aquellos lares, las aventuras de Sir William Wallace por tierras escocesas no podían estar acompañadas por una banda sonora en la que no imperasen las gaitas en la parte melódica y los tambores en la parte rítmica. Y así lo hizo James Horner, encargado de componer, arreglar y dirigir a la Orquesta Sinfónica de Londres para grabar las canciones de la película. Este veterano músico estadounidense, nominado a los Oscar por las películas 'Aliens, el regreso', 'Apolo 13', 'Una mente maravillosa' y 'Casa de arena y niebla', y premiado a Mejor Banda Sonora y Mejor Canción por 'Titanic', supo dotar a las escenas dramáticas de la suficiente solemnidad, así como de ternura a los momentos más entrañables, jocosidad a las partes lúdicas y ritmo de batalla a las secuencias bélicas. El resultado es una obra que transporta de inmediato a aquella tierra mágica de increíbles montañas e interminables praderas verdes por las que dan ganas de correr ataviado de la falda de cuadros reglamentaria y que obtuvo de igual modo la correspondiente nominación a los premios de la Academia de Hollywood. Temas: 1. Main Title [Braveheart] - James Horner 2. A Gift of a Thistle [Braveheart - Original Sound Track] 3. Wallace Courts Murron [Braveheart - Original Sound Track] 4. The Secret Wedding [Braveheart - Original Sound Track] 5. Attack on Murron [Braveheart - Original Sound Track] 6. Revenge [Braveheart - Original Sound Track] 7. Murron's Burial [Braveheart - Original Sound Track] 8. Making Plans/Gathering the Clans [Braveheart - Original Sound Track] 9. Sons of Scotland' [Braveheart - Original Sound Track] 10. The Battle of Stirling [Braveheart - Original Sound Track] - Choristers of Westminster Abbey, London Symphony Orchestra, James Horner 11. For The Love Of A Princess 12. Falkirk [Braveheart - Original Sound Track] 13. Betrayal & Desolation [Braveheart - Original Sound Track] - Choristers of Westminster Abbey, London Symphony Orchestra, James Horner 14. Mornay's Dream [Braveheart - Original Sound Track] 15. The Legend spreads [Braveheart - Original Sound Track] 16. The Princess pleads for Wallace's Life [Braveheart - Original Sound Track] 17. Freedom'/The Execution Bannockburn [Braveheart - Original Sound Track] - Choristers of Westminster Abbey, London Symphony Orchestra, James Horner 18. End Credits [Braveheart - Original Sound Track] - Choristers of Westminster Abbey, London Symphony Orchestra, James Horner

Banda sonora Gladiator,compuesta por Hans Zimmer y Lisa Gerrard. Un suave viento nos conduce al pasado, Zimmer no arranca la partitura de una forma potente y heroica, al contrario, la melodía se deja caer suavemente transportándonos a muchos siglos atrás, retrotrayéndonos hacía una hostil antigüedad, que hasta cierto punto resulta inquietante. Unas severas cuerdas nos advierten de la oscura historia. La melancolía se deja notar ensalzando el recuerdo del hogar con una triste voz femenina. El punteo de una guitarra española nos presenta al protagonista, Máximo el Hispano. Seguidamente una leve percusión nos indica que el protagonista guarda sus recuerdos para sí y se prepara para la batalla. Empieza el tema heroico, los vientos y coros masculinos muestran la naturaleza noble y valerosa del general, con un cierto aire de respeto. La percusión y otra vez la guitarra nos devuelven al plano de la contienda, una sombría y exótica voz masculina nos advierte del peligro. Nuevamente la guitarra nos prepara para la lucha y esto se reafirma con unas cuerdas que le dan una réplica airada, un latigazo de furia, cada vez se tornan más diabólicas y se le añaden vientos de igual intención. La música va aumentando su amenaza, el momento cada vez está más cerca, el sonido sube como un oleaje cada vez más fuerte. Unas trompetas inician la batalla... Lo que sigue a continuación es un despliegue orquestal considerable, la música entra en una farragosa lucha de notas, densa, violenta, reflejando, levemente, el caos de los soldados inmersos en la refriega. Con todos los instrumentos agolpándose los unos a los otros, la orquesta toca en plena ebullición y energía, se percibe como una masa de trompetas, tubas, trombones, violines, contrabajos, etc, rugiendo con bravura, vociferando consignas de guerra. En medio de esta "tormenta" acústica (que no por tormenta deviene en alboroto confuso y sin sentido), Zimmer trabaja la percusión introduciendo martilleos metálicos (un poco en la línea "Conan"), mientras los platillos marcan los golpes de efecto y los timbales acompañan al conjunto. Hacia la conclusión de la pieza, en lugar de terminar con una fanfarria final, Hans opta por desplegar una melódica voz acompañada de cuerdas. Él mismo explica que ese es un recurso para grandes momentos. Cuando hay imágenes tan colosales se puede permitir hacer una música suave, en