Bandas sonoras para recordar 2z2n27

A Nightmare on Elm Street (Pesadilla en la calle del infierno en Latinoamérica, Pesadilla en Elm Street en España, Pesadilla en lo profundo de la noche en Argentina, Pesadilla en la calle Elm en Chile, y Pesadilla sin fin en Colombia) es una película de terror estadounidense de 1984 distribuida por New Line Cinema, dirigida por Wes Craven y protagonizada por Heather Langenkamp, John Saxon y Johnny Depp, en lo que fue el primer papel cinematográfico del entonces novel actor. Se trata de la primera aparición en cine del paradigmático psicópata del cine de terror adolescente de los años 1980, Freddy Krueger, interpretado por Robert Englund, quien dio vida al personaje en otras siete secuelas más y una teleserie. La película fue un éxito de crítica, revitalizando el género "slasher", muy desgastado en la época, y uno de los sleeper hits de 1984. Recaudó casi 26 millones de dólares en taquilla con un coste de producción inferior a dos millones y salvó con ello a su productora (New Line) de la quiebra. Su enorme rentabilidad se tradujo en una larga franquicia de secuelas igualmente taquilleras, que encumbraron a Freddy Krueger como un símbolo de la década. A diferencia de las subsecuentes entregas, que potenciaban el humor negro del personaje, en ésta Krueger sin perder la vena humorística, mantiene la seriedad de un asesino implacable y peligroso, que disfruta haciendo sufrir a sus víctimas. Ello dotó a la película de una sensación de angustia notable. De Freddy Favoritos: Lo mejor de Pesadilla en Elm Street. Álbum de Banda Sonora en venta por Freddys favoritos Best Of Ni fue lanzado 21 de abril 1998 en la etiqueta Varese Sarabande. Partituras originales escritas por Charles Bernstein, Christopher Young, Angelo Badalamenti, Craig Safan, Jay Ferguson, Brian May. De Freddy Favoritos: Lo mejor de Pesadilla en Elm Street. Favoritos de la música Soundtrack Comprar CD de Freddy es una recopilación de sus más grandes Pesadilla en Elm Street de la serie de películas '"hits". También le puede interesar algunas de devotos fans de la serie ... ~ De Barry Weber Freddie Favoritos Título completo: Favoritos de Freddy: The Best Of A Nightmare On Elm Street. De Freddy Favoritos: Lo mejor de Pesadilla en Elm Street. Música Soundtrack CD contiene un solo disco con 35 canciones. 1. A Nightmare On Elm Street: Prologue - Charles Bernstein 2. A Nightmare On Elm Street: Main Title - Charles Bernstein 3. A Nightmare On Elm Street: Dream Attack - Charles Bernstein 4. A Nightmare On Elm Street: Sleep Clinic - Charles Bernstein 5. A Nightmare On Elm Street: Terror In The Tub - Charles Bernstein 6. A Nightmare On Elm Street: Lurking - Charles Bernstein 7. A Nightmare On Elm Street: Fountain Of Blood - Charles Bernstein 8. A Nightmare On Elm Street: Evil Freddy - Charles Bernstein 9. A Nightmare On Elm Street 2: Main Title - Christopher Young 10. A Nightmare On Elm Street 2: Kissing Freddy On The Catwalk - Christopher Young 11. A Nightmare On Elm Street 2: 'Kill For Me' - Christopher Young 12. A Nightmare On Elm Street 2: Sjports Attack/Threatening Angela - Christopher Young 13. A Nightmare On Elm Street 2: Freed Of Her - Christopher Young 14. A Nightmare On Elm Street 2: Snake-In-The-Class - Christopher Young 15. A Nightmare On Elm Street 3: The Dream Warrior: Opening - Angelo Badalamenti 16. A Nightmare On Elm Street 3: The Dream Warrior: Taryn's Deepest Fear - Angelo Badalamenti 17. A Nightmare On Elm Street 3: The Dream Warrior: Deceptive Romance - Angelo Badalamenti 18. A Nightmare On Elm Street 3: The Dream Warrior: Rumbling Room - Angelo Badalamenti 19. A Nightmare On Elm Street 3: The Dream Warrior: Puppet Walk - Angelo Badalamenti 20. A Nightmare On Elm Street 4: The Dream Master: Freddy's Back - Craig Safan 21. A Nightmare On Elm Street 4: The Dream Master: Joey's Wet Dream - Craig Safan 22. A Nightmare On Elm Street 4: The Dream Master: Freddy's Pizza Restaurant - Craig Safan 23. A Nightmare On Elm Street 4: The Dream Master: Debbie Checks In/Time Circles - Craig Safan 24. A Nightmare On Elm Street 5: The Dream Child: Prologue--Elm Street Kids - Jay Ferguson 25. A Nightmare On Elm Street 5: The Dream Child: Main Title - Jay Ferguson 26. A Nightmare On Elm Street 5: The Dream Child: Don't Drink And Drive - Jay Ferguson 27. A Nightmare On Elm Street 5: The Dream Child: The Asylum - Jay Ferguson 28. A Nightmare On Elm Street 5: The Dream Child: Hell On Wheels - Jay Ferguson 29. A Nightmare On Elm Street 5: The Dream Child: Freddy Cuts Up - Jay Ferguson 30. Freddy's Dead: The Final Nightmare: Opening Titles - Brian May 31. Freddy's Dead: The Final Nightmare: Main Title - Brian May 32. Freddy's Dead: The Final Nightmare: Mama's Q-tip - Brian May 33. Freddy's Dead: The Final Nightmare: Back With Doc - Brian May 34. Freddy's Dead: The Final Nightmare: Freddy Wins - Brian May 35. Freddy's Dead: The Final Nightmare: Happy Father's Day - Brian May

La música de Star Wars son todos los temas orquestales y musicales para la serie de la Guerra de las Galaxias de George Lucas compuestos casi en su totalidad para las películas por John Williams, entre 1977 y 1983 para la trilogía original, y entre 1999 y 2005 para la trilogía de protosecuelas; así como para series de televisión, cortos e incluso videojuegos del concepto, hechas por otros músicos. La música compuesta por Williams para la doble trilogía se encuentra como algo de lo más popular y respetado dentro de su ya de por sí aclamado trabajo para cine, especialmente la de la trilogía original. La orquestación de Williams está basada en una variada y ecléctica mezcla de estilos, entre los que sobresale su influencia del Romántico Tardío de Richard Strauss y sus contemporáneos, Erich Korngold y Max Steiner . También existen varios guiños evidentes a Los Planetas de Gustav Holst , William Walton e Igor Stravinsky, lo cual es evidente,en especial, en la película original de 1977, pues el director George Lucas deseaba mantener un tono clásico para el filme, motivo que lo llevó a tener algunas discrepancias con Williams quien por su parte deseaba hacer la partitura más accesible al público optando por tendencias más modernas. La película se estrenó y la partitura de Williams fue uno de sus aspectos más destacados, así que Lucas dio al músico mayor libertad para las orquestaciones de los otros filmes, por lo cual el de la primera película acabó siendo el más distante a los otros cinco; el más clasicista, como lo concibió el director. En palabras del propio John Williams: "Personalmente, me siento muy ligado a la música de Korngold (…). Cuando George Lucas me pidió que escribiera un tema para Luke que fuese a un tiempo heroico y de esencia idealista, y que fuese presentado en forma de fanfarria, asocié en mi mente el heroísmo de Korngold, el idealismo de Holst y las fanfarrias de Elgar. Todo esto obviamente implica una inevitable semejanza con Kings Row y con muchas otras composiciones, pero desde un punto de vista temático, armónico y melódico todas las notas son de mi propia cosecha." La música de Star Wars reinauguró en cine las partituras ejecutadas por grandes orquestas sinfónicas, además de que reimpuso la utilización de la técnica operística del leitmotiv, asociada ésta principalmente con Richard Wagner, y que consiste en una melodía única que distinguirá a cada personaje, escenario o situación específica. Trilogía de Precuelas En la segunda trilogía casi no hubo temas novedosos, en primer lugar porque Williams compuso sobre un trabajo estructurado con anterioridad, esto es desde luego reutilizando muchas de la partituras de la primera trilogía, y en segunda por una relativa decadencia en el talento del músico después de treinta años dominando por sí solo la manera de componer en Hollywood. Nuevamente los principales temas aparecieron en la primera película. Star Wars Episode III: La Venganza de los Sith (Revenge of the Sith) La Batalla de Coruscant (The Battle of Coruscant), es otra sinfonía como las que caracterizaran a las películas de la trilogía original, pero la primera diferencia notable es que esta es particularmente corta, comienza con la película a base de un retumbante sonido de percusiones graves con timbales y propiamente acaba cuando los caballeros Jedi llegan ante el conde Dooku y el canciller Palpatine hecho prisionero. Sin embargo es de lo más logrado de la nueva trilogía y uno de los motivos por los cuales la música de esta tercer película fue la mejor vista. Tema del general Grievous (General Grievous theme). Como su nombre indica es el tema utilizado para el villano del inicio del Episodio III el cual también tiene acompañamiento coral, y suena un poco más intenso representando su vileza. El Duelo del Canciller (Chancellor's Duel). Una muy compleja sinfonía que no hace su aparición en la banda sonora de esta película, lo cual recibió muchas quejas de los seguidores de la Saga, pues es una canción que se ha utilizado en juegos y en otros diferentes sitios. Originalmente aparece cuando Mace Windu se enfrenta a Palpatine, ambos en un feroz duelo en la oficina del Canciller Supremo en Coruscant. Batalla de los Héroes (Battle of the Heroes). Es el tema utilizado para el enfrentamiento entre Obi-Wan y Anakin, también con acompañamiento coral y a su vez una contraparte de Duelo de los Destinos, por lo cual éste resulta más trágico. Éste tema se lanzó incluso como sencillo. Inmolación (Immolation). Música que se usó durante la escena de Darth Vader en llamas con profusión de violines. Star Wars and the Revenge of the Sith – 7:31 Anakin's Dream – 4:46 Battle of the Heroes – 3:42 Anakin's Betrayal – 4:03 General Grievous – 4:07 Palpatine's Teachings – 5:25 Grievous and the Droids – 3:27 Pé's Ruminations - 3:16 Anakin vs. Obi-Wan – 3:57 Anakin's Dark Deeds – 4:05 Enter Lord Vader – 4:14 The Immolation Scene – 2:41 Grievous Speaks to Lord Sidious – 2:49 The Birth of the Twins and Pé's Destiny – 3:37 A New Hope and End Credits – 13:05