contraposición con lo que se ve, de ese modo crea una especie de tira y afloja hipnótico que sublima el sentido de la batalla. Con esa voz femenina (de Lisa Gerrard), algo solemne y de agridulce triunfo, se cierra el corte "The Battle". Estos tres temas introducen a la perfección lo que se va a desarrollar a lo largo de toda la obra, una partitura de vigorosa fuerza, con unas lágrimas de melancolía y tristeza, un espacio para la tragedia, y un reflejo de la gloriosa grandeza de Roma. El sonido musical de esta composición tiene una textura ciertamente de antaño. A pesar de que Zimmer utilice sintetizadores y demás, la música tiene ese aire primitivo, como "de antes", pero no entendido en el sentido de que recuerda a las partituras de las viejas películas de romanos, sino que transmite esa sensación que hace que uno no pueda imaginarse este tema para un film enmarcado en otra época. No obstante Hans le imprime ese estilo "fresco" que le evita caer en lo obsoleto y esa audición moderna que le otorga una deliciosa contradicción. Pero las contradicciones no terminan aquí. Zimmer quería mostrar la batalla como algo brutal y salvaje, pero también quería transmitir la idea de que esa barbarie estaba perpetrada por una sociedad que se consideraba la génesis de la civilización y la cultura. Esa dualidad se insinúa en el tema del combate gracias a la utilización de un ritmo de vals en la estructura base (1,2,3; 1,2,3; 1,2,3), mezclado con una atronadora, y por momentos apabullante, descripción musical de la contienda, con unos vientos muy potentes y una gran profusión en la percusión. En resumen, unos primeros cortes del compacto que, en el habitual estilo "Zimmeriano", se enlazan entre sí para una progresión sonora ininterrumpida, y que os meterá de lleno en la batalla, preparándoos para sentir la adrenalina de la arena del Coliseo. Temas: "Progeny" – 2:13 "The Wheat"– 1:03 "The Battle"– 10:02 "Earth"– 3:01 "Sorrow"– 1:26 "To Zucchabar"– 3:16 "Patricide"– 4:08 "The Emperor Is Dead"– 1:21 "The Might of Rome"– 5:18 "Strength and Honor"– 2:09 "Reunion"– 1:14 "Slaves to Rome"– 1:00 "Barbarian Horde"– 10:33 "Am I Not Merciful?"– 6:33 "Elysium"– 2:41 "Honor Him"– 1:19 "Now We Are Free"– 4:14

Banda sonora Eduardo Manostijeras (Compuesta por Danny Elfman) Es una pelicula que relata la historia de un hombre que fue creado a partir de un robot. Su inventor lo educa, pero antes de poder terminarlo fallece, dejando a Edward con tijeras, en lugar de manos. Edward vivió en su mansión desde que fue creado y nunca supo que afuera había una vida totalmente diferente. Cuando una vendedora de maquillaje llamada Peg, madre de familia, entra en la mansión para vender maquillaje, se encuentra con Edward, conmovida por su bondad e inocencia decide llevárselo a su casa para vivir con él. Edward, incomprendido por su discapacidad y su timidez hacia las personas, es tratado con indiferencia. Al volver Kim, la hija de Peg, a su casa y encontrarse con Edward durmiendo en su cuarto, se asusta y empieza a gritar pero con el tiempo tanto Edward como Kim se enamoran sin tener en cuenta que el novio de Kim, Jim, estaba obsesionado con ella y no podía aceptar que ella lo dejara por él. Jim, se aprovecha de la inocencia de Edward para meterlo en problemas, como la cárcel. Al final de la historia Kim, se da cuenta de que lo que sentía por Edward no era compasión sino que era amor, pero los celos de su novio llegaron al punto tal de intentar de matar a Edward, solo que el que resulta muerto es él. Kim vuelve a su casa sin volver a ver a Edward nunca más, pero Edward nunca se pudo olvidar de Kim. Al final está Kim (ya vieja) contándole la historia a su nieta quien le sugiere volver a buscar a Edward, pero Kim prefiere que Edward se quede con la imagen de cuando era joven y hermosa. La historia finaliza con Kim diciéndole a su nieta que la primera vez que Edward llegó al pueblo fue la primera vez que nevó y que supone que sigue vivo porque nunca dejó de nevar. Muchos conocemos a Elfman, precisamente, por su colaboración con este director. De hecho, sólo dos películas de Burton, han sido compuestas por otros músicos: Ed Wood (rodada durante un conflicto personal entre ambos creadores) y Sweeney Todd, basada en un musical previo. No es de extrañar, teniendo en cuenta que, según Tim Burton, escuchar la música de Elfman interpretada por una orquesta había sido una de las experiencias más emocionantes de su vida. Por lo demás, parece que este director suele contar recurrentemente con los mismos colaboradores, como prueba también su idilio con Johnny Depp, actor protagonista de la película que nos ocupa. Por su parte, Elfman, más promiscuo, ha trabajado en muchas otras películas, aparte de las de Tim Burton. No hay más que echarle un ojo a su extensa filmografía. Me