La música de Star Wars son todos los temas orquestales y musicales para la serie de la Guerra de las Galaxias de George Lucas compuestos casi en su totalidad para las películas por John Williams, entre 1977 y 1983 para la trilogía original, y entre 1999 y 2005 para la trilogía de protosecuelas; así como para series de televisión, cortos e incluso videojuegos del concepto, hechas por otros músicos. La música compuesta por Williams para la doble trilogía se encuentra como algo de lo más popular y respetado dentro de su ya de por sí aclamado trabajo para cine, especialmente la de la trilogía original. La orquestación de Williams está basada en una variada y ecléctica mezcla de estilos, entre los que sobresale su influencia del Romántico Tardío de Richard Strauss y sus contemporáneos, Erich Korngold y Max Steiner . También existen varios guiños evidentes a Los Planetas de Gustav Holst , William Walton e Igor Stravinsky, lo cual es evidente,en especial, en la película original de 1977, pues el director George Lucas deseaba mantener un tono clásico para el filme, motivo que lo llevó a tener algunas discrepancias con Williams quien por su parte deseaba hacer la partitura más accesible al público optando por tendencias más modernas. La película se estrenó y la partitura de Williams fue uno de sus aspectos más destacados, así que Lucas dio al músico mayor libertad para las orquestaciones de los otros filmes, por lo cual el de la primera película acabó siendo el más distante a los otros cinco; el más clasicista, como lo concibió el director. En palabras del propio John Williams: "Personalmente, me siento muy ligado a la música de Korngold (…). Cuando George Lucas me pidió que escribiera un tema para Luke que fuese a un tiempo heroico y de esencia idealista, y que fuese presentado en forma de fanfarria, asocié en mi mente el heroísmo de Korngold, el idealismo de Holst y las fanfarrias de Elgar. Todo esto obviamente implica una inevitable semejanza con Kings Row y con muchas otras composiciones, pero desde un punto de vista temático, armónico y melódico todas las notas son de mi propia cosecha." La música de Star Wars reinauguró en cine las partituras ejecutadas por grandes orquestas sinfónicas, además de que reimpuso la utilización de la técnica operística del leitmotiv, asociada ésta principalmente con Richard Wagner, y que consiste en una melodía única que distinguirá a cada personaje, escenario o situación específica. Trilogía de Precuelas En la segunda trilogía casi no hubo temas novedosos, en primer lugar porque Williams compuso sobre un trabajo estructurado con anterioridad, esto es desde luego reutilizando muchas de la partituras de la primera trilogía, y en segunda por una relativa decadencia en el talento del músico después de treinta años dominando por sí solo la manera de componer en Hollywood. Nuevamente los principales temas aparecieron en la primera película. Star Wars Episode II: El Ataque de los Clones (Attack of the Clones) A Través de las Estrellas (Across the Stars). Como Duelo de los Destinos, las notas principales fueron tomadas de una partitura menor en El Retorno del Jedi en donde Vader se separa del Lado Oscuro. Este fue el tema de amor para Anakin y Pé, muy probablemente por ello su lazo con el Episodio VI, aunque también tiene acordes disueltos de los temas de Luke y de la princesa Leia. Escape de Jango (Jango's Escape). Es una pieza bastante compleja, tocada cuando Jango Fett intenta escapar de Kamino, pero se encuentra con Kenobi y luchan en un feroz combate a golpes, ganando finalmente el cazarrecompensas despegando en su nave y dejando al Jedi en el planeta. La Marcha de la Confederación (Confederacy's march). Utilizada como tema continuo de los separatistas después de la Marcha de la Federación del Episodio I. Esta lleva varios sonidos conjuntos alterando un poco los acordes de la primera marcha, es famosa y considerada una suerte de contraparte a la Marcha Imperial. Star Wars Main Title and Ambush on Coruscant – 3:46 Across the Stars: Love theme from Attack of the Clones – 5:33 Zam the Assassin and the Chase Through Coruscant – 11:07 Yoda and the Younglings – 3:55 Departing Coruscant – 1:44 Anakin and Pe – 3:57 Jango's Escape – 3:48 The Meadow Picnic – 4:14 Bounty Hunter's Pursuit – 3:23 Return to Tatooine – 6:57 The Tusken Camp and the Homestead – 5:54 Love Pledge and the Arena – 8:29 Confrontation with Count Dooku and Finale – 10:45 On the Conveyor Belt – 3:02

La música de Star Wars son todos los temas orquestales y musicales para la serie de la Guerra de las Galaxias de George Lucas compuestos casi en su totalidad para las películas por John Williams, entre 1977 y 1983 para la trilogía original, y entre 1999 y 2005 para la trilogía de protosecuelas; así como para series de televisión, cortos e incluso videojuegos del concepto, hechas por otros músicos. La música compuesta por Williams para la doble trilogía se encuentra como algo de lo más popular y respetado dentro de su ya de por sí aclamado trabajo para cine, especialmente la de la trilogía original. La orquestación de Williams está basada en una variada y ecléctica mezcla de estilos, entre los que sobresale su influencia del Romántico Tardío de Richard Strauss y sus contemporáneos, Erich Korngold y Max Steiner . También existen varios guiños evidentes a Los Planetas de Gustav Holst , William Walton e Igor Stravinsky, lo cual es evidente,en especial, en la película original de 1977, pues el director George Lucas deseaba mantener un tono clásico para el filme, motivo que lo llevó a tener algunas discrepancias con Williams quien por su parte deseaba hacer la partitura más accesible al público optando por tendencias más modernas. La película se estrenó y la partitura de Williams fue uno de sus aspectos más destacados, así que Lucas dio al músico mayor libertad para las orquestaciones de los otros filmes, por lo cual el de la primera película acabó siendo el más distante a los otros cinco; el más clasicista, como lo concibió el director. En palabras del propio John Williams: "Personalmente, me siento muy ligado a la música de Korngold (…). Cuando George Lucas me pidió que escribiera un tema para Luke que fuese a un tiempo heroico y de esencia idealista, y que fuese presentado en forma de fanfarria, asocié en mi mente el heroísmo de Korngold, el idealismo de Holst y las fanfarrias de Elgar. Todo esto obviamente implica una inevitable semejanza con Kings Row y con muchas otras composiciones, pero desde un punto de vista temático, armónico y melódico todas las notas son de mi propia cosecha." La música de Star Wars reinauguró en cine las partituras ejecutadas por grandes orquestas sinfónicas, además de que reimpuso la utilización de la técnica operística del leitmotiv, asociada ésta principalmente con Richard Wagner, y que consiste en una melodía única que distinguirá a cada personaje, escenario o situación específica. Trilogía de Precuelas En la segunda trilogía casi no hubo temas novedosos, en primer lugar porque Williams compuso sobre un trabajo estructurado con anterioridad, esto es desde luego reutilizando muchas de la partituras de la primera trilogía, y en segunda por una relativa decadencia en el talento del músico después de treinta años dominando por sí solo la manera de componer en Hollywood. Nuevamente los principales temas aparecieron en la primera película. Star Wars Episode I: The Phantom Menace (The Phantom Menace) Tema de Anakin (Anakin's theme). Un tema que de modo ostensible refleja inocencia, aunque curiosamente contiene acordes de la Marcha Imperial, y así, conforme va progresando el personaje en las películas, éste se acerca cada vez más al plenamente reconocible Tema de Darth Vader. Ver Anakin's Theme La Marcha de la Federación de Comercio o Tema de la Invasión Androide (Trade Federation march ó Droid Invasion theme). Como su nombre indica es el tema para la ambiciosa Federación de Comercio, aunque utilizado con prominencia para las escenas en que interviene su ejército de androides; en las otras dos películas se utilizó para algunas escenas del Ejército de Clones e incluso en el Episodio III cuando los wookies entran en combate en su natal Kashyyyk, así que resultaría un tema discutido. Duelo de los Destinos (Duel of the Fates). El tema mas atípico de la saga y de paso el más publicitado, pues en él Williams experimentó introduciendo un gran arreglo coral que representa el enfrentamiento de la Fuerza con el Lado Oscuro en el Episodio I, aunque cabe destacar que las notas principales fueron tomadas de una partitura menor en El Imperio Contraataca. El texto del coro fue tomado de un poema céltico llamado “Cad Goddeu” (Batalla de los árboles) traducido a sánscrito. Para el Episodio II se utilizó como fondo en la búsqueda de Anakin por su madre implicando su dilema emocional, y en el Episodio III para el enfrentamiento de Yoda con el Emperador Palpatine. La Marcha de la República (Republic march). Es tocada cuando Anakin destruye la nave de la Federación como fondo. Es la música más famosa del Episodio I después de Duelo de los Destinos, y se utilizó en varios avances de entregas posteriores, por ejemplo para el Episodio III y The Clone Wars. Tema Fúnebre (Funeral theme). Como su nombre indica es el tema funerario del filme y también tiene acompañamiento coral en sanscrito, aunque en tonos menores; utilizado para la cremación de Qui-Gon Jinn, para el funeral de Pé y para la transformación de Anakin en Darth Vader, acompañando así una muerte de modo espiritual. Star Wars Main Title and the Arrival at Naboo – 2:55 Duel of the Fates – 4:14 Anakin's Theme – 3:05 Jar Jar's Introduction and the Swim to Otoh Gunga – 5:07 The Sith Spacecraft and the Droid Battle – 2:37 The Trip to the Naboo Temple and the Audience with Boss Nass – 4:07 The Arrival at Tatooine and the Flag Parade – 4:04 He Is the Chosen One – 3:53 Anakin Defeats Sebulba – 4:24 age Through the Planet Core – 4:40 Watto's Deal and Kids at Play – 4:57 Panaka and the Queen's Protectors – 3:24 Queen Amidala and the Naboo Palace – 4:51 The Droid Invasion and the Appearance of Darth Maul – 5:14 Qui-Gon's Noble End – 3:48 The High Council Meeting and Qui-Gon's Funeral – 3:09 Augie's Great Municipal Band and End Credits – 9:37

La música de Star Wars son todos los temas orquestales y musicales para la serie de la Guerra de las Galaxias de George Lucas compuestos casi en su totalidad para las películas por John Williams, entre 1977 y 1983 para la trilogía original, y entre 1999 y 2005 para la trilogía de protosecuelas; así como para series de televisión, cortos e incluso videojuegos del concepto, hechas por otros músicos. La música compuesta por Williams para la doble trilogía se encuentra como algo de lo más popular y respetado dentro de su ya de por sí aclamado trabajo para cine, especialmente la de la trilogía original. La orquestación de Williams está basada en una variada y ecléctica mezcla de estilos, entre los que sobresale su influencia del Romántico Tardío de Richard Strauss y sus contemporáneos, Erich Korngold y Max Steiner . También existen varios guiños evidentes a Los Planetas de Gustav Holst , William Walton e Igor Stravinsky, lo cual es evidente,en especial, en