ha llamado la atención descubrir que trabajó en películas tan conocidas como Chicago, Men in Black, Misión imposible… o descubrir que es el autor del tema de Los Simpsons. En cualquier caso, yo me quedo con su trabajo al lado de Burton. Será porque es lo que más conozco dentro de su repertorio, o que, de tanto oírlo asociado a este director, atribuyo a su música las cualidades del cine que acompaña. Pero pienso que lo mejor del estilo de Elfman es cierta ironía característica, cierta fantasía retorcida, que encaja a la perfección con los cuentos macabros de Burton. En este caso, el tema principal de Eduardo Manostijeras, me encanta cómo ha utilizado los llamados coros de voces blancas (voces femeninas o de niños), como si fuesen un instrumento más de la orquesta. Estas voces aportan muchísima dulzura a la música, pero también cierto componente fantasmagórico, trágico (¿no os las imagináis volando, cubiertas con trapos blancos, por el escenario?). Por otra parte, la música nos remite a un mundo infantil, fantástico… el glockenspiel del comienzo recuerda a una cajita de música, con una armonía y un ritmo bastante sencillos, que luego son marcados por la cuerda en pizzicato. Todo lo que suenan son juguetes, delicados, frágiles, como el mismo Eduardo Manostijeras. El compositor dota a la película de su máximo encanto con una bellísima composición de estilo postromántico en la que incorpora coros para aderezar el efecto de ensueño, propio del cuento de hadas que es este filme. Su importancia en el desarrollo argumental y dramático del filme es elevado y va pautando la progresión de las situaciones y personajes, pero con una coherente continuidad melódica que mantiene viva esa impresión de dulce irrealidad, tanto en los momentos más idílicos como en los más tenebrosos. Incluye una canción, “With this Hands”, cantada por Tom Jones. Temas: Part One: Introduction Storytime Csatle on the hill Beautiful new World/Home sweet home The cookie factory Ballet de Suburbia Ice dance Etiquette lesson Edwardo the barber Part Two: Esmeralda Death! The tide turns (Suite) The final confrontation Farewell The grand finale The end With these hands

Bandas sonoras Amelie:Compuesta por Yann Tiersen Amelie es una de esas películas que cuando acaban les dejan una sensación tan positiva y tan llena de esperanza que conseguir eso ya es suficiente. Acompañada de una grandiosa banda sonora que aumenta la buena sensación que posee la película, Amélie es una película poética y como en la poesía, la verdadera historia transcurre en el corazón de los personajes más que en sus actos. La historia trata de una chica ingenua y con un mundo interior tan rico que vive en sus propios sueños y por un evento inesperado, se dedica a arreglar la vida de los demas, olvidandose de ella misma. La fotografía de la película, los colores, la música, los efectos, todo esta tán bien equilibrado que la historia se deja llevar desde los primeros segundos y se le puede concebir como un cuento para adultos. Esta partitura de Yann Tiersen, Amelie, me ha dejado totalmente sorprendido. La belleza de la partitura es impresionante, una verdadera delicia para los oídos. Es claro el sabor parisino en todos sus cortes, basados en la misma estructura del Vals; de hecho muchos de ellos vienen nombrados como tales. Les Jours Tristes es uno de los momentos cumbres de la partitura pero, sin duda, me quedo con el excepcional piano de "Comptine D´un Autre Ete". Se ha comentado la influencia de Nino Rota en esta partitura. Y razón no falta, aunque pienso que realmente el sonido creado por Tiersen no tiene ningún otro precedente, y basándose en sonidos ya plenamente creados de claras raíces sas, ha modelado todo al gusto personal de Jeunet, un autentico Gourmet cinematográfico que se ha dejado de experimentos americanos tan equivocados como Alien Resurrección (con ese final digno de cadena perpetua), y ha creado la odisea de Amelie, que sin duda tiene uno de sus mayores apoyos en la partitura de Tiersen. Amelie se podría describir como un carnaval para el oído, un festival musical enloquecido pero sin perdida del sabor melodioso más intenso. Los temas anteriormente comentados, juntos a A Quai, Le Moulin (el piano de nuevo, con ese magnifico sabor que tal vez guste a los fervientes seguidores de Nyman), o la Vals de Amelie (piano), son prueba de ello. Les invitaría a darse una vuelta por el mágico mundo de Amelie. Estoy seguro de que ésta es su partitura, y que le brindara momentos de autentica delicia sonora. Temas: 1. J'y Suis Jammis Alle 2. Les Jours Tristes 3. La Valse D'Amelie 4. Comptine D'un Autre Ete: L'apres Midi 5. La Noyee 6. L'Autre Valse D'Amelie 7. Guilty 8. A quai 9. Le Moulin 10. Pas Si Simple 11. La Valse D Amelie 12. La Valse Des Vieux OS 13. La Dispute 14. Si Tu N'Etais Pas La 15. Soir De Fête 16. Soir De Fête 17. Sur Le Fil 18. Le Banquet 19. La Valse D'Amelie 20. La Valse Des Monstres

Banda sonora The Princess Bride: banda sonora compuesta por el líder de Dire Straits, Mark Knopfler. Lanzado tras el éxito masivo del álbum Brothers In Arms. La banda sonora fue publicada por Warner Bros. en 1987. Fue compuesta y grabada por Willy DeVille y Mark Knopfler, la única persona que Rob Reiner creía capaz de crear una música que captara la peculiaridad de la película y su carácter romántico. Reiner era un irador de los anteriores trabajos de Knopfler pero no lo conocía antes de trabajar en la película y le envió el guión esperando de que aceptase. Aceptó con una condición: que en alguna parte de la película Rob Reiner incluyese la gorra de béisbol que llevó interpretando a Marty DiBergi en This is Spinal Tap. Reiner no pudo mostrar la gorra original, pero incluyo una similar en la habitación del nieto. Más adelante Knopfler diría que estaba bromeando. Canciones de la banda sonora: 1.Once upon a Time...Storybook Love 2.I Will Never Love Again 3.Florin Dance 4.Morning Ride 5.The Friends' Song 6.The Cliffs of Insanity 7.The Swordfight 8.Guide My Sword 9.The Fire Swamp and the Rodents of Unusual Size 10.Revenge 11.A Happy Ending 12.Storybook Love (compuesta e interpretada por Willy DeVille) Un abuelo (Peter Falk) lee un libro a su nieto enfermo (Fred Savage)...... La bella Buttercup (Robin Wright Penn) vive en una granja del país llamado Florin. Le gusta abusar de Westley (Cary Elwes), su mozo de caballerizas, pidiéndole que le realice trabajos para ella. Él solo le contesta Como desees, Buttercup se va dando cuenta que estas palabras realmente significan Te quiero y le responde a su amor. Westley se marcha a hacer fortuna para poder casarse con ella, prometiendo volver, pero su barco es atacado por el temible pirata Roberts, que es famoso por no hacer prisioneros. Dando por hecha su muerte, Buttercup finalmente acepta casarse con el príncipe Humperdinck (Chris Sarandon), heredero del trono de Florin. Antes del día de la boda, Buttercup es raptada por un estrafalario trío de proscritos: el diminuto genio siciliano Vizzini (Wallace Shawn), el experto espadachín español Iñigo Montoya (Mandy Patinkin), y el enorme y fuerte luchador turco Fezzik (André el Gigante). Huyen seguidos por un hombre enmascarado y vestido de negro que los persigue por el mar hasta los Acantilados de la locura, donde se enfrenta a Iñigo Montoya en un combate de esgrima. El hombre misterioso vence, pero deja vivo al español. Vizzini, al darse cuenta que Iñigo Montoya ha fracasado en detener al hombre de negro, deja atrás a Fezzik para matarle en un combate de fuerza. Fezzik también es derrotado, pero no muerto. Por fin, el hombre enmascarado alcanza a Vizzini, que porta a Buttercup como rehén, y le propone una "Batalla de ingenio a muerte" que Vizzini pierde junto con su vida. El hombre enmascarado se lleva consigo a Buttercup en su huida del príncipe Humperdinck, que persigue a los raptores de su prometida. Buttercup deduce que el hombre de negro es el temible pirata Roberts e intenta deshacerse de él empujándole desde una empinada colina. Sólo después de que ella le oiga gritar Como desees, la forma en que Westley le solía decir Te quiero, mientras él cae, se da cuenta que se trata de su añorado amor y se lanza tras él colina abajo. Se hace evidente que el temible pirata Roberts atacó el barco en que viajaba Westley, pero hizo una excepción y le perdonó la vida. Finalmente, Roberts retirado, había traspasado su nombre y su barco a Westley. Tras sobrevivir ahora ambos a los tres horrores del Pantano de fuego, son capturados por el príncipe Humperdinck y por su servidor, el amenazante conde Rugen (Christopher Guest). Buttercup es llevada de vuelta a palacio a esperar su boda. Ahora que ella sabe que Westley está vivo, siente que es un destino peor que la muerte. Westley es llevado por el conde Rugen al Foso de la desesperación para ser torturado, donde es recibido por un albino (Mel Smith). Iñigo Montoya y Fezzik se reencuentran y deciden vengar la muerte del padre de Montoya e impedir el matrimonio de Buttercup y Humperdinck. Encuentran a Westley torturado hasta la muerte por el príncipe, buscan a Milagroso Max (Billy Crystal), un mago despedido por el príncipe Humperdinck que afirma que Westley solo está aparentemente muerto y lo resucita a instancias de su esposa Valerie (Carol Kane), pues Westley ha encontrado el amor verdadero. Westley planea asaltar el castillo, lo que realizan con éxito, y los tres acaban en su interior. Se separan, Montoya encuentra y persigue al asesino de su padre, el hombre de los seis dedos: el conde Rugen. Mientras, un obispo gangoso (Peter Cook) ha casado a Humperdinck y a Buttercup, aunque sin el consentimiento de ella, y ella se dispone a suicidarse. Es un momento crítico, pues además Montoya aparece derrotado y agonizante. Pero en ese mismo instante llega el final feliz: Montoya se recupera y mata al conde, y Westley, que ha encontrado a tiempo el aposento de Buttercup, vence al cobarde príncipe Humperdink sin luchar, a pesar de no tener fuerzas para ponerse en pie. Al estilo de los clásicos cuentos de hadas, el grupo cabalga hacia la puesta de sol sobre caballos blancos. El libro es una versión abreviada de una versión anterior de "S. Morgenstern", que era una sátira sobre los excesos de la realeza europea. Goldman "recuerda" el libro como le fue relatado por su padre, como un cuento de aventuras, sin las complejas connotaciones políticas. Su trabajo es una recreación de esta simplificación de su padre. De hecho, el libro es un trabajo original de Goldman. Morgenstern y su "versión original" nunca existieron. Tampoco la familia de Goldman se describe con precisión en el libro. Tiene dos hijas, no un hijo y su mujer no es psicóloga. Los países Florin y Guilder no existen, aunque antes de la llegada del euro, ambas eran monedas en circulación, de hecho, la misma moneda en los Países Bajos, y la forma en que se llamaba a la monedas de 2 chelines en el Reino Unido. Goldman llevó la broma más lejos, publicando otro libro llamado The Silent Gondoliers (no publicado en español) (sobre por qué los gondoleros de Venecia ya no cantaban a sus pasajeros) con el seudónimo de S. Morgenstern. La familia Vizzini de La princesa prometida también aparece en este libro. El recurso de fingir que un libro preexistente que el autor descubre y edita es muy antiguo, ha sido utilizado por autores tan dispares como Miguel de Cervantes, Stephen J. Rivelle o Umberto Eco. La película tuvo un éxito moderado: no fue un gran éxito de público, y sólo recaudó en la taquilla estadounidense el doble de los 15 millones de dólares que costó su producción. No obstante, con los años se ha convertido en una película de culto. El papel de Fezzik, el gigante, se ofreció a Kareem Abdul-Jabbar, que rehusó hacerlo. El libro tiene varios escenarios más que la película y un final menos optimista. La película fue filmada en diversos lugares del Reino Unido e Irlanda.

Banda sonora The Neverending Story: Klaus Doldinger & Giorgio Moroder Klaus nació en Berlín, Alemania, e ingresó al conservatorio Düsseldorf en 1947, donde se graduó en el año 1957. En sus años como estudiando, Klaus ganó mucha experiencia profesional, comenzando en 1953 con la banda alemana The Feetwarmers. Klaus tiene una amplia discografía en el tema bandas sonoras, pero sin lugar a dudas el mejor trabajo de su carrera ha sido componer la fantástica banda de sonido para la película "The Neverending Story" conocida también como "La Historia Interminable" o "La Historia Sin Fin".La canción “The NeverEnding Story” de su banda sonora, fué compuesta por Giorgio Moroder, autor de canciones tan reconocidas del cine como “What a feeling” de Flashdance, de la letra se encargó Keith Forsey y su interpretación corrío a cargo de Limalh, cantante de Kajagoogoo. La historia interminable, también conocida como La historia sin fin, es una novela fantástica del escritor alemán Michael Ende publicada por primera vez en alemán en 1979 con el título Die unendliche Geschichte. Se le considera "un nuevo clásico de la literatura juvenil".Ha sido traducida a más de 36 idiomas y sufrido diversas adaptaciones cinematográficas. La mayoría de la acción ocurre en el reino de Fantasia, un mundo que está bajo amenaza de ser destruido por la Nada (la cual representa la carencia de imaginación de la gente del mundo real). En el mundo fantástico, el protagonista es un joven guerrero a quien la Emperatriz, que se encuentra mortalmente enferma, le le pide iniciar una gran búsqueda para una cura. El otro protagonista es un chico del mundo real, quien lee una novela del mismo título, para quien la historia se vuelve cada vez más real. Temas: 1. Never Ending Story - Limahl 2. Swamps Of Sadness - Giorgio Moroder 3. Ivory Tower - Giorgio Moroder 4. Ruined Landscape - Giorgio Moroder 5. Sleepy Dragon - Giorgio Moroder 6. Bastian's Happy Flight 7. Fantasia 8. (J) Atreju's Quest 9. Theme Of Sadness 10. Atreju Meets Falkor 11. Mirrorgate - Southern Oracle 12. Gmork 13. Moonchild 14. The Auryn 15. Happy Flight

Banda Sonora Cinema Paradiso (Ennio Morricone) Hay películas que permanecen fácilmente en el recuerdo por la atención especial que despiertan alguno de sus componentes o elementos de su discurso fílmico. La música que acompaña a las imágenes fílmicas se ha distinguido como un sobresaliente procedimiento para avivar el recuerdo. El espectador suele privilegiar en su memoria una película que presenta una música fácilmente reconocible. El score de Morricone presenta unos cortes tan apasionantes que es difícil que el espectador no repare en ellos. Cinema Paradiso es una película difícil de olvidar gracias a su prominente apartado musical, al elevado grado de impresión de los diferente leitmotivs que lo integran, su perfecta sincronía con la nebulosa atmósfera que empaña la película, y por supuesto, su mañosa disposición y frecuencia en la cadena espacio/temporal narrativa. Una de las razones por las que Cinema Paradiso ha despertado tanta iración entre sus espectadores se debe precisamente al trascendental papel que desempeña su música, convirtiéndose además en uno de los scores más populares en el campo de la música cinematográfica. En Cinema Paradiso la música ejerce una labor fundamental, hasta el punto de atrevernos a afirmar que sin ella la película probablemente no sería la misma, ni hubiera calado tan profundamente en espectadores tan variopintos, como lo evidencia su arrollador éxito en los más prestigiosos festivales y su galardón al Globo de oro y al Oscar como mejor película extranjera en 1989. El score de Cinema Paradiso se compone de cuatro motivos musicales de gran fuerza melódica, arreglados con una sencilla orquestación en donde sobresalen la sección de cuerda, en la que sobresale el violín, piano y guitarra. Estos cuatro leitmotivs refuerzan la intensidad emocional que despiertan los recuerdos, ahondan en las relaciones entre personajes, y sobre todo, confieren al filme esa nostalgia, esa melancolía que aflora cuando la memoria rememora hechos que marcaron una vida, una historia, irrecuperables, perdidos para siempre con el paso del tiempo. Sin embargo, también hay que decir en su contra que su empleo es a menudo bastante abusivo. Aunque cada uno de los motivos musicales tenga una función precisa, algunos de ellos a veces aparecen en escenas que no le corresponden, convirtiéndose así en una deleitación musical completamente separada del valor de las imágenes, cayendo en un empacho empalagoso innecesario, fallo más achacable al director que al compositor. Pero en fin, centrémonos ya en el análisis. Durante los créditos iniciales aparece íntegramente desarrollado el que será el hilo conductor de todo el score, el leitmotiv del Cine Paraíso, lugar que se convierte en el símbolo más representativo de toda la infancia, y parte de la juventud, de Salvatore en su pueblo de nacimiento. El tema se inicia con una emotiva melodía a piano, a la que le seguirá el acompañamiento de una sección de cuerda que asume el ritmo melódico del tema hasta su finalización. Con esta melodía tan entrañable el Cine Paraíso se descubre así como una fábrica de sueños en donde sus espectadores disfrutarían y se emocionarían vivamente, además de convertirse en un lugar de cohesión social entre los habitantes del pueblo. El tema del Cine Paraíso está pues atado tanto al protagonista como a los espectadores que aparecen en la película. Tras los créditos iniciales, el tema vuelve aparecer en una escena en la que Salvatore se entera con la proyección de un noticiero de la muerte de su padre. Tras su incendio, en la escena de la presentación del nuevo Cine Paraíso el tema suena intensamente, siguiéndole una secuencia en donde reaparece interpretado con carácter de rag, al estilo años veinte, apoyando las reacciones de la gente ante las diversas películas que se van sucediendo. Con un tempo mucho más lento, el motivo musical es especialmente evocador cuando Salvatore regresa al Paraíso tras muchos años de ausencia, paseando entre sus ruinas. Mucho más dramático resulta cuando el cine es explosionado y se muestran los rostros entristecidos, entre ellos el de Salvatore, y de algunos para los que el cine también formó parte de sus vidas. Sin embargo, la infancia y parte de su juventud de Salvatore están enmarcadas en un contexto más grande, que no incluye solamente el Cine Paraíso. Su pueblo, sus gentes, sus costumbres, y su estrecha amistad con el proyeccionista Alfredo, también forman parte de sus más preciados recuerdos. Para describir la infancia del protagonista y la relación que se establece con Alfredo, Morricone crea un leitmotiv de fácil reconocimiento empleado principalmente para la primera parte de la película. En la orquestación de la melodía destaca el uso de violines, intercalándose con otros golpes regulares de cuerda. Este leitmotiv se esboza en las primeras escenas de la rememoración de la infancia de Salvatore, y aparece en todo su esplendor por fin en una escena en donde se ambienta Giancaldo, presentándose algunos de sus lugares y costumbres de la época. Volverá a reanudarse en un resumen en donde Alfredo enseña a Salvatore todo lo que hay que saber para el buen funcionamiento de la sala del proyeccionista. El motivo musical subraya perfectamente la curiosa amistad que surge entre ambos personajes. El tránsito de la infancia a la madurez se producían en el discurso de la película a través de un falso raccord: Alfredo y Salvatore iniciaban una conversación en la sala de proyección, hasta que, respetando aparentemente la continuidad, se producía un salto temporal grande, en donde Salvatore aparecía ya como adolescente y Alfredo más envejecido. Este tránsito aparece reforzado con un tema musical que, de inicio, irá sufriendo una progresiva transformación hasta originar el que será el leitmotiv de la juventud de Salvatore, tema de un profundo lirismo, que realza las nuevas sensaciones de su nueva edad, marcando el descubrimiento de su primer amor. Cuando Salvatore empieza su tarea como proyeccionista del nuevo Cine Paraíso, éste se entristece cuando un taburete vacío le hace recordar la ausencia de Alfredo. El corte musical acompaña a las imágenes dominado por un sonido grave de violines. La soledad del personaje es irrumpida por Alfredo, que entra en escena, y mucho más contentos, Salvatore y Alfredo conversan sobre su futuro. La música mientras tanto se mantiene de fondo, casi sin ser escuchada, pero cuando Alfredo toca el rostro de Salvatore y se produce el falso raccord para introducir la elipsis temporal, la música se transforma en el leitmotiv que caracteriza al Salvatore adolescente, una etapa cargada de sueños e ilusiones. Además de servir de cohesión entre dos escenas separadas temporalmente, la música porta el tono general de la nueva edad de Salvatore. Este fragmento aparece solapado con el tema de amor en una de las secuencias más hermosas de la película. La secuencia comienza con un Salvatore que espera paciente delante de la ventana de Elena, y está acompañada con el motivo que describíamos anteriormente, que crece con suaves golpes de guitarra, marcando la espera noche tras noche. Cuando Salvatore desiste la última noche y camina entristecido de regreso, el tema de amor comienza a sonar tenuemente, prolongándose hasta la llegada de éste a la sala del proyeccionista. La música se mantiene constante hasta que Elena sorprende allí a Salvatore. Cuando éste la abraza, la melodía sube progresivamente hasta que los dos personajes acaban besándose apasionadamente. Será usado nuevamente en otra escena pasional entre los dos personajes, aunque donde realmente destaca, ampliamente desarrollado, es en la escena final de la película, en la cual Salvatore, de vuelta a su trabajo, visiona los trozos de película que le preparó Alfredo antes de morir. La escena es arrebatadora, gracias a la perfecta comunión entre música e imagen. Como apuntábamos al principio, la película incide reiteradas veces en estos motivos musicales arbitrariamente. Así, podemos escuchar el tema asociado a la infancia de Salvatore durante la filmación de una matanza campestre que realiza, o inscrita en un resumen en donde vemos la alegría de Salvatore y Elena definitivamente juntos. El tema con el que se abre su periodo de juventud aparece tras los créditos iniciales acompañando a un Salvatore ya adulto, sin que el espectador pueda percibir cuál es su papel en la escena. El empleo es desmesurado cuando estas escenas que presentan recursos musicales tan contundentes no tienen la pulsión dramática de otras escenas o secuencias con idénticos cortes de música. Lo que parece evidente, es que con una repetición tan acusada de la música es muy difícil que el espectador no termine reconociendo los fragmentos musicales, si además son en sí mismo bastante fáciles de advertir. Aún así, Morricone cumplió perfectamente su cometido, y el resultado es una banda sonora imperecedera, de esas cuya lozanía se mantendrá invariable, que seguirá despertando pasiones en nuevos oyentes y espectadores. (De la pagina www.bsospirit.com) Temas: Cinema Paradiso (02:59) Maturity (02:18) While Thinking About Her Again (01:18) Childhood And Manhood (02:14) Cinema On Fire (02:46) Love Theme (02:46) After The Destruction (02:02) First Youth (02:15) Love Theme For Nata (04:05) Visit To The Cinema (02:22) Four Interludes (01:56) Runaway, Search And Return (02:06) Projection For Two (02:07) From American Sex Appeal To The First Fellini (03:26) Toto And Alfredo (01:20) For Elena (01:52) Cinema Paradiso - String Version (Bonus) (02:20)

BSO El señor de los anillos (3de3): El retorno del rey La historia comienza con un recuerdo de cómo el hobbit Smeagol llegó a poseer el Anillo de Poder, matando a su amigo Déagol quien lo había encontrado en el fondo de un río (donde cayó muchos años antes, como se vio en la primer película, cuando unos orcos asesinaron a Isildur, quien había matado a Sauron y había conservado el Anillo). A partir de entonces continúa el relato en donde se dejó mientras Gollum lleva a Frodo y Sam a través de la entrada cercana a Minas Morgul, en donde ven a sus ejércitos partir a la guerra. Supone la culminación de la obra de Howard Shore: de la Sinfonía del Señor de los Anillos. Una excelente obra que no se puede calificar de otra forma: inconmensurable, grandiosa. Sin duda la mejor composición de ese año. No se pierdan las pistas 16 y 17 (The End Of All Things y The Return Of The King respectivamente), que son, a mi juicio las mejores tracks. El esfuerzo de tantos años termina con las grandes interpretaciones de Sir James Galway, Viggo Mortensen (Aragorn en la película), Renée Fleming, Billy Boyd y Annie Lennox para la banda sonora. Temas: 1. A Storm Is Coming: Hope and Memory. Minas Trith (featuring Ben del Maestro) 2. The White Tree: The Steward of Gondor (featuring Billy Boyd) 3. Minas Morgul: The Ride Of The Rohirrim: Twilight And Shadow (featuring Renee Fleming) 4. Cirith Ungol 5. Anduril 6. ShelobÂ’s Lair 7. Ash And Smoke 8. The Fields Of The Pelennor 9. Hope Fails 10. The Black Gate Opens (featuring Sir James Galway) 11. The End Of All Things (featuring Renee Fleming) 12. The Return Of The King (Featuring Sir James Galway, Viggo Mortensen & Renee Fleming 13. The Grey Havens (featuring Sir James Galway) 14. Into The West (performed by Annie Lennox)

BSO El señor de los anillos (2de3): Las dos torres Tras internarse en Emyn Muil, Frodo Bolsón y Sam Gamyi se encuentran con la criatura Gollum, que intenta quitarles el Anillo por la fuerza pero, al verse vencido, promete a los hobbits guiarlos hasta Mordor. Tras sacarlos de Emyn Muil y atravesar la Ciénaga de los Muertos, llegan al Morannon, la «Puerta Negra» de Mordor. No obstante, la gran protección que tiene les imposibilita entrar por ahí y Gollum les propone tomar el camino secreto de Cirith Ungol. Tras la audición de la segunda parte de la banda sonora de El Señor de los Anillos, la impresion es ... incomparable. Solo se puede decir que este compositor ha logrado una música que probablemente sea la que mejor ha acompañado una película en la historia del cine moderno. Un gran trabajo que no se lo puede perder nadie. Desde luego no se esperaba de Howard Shore una partitura tan magnífica. Sin duda una sopresa grata para todo el mundo que este compositor canadiense componga la música para las trilogia de El Señor de los Anillos. Tras escuchar esta original, grandiosa y preciosa composición en el sonido de fondo de la película, tienes ganas de ver la segunda parte de la trilogia... Preciosa obra que se merece sin duda alguna cinco estrellas. Temas: Foundations of Stone [3:52] The Taming of Smeagol [2:49] The Riders of Rohan [4:06] The age of the Marshes [2:46] The Uruk-Hai [2:58] The King of the Golden Hall [3:50] The Black Gate is Closed [3:17] Evenstar [3:16] The White Rider [2:28] Treebeard [2:44] The Leave Taking [3:42] Helm's Deep [3:53] The Forbidden Pool [5:27] Breath of Life [5:08] The Hornburg [4:36] Forth Eorlingas [3:16] Isengard Unleashed [5:01] Samwise the Brave [3:46]

BSO El señor de los anillos (1de3): La comunidad del anillo En la Tierra Media, el Señor Oscuro Saurón creó los Grandes Anillos de Poder, forjados por los herreros Elfos. Tres para los reyes Elfos, siete para los Señores Enanos, y nueve para los Hombres Mortales. Secretamente, Saurón también forjó un anillo maestro, el Anillo Único, que contiene en sí el poder para esclavizar a toda la Tierra Media. Con la ayuda de un grupo de amigos y de valientes aliados, Frodo emprende un peligroso viaje con la misión de destruir el Anillo Único. Pero el Señor Oscuro Sauron, quien creara el Anillo, envía a sus servidores para perseguir al grupo. Si Sauron lograra recuperar el Anillo, sería el final de la Tierra Media. Realmente la banda sonora de esta primera parte de la trilogía del Señor de los Anillos (La Comunidad del Anillo) es de lo mejor de la película. La banda sonora es espléndida de principio a fin, y son el complemento ideal a las aventuras y desventuras de Frodo y compañía. Soberbio el tema "May it be", compuesto e interpretado con maestría por Enya, cuya rutilante voz nos traslada a los lejanos mundos de la tierra media. Del resto de los temas, todos ellos impecables, destaca el segundo tema "Concerning hobbits". Temas: The Prophecy – 3:54 Concerning Hobbits – 2:55 The Shadow of the Past – 3:33 The Treason of Isengard – 4:01 The Black Rider – 2:48 At the Sign of the Prancing Pony – 3:14 A Knife in the Dark – 3:34 Flight to the Ford – 4:15 Many Meetings – 3:05 The Council of Elrond Enya – 3:49 The Ring Goes South – 2:03 A Journey in the Dark – 4:20 The Bridge of Khazad-dûm – 5:57 Lothlórien (feat. "Lament For Gandalf" Elizabeth Frasier) – 4:34 The Great River – 2:43 Amon Hen – 5:02 The Breaking of the Fellowship (feat. "In Dreams" Edward Ross) – 7:21 May It Be – 4:16 Performed by Enya