la película original de 1977, pues el director George Lucas deseaba mantener un tono clásico para el filme, motivo que lo llevó a tener algunas discrepancias con Williams quien por su parte deseaba hacer la partitura más accesible al público optando por tendencias más modernas. La película se estrenó y la partitura de Williams fue uno de sus aspectos más destacados, así que Lucas dio al músico mayor libertad para las orquestaciones de los otros filmes, por lo cual el de la primera película acabó siendo el más distante a los otros cinco; el más clasicista, como lo concibió el director. En palabras del propio John Williams: "Personalmente, me siento muy ligado a la música de Korngold (…). Cuando George Lucas me pidió que escribiera un tema para Luke que fuese a un tiempo heroico y de esencia idealista, y que fuese presentado en forma de fanfarria, asocié en mi mente el heroísmo de Korngold, el idealismo de Holst y las fanfarrias de Elgar. Todo esto obviamente implica una inevitable semejanza con Kings Row y con muchas otras composiciones, pero desde un punto de vista temático, armónico y melódico todas las notas son de mi propia cosecha." La música de Star Wars reinauguró en cine las partituras ejecutadas por grandes orquestas sinfónicas, además de que reimpuso la utilización de la técnica operística del leitmotiv, asociada ésta principalmente con Richard Wagner, y que consiste en una melodía única que distinguirá a cada personaje, escenario o situación específica. Trilogía Original Star Wars Episodio VI: El Retorno del Jedi (Return of the Jedi) Tema de Jabba (Jabba's theme). Un tema en tonos suaves que como su nombre indica acompaña al gangster espacial Jabba the Hutt representando toda la vileza que lo imbuye. Tema del Emperador (Emperor's theme). Un tema de sonido bajo ominoso que como su nombre indica acompaña la presencia del Emperador Palpatine, y que luego fue profusamente reutilizado en la segunda trilogía cuando las apariciones de Darth Sidious. Tema de los Ewoks (Ewok's theme ó Parade of the Ewoks). Es un estilizado tema que como su nombre indica acompaña a los Ewoks, cuando la visita de los héroes a su villa y cuando entran en batalla. Tema de Luke y Leia (Luke and Leia). Es un tema ascético que representa el lazo existente entre los hermanos, aunque sólo se escucha en un par de ocasiones se considera que tiene un sonido más adulto que por ejemplo el Tema de Amor. La Batalla de Endor (The Battle of Endor). Como en los dos primeros filmes ésta es otra sinfonía, la más larga de todas las entregas, pues enmarca prácticamente una tercera parte de Return of the Jedi y escenifica el fin de toda la saga. Se divide en tres movimientos, de los cuales destaca muy especialmente el segundo pues contiene la climática pieza Luke and Vader Duel, una de las pocas con acompañamiento coral de la trilogía original, la cual resulta sumamente intensa y dramática, para pasar a Emperor's Death, otra casi igual de dramática; mientras en el tercero contiene Darth Vader's Death, una versión con arpa de la Marcha Imperial, la última vez que se escucha ésta. Antecedió de algún modo la forma que años después tendría Duelo de los Destinos, sólo que La Batalla de Endor es mucho más extensa. 20th Century Fox fanfare with Cinemascope Extension Main Title / Approaching the Death Star Han Solo Returns (At the Court of Jabba the Hutt) Fight in the Dungeon The Return of the Jedi The Emperor Arrives The Death of Yoda Parade of the Ewoks Luke and Leia The Emperor Confronts Luke Into the Trap First Ewok Battle / Fight With the Fighters The Forest Battle The Final Duel / Into the Death Star The Emperor's Death Darth Vader's Death Through the Flames Leia Breaks the News / Funeral Pyre for a Jedi Ewok Celebration / Finale

La música de Star Wars son todos los temas orquestales y musicales para la serie de la Guerra de las Galaxias de George Lucas compuestos casi en su totalidad para las películas por John Williams, entre 1977 y 1983 para la trilogía original, y entre 1999 y 2005 para la trilogía de protosecuelas; así como para series de televisión, cortos e incluso videojuegos del concepto, hechas por otros músicos. La música compuesta por Williams para la doble trilogía se encuentra como algo de lo más popular y respetado dentro de su ya de por sí aclamado trabajo para cine, especialmente la de la trilogía original. La orquestación de Williams está basada en una variada y ecléctica mezcla de estilos, entre los que sobresale su influencia del Romántico Tardío de Richard Strauss y sus contemporáneos, Erich Korngold y Max Steiner . También existen varios guiños evidentes a Los Planetas de Gustav Holst , William Walton e Igor Stravinsky, lo cual es evidente,en especial, en la película original de 1977, pues el director George Lucas deseaba mantener un tono clásico para el filme, motivo que lo llevó a tener algunas discrepancias con Williams quien por su parte deseaba hacer la partitura más accesible al público optando por tendencias más modernas. La película se estrenó y la partitura de Williams fue uno de sus aspectos más destacados, así que Lucas dio al músico mayor libertad para las orquestaciones de los otros filmes, por lo cual el de la primera película acabó siendo el más distante a los otros cinco; el más clasicista, como lo concibió el director. En palabras del propio John Williams: "Personalmente, me siento muy ligado a la música de Korngold (…). Cuando George Lucas me pidió que escribiera un tema para Luke que fuese a un tiempo heroico y de esencia idealista, y que fuese presentado en forma de fanfarria, asocié en mi mente el heroísmo de Korngold, el idealismo de Holst y las fanfarrias de Elgar. Todo esto obviamente implica una inevitable semejanza con Kings Row y con muchas otras composiciones, pero desde un punto de vista temático, armónico y melódico todas las notas son de mi propia cosecha." La música de Star Wars reinauguró en cine las partituras ejecutadas por grandes orquestas sinfónicas, además de que reimpuso la utilización de la técnica operística del leitmotiv, asociada ésta principalmente con Richard Wagner, y que consiste en una melodía única que distinguirá a cada personaje, escenario o situación específica. Trilogía Original Star Wars Episodio V: El Imperio Contraataca (The Empire Strikes Back) La Marcha Imperial o Tema de Darth Vader (The Imperial march ó Darth Vader's theme). Es tal vez el segundo tema más conocido y célebre de toda la saga con su retumbante sonido de inspiración militar representando la crueldad y dureza del deshumanizado rigor imperial, así como la atemorizante presencia de Darth Vader del cual asimismo es leitmotiv. Su prominencia es sobre todo en El Imperio Contraataca para la que fue compuesto, y en Return of the Jedi, mientras en la segunda trilogía se escucha en una versión minimalista hacia la conclusión del Episodio I, y se utiliza con más frecuencia en los Episodios II y III conforme la conversión de Anakin hacia el lado oscuro. Tema de Amor (Love theme ó Han Solo and the Princess, ó incluso Han Solo's theme). Es un dulce tema de amor que como su nombre indica acompaña las escenas de amor entre Han Solo y la Princesa Leia así como las de sacrificio, por lo cual aparece sólo en El Imperio Contraataca y en El Retorno del Jedi. Aunque éste es el tema de amor central de la trilogía original, en realidad es fundamental durante El Imperio Contraataca, pues sirve para ilustrar la incertidumbre de los protagonistas en la historia, ya que la versión epónima, la más extendida, es la que cierra la película, cuando los personajes contemplan por un mirador del vagón médico una caprichosa forma estelar reflexionando sobre el rescate de su amigo. La Batalla de Hoth (The Battle of Hoth). Es otra breve sinfonía para la batalla principal de El Imperio Contraataca, tiene secciones muy dramáticas con varios acordes de la Marcha Imperial, pero pasando por otros encomiásticos como el que enmarca los disparos del cañón iónico que permite el escape indemne de la primera nave de evacuación, o la última sección cuando la mayoría de la flota rebelde logra fugarse del Imperio completada la invasión de su base Eco. Tema de Yoda (Yoda's theme). Es un tema gentil que como su nombre indica acompaña la presencia del maestro Yoda en las películas, por lo cual tuvo una mayor prominencia en la segunda trilogía. Tema de los Androides (Droids motif). Otro tema compuesto para la segunda película, en este caso como indica el nombre especialmente para los robots C-3PO y R2-D2 que en realidad tienen una mayor presencia en la película original, aun así el tema aparece en las escenas climáticas de El Imperio Contraataca. Tema de Boba Fett (Boba Fett motif). Un tema de melodía baja en semitono descendente que como su nombre indica acompaña las apariciones del caza-recompensas Boba Fett, aunque resulta el único tema debatido pues también acompaña los esfuerzos de los héroes por escapar de la Ciudad en las Nubes, mientras en la siguiente película ya no se utilizó. Tema de Bespin (Cloud City march ó Lando's Palace). Un hipnótico tema en tonos mayores que acompaña las pocas apariciones en pantalla de la Ciudad en las Nubes. 20th Century Fox fanfare with Cinemascope Extension Main Title / The Imperial Probe (Extended version) Luke's Escape Luke's Rescue The Imperial March (Darth Vader's theme) The Battle in the Snow Luke's First Crash The Rebels Escape Again The Asteroid Field Yoda's theme Han Solo and the Princess The Training of a Jedi Knight The Magic Tree Yoda and the Force City in the Clouds Lando's Palace The Duel Hyperspace Finale / End Credits

La música de Star Wars son todos los temas orquestales y musicales para la serie de la Guerra de las Galaxias de George Lucas compuestos casi en su totalidad para las películas por John Williams, entre 1977 y 1983 para la trilogía original, y entre 1999 y 2005 para la trilogía de protosecuelas; así como para series de televisión, cortos e incluso videojuegos del concepto, hechas por otros músicos. La música compuesta por Williams para la doble trilogía se encuentra como algo de lo más popular y respetado dentro de su ya de por sí aclamado trabajo para cine, especialmente la de la trilogía original. La orquestación de Williams está basada en una variada y ecléctica mezcla de estilos, entre los que sobresale su influencia del Romántico Tardío de Richard Strauss y sus contemporáneos, Erich Korngold y Max Steiner . También existen varios guiños evidentes a Los Planetas de Gustav Holst , William Walton e Igor Stravinsky, lo cual es evidente,en especial, en la película original de 1977, pues el director George Lucas deseaba mantener un tono clásico para el filme, motivo que lo llevó a tener algunas discrepancias con Williams quien por su parte deseaba hacer la partitura más accesible al público optando por tendencias más modernas. La película se estrenó y la partitura de Williams fue uno de sus aspectos más destacados, así que Lucas dio al músico mayor libertad para las orquestaciones de los otros filmes, por lo cual el de la primera película acabó siendo el más distante a los otros cinco; el más clasicista, como lo concibió el director. En palabras del propio John Williams: "Personalmente, me siento muy ligado a la música de Korngold (…). Cuando George Lucas me pidió que escribiera un tema para Luke que fuese a un tiempo heroico y de esencia idealista, y que fuese presentado en forma de fanfarria, asocié en mi mente el heroísmo de Korngold, el idealismo de Holst y las fanfarrias de Elgar. Todo esto obviamente implica una inevitable semejanza con Kings Row y con muchas otras composiciones, pero desde un punto de vista temático, armónico y melódico todas las notas son de mi propia cosecha." La música de Star Wars reinauguró en cine las partituras ejecutadas por grandes orquestas sinfónicas, además de que reimpuso la utilización de la técnica operística del leitmotiv, asociada ésta principalmente con Richard Wagner, y que consiste en una melodía única que distinguirá a cada personaje, escenario o situación específica. Trilogía Original Star Wars Episodio IV: Una Nueva Esperanza (A New Hope) Tema de Star Wars o sólo Tema principal, o incluso Tema de Luke (Star Wars theme ó sólo Main theme, ó Luke's theme), el cual es simplemente el anatema de toda la saga y considerado por la mayoría, especialistas de música y público, como uno de los mejores temas cinematográficos de todos los tiempos. El tema es prominente en la primera película y algunos fragmentos son utilizados en varias escenas de acción de Luke Skywalker, el héroe de la misma, o sólo cuando aparece, así como en las otras dos películas originales, mientras en la trilogía de precuelas quedó un poco relegado por tratar de personajes distintos (entiéndase su uso como leitmotiv, pues en la segunda trilogía los personajes principales son otros), aunque no por ello dejó de ser el tema único que abre cada película. Su mayor curiosidad es que la fanfarria del estudio 20th Century Fox compuesta por Alfred Newman en 1954 le sirve perfectamente como intro y por lo mismo el público inevitablemente los ha asociado durante mucho tiempo como una sola pieza. Fanfarria Rebelde (Rebel fanfare). Como su nombre indica es una fanfarria, o sea una melodía corta, en cuatro tonos altos que transmite la dramática audacia de cuando los Rebeldes entran en acción, por lo cual tiene una verdadera profusión en la trilogía original, mientras en la segunda trilogía se utilizó también como acompañamiento de fondo para la disidencia insurgente de las nuevas películas.1 Tema de la Princesa Leia (Princess Leia's theme). Es un tema que como su nombre indica acompaña a la Princesa Leia y la presenta bajo la romántica idea con que como personaje fue concebida, por lo cual se utiliza posteriormente para representarla cuando actúa sola y particularmente en sus momentos de mayor vulnerabilidad, así que se escucha sólo en la trilogía original, excepto en el Episodio III cuando su nacimiento, para el cual Williams compuso una versión extendida. Tema de la Fuerza (Force theme ó Binary Sunset, ó Ben Kenobi's theme, ó Jedi Knights of the Old Republic theme, ó hasta May the Force be with You, ó inclusive The Throne Room). Es otro de los temas principales de toda la saga y de hecho el más consistente de las películas, que bien representa a la Fuerza, a los Jedis o incluso al venerable caballero Obi-Wan Kenobi en la primera película; éste es por cierto una muy efectiva variación extendida de uno de los acordes del Tema principal de Star Wars. En la última escena de la película original existe una variante muy sofisticada del tema conocida como Throne Room, cuando los héroes son condecorados por su hazaña al haber destruido la Estrella de la Muerte, ésta es básicamente tocada en forma de una Marcha, la cual resulta a su vez algo menos melancólica de lo que es en esencia el tema. Tema del Imperio (Imperial motif; no confundir con la Marcha Imperial). Es el tema utilizado en la película original para Darth Vader, para el Grand Moff Tarkin y para El Imperio. De cierta inspiración militar anticipó la tan característica Marcha Imperial, mientras éste no volvió a ser utilizado posteriormente debido a su reemplazo por aquél. Tema de la Estrella de la Muerte (Death Star motif). Es un tema de sonido imponente en cuatro acordes que como su nombre indica acompaña las apariciones en pantalla de la Estrella de la Muerte en la película original y luego en Return of the Jedi. Tema de los Jawa (Jawa theme ó The Little People). Es un tema lúdico utilizado para los Jawas y para algunas escenas del planeta Tatooine. Dies Irae. Siguiendo la tradición como compositor clásico, Williams incorporó este tema de cantos gregorianos para representar las imágenes más duras y trágicas de la saga, por lo cual sólo aparece en la película original cuando Luke descubre su destino ante el asesinato de sus tíos, en el Episodios II cuando Anakin Skywalker confiesa su genocidio de la Gente del Desierto, y en el Episodio III cuando los caballeros Jedi son traicionados y sistemáticamente exterminados. La Batalla de Yavin (The Battle of Yavin). No es un tema propiamente dicho, es más bien una breve sinfonía, no porque sea particularmente corta sino que como sinfonía si es reducida, que desde luego como revela su título acompaña la penúltima secuencia del filme original, en la cual los rebeldes deben combatir sobre la orbita de la Estrella de la Muerte. La última de sus secciones por ejemplo contiene el Tema de la Fuerza, pero a la vez concluye musicalizando la victoria sobre el Imperio con acordes nuevos. Cierre de créditos (End titles). Como todas las películas de Hollywood, la orquestación de acompañamiento para la secuencia de créditos de cada Episodio de la saga se presenta como una síntesis de todos los temas ejecutados durante la misma, pero en el caso de Star Wars hasta ésa música es célebre, pues es un tema totalmente separado de toda la partitura. El cierre comienza con tres semitonos altos, seguidos después por los acordes centrales del Tema principal en su forma de Tema de Luke, o sea medio tiempo más rápido, seguido de inmediato por la Fanfarria Rebelde, para nuevamente volver a los acordes del Tema de Luke, y es entonces que pasa al resumen como tal de temas ejecutados durante cada correspondiente película. 20th Century Fox fanfare with Cinemascope Extension Main Title Imperial Attack The Desert The Little People Work The Princess Appears The Land of the Sand People The Return Home Inner City Mouse Robot / Blasting off Rescue of the Princess The Walls Converge Ben's Death / Tie Fighter Attack Princess Leia's theme The Last Battle The Throne Room / End Title

Back to the Future Trilogy (Soundtrack) El soundtrack de la trilogía, Back to the future (Regreso al Futuro), consiste en tres álbumes, uno por cada película. Cada álbum está conformado por menos de 20 pistas, donde la mayoría de estas fueron elaboradas por Alan Silvestri y ejecutadas por John Debney y la Orquesta Nacional de la Real Escocia. Algunas pistas que vale la pena resaltar por el éxito obtenido en numerosas listas de popularidad alrededor del mundo, son: The Power of Love, interpretada por Huey Lewis and the News; y Johnny B. Goode interpretada por Harry Waters Jr, Mark Campbell y Tim May. Alan Silvestri (Nueva York, 26 de marzo de 1950) es un conocido compositor musical de bandas sonoras. Silvestri es conocido por sus numerosas colaboraciones con Robert Zemeckis, especialmente Forrest Gump (1994), la trilogía de Regreso al futuro (1985, 1989 y 1990), Depredador (1987), Depredador 2 (1990), (1997) o El Expreso Polar (2004). Ha recibido dos nominaciones a los Oscar y dos a los Grammy. La trilogía Back to the Future (conocida como Regreso al futuro en España y Volver al futuro en Hispanoamérica) se refiere al conjunto de las tres películas de la saga de ciencia ficción Back to the Future, dirigidas por Robert Zemeckis, producidas por Steven Spielberg, Bob Gale y Neil Canton y distribuidas por Universal Pictures. Sus protagonistas son Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Thomas F. Wilson y Lea Thompson. La historia narra a Marty McFly un joven de 17 años amigo del científico Doc Emmet Brown quien inventa una máquina del tiempo y por accidente Marty viaja al pasado y evita el primer encuentro de sus padres ocasionando que él deje de existir. Regreso al futuro III Después de que Marty se enterara de que Doc está en 1885, va en busca del otro "yo" de Doc de 1955 que acababa de enviar al "yo" de Marty que se encontraba en 1955. En la carta de Doc decía que Marty recuperaran el DeLorean que el Doc de 1885 había enterrado en una mina abandonada en las vías del tren y que Marty regresara a 1985, y que por ningún motivo lo fuera a buscar a 1885. Marty con ayuda del Doc de 1955 rescata la máquina del tiempo, pero Marty descubre una lápida con el nombre de Doc Emmet Brown y que fue asesinado por Bufford Tannen (bisabuelo de Biff Tannen). Marty viaja hacia el pasado a 1885 con el fin de rescatar al Doc y volver a 1985.pero la válvula que contenía la gasolina se rompe haciendo que el De Lorean no alcance las 88 millas por hora que se necesitan para viajar por eso van al puente sin construir donde ven a clara clayton en peligro de caer al barranco. Doc se enamora de Clara y decide no ir al futuro martyn por otro lado se mete en problemas con Bufford haciendo que este lo rete a un duelo en el cual marty gana y logra convencer a doc de irse con el al futuro y se dirigen al tren que los ayudara a hacer que el De Lorean llegue a las 88 millas por hora. Clara los sigue y se va con Doc en el skate volador. Marty regresa a 1985 donde el delorean queda destruido por un tren y en eso aparece Doc con un tren maquina del tiempo acabando así la trilogía. Temas: 1. Main Title 2. It's Clara (The Train Part II) 3. Hill Valley 4. The Hanging 5. At First Sight 6. Indians 7. Goodbye Clara 8. Doc Returns 9. Point Of No Return (The Train Part III) 10. The Future Isn't Written 11. The Showdown 12. Doc To The Rescue 13. The Kiss 14. We're Out Of Gas 15. Wake Up Juice 16. A Science Experiment? (The Train Part I) 17. Doubleback 18. End Credits

Back to the Future Trilogy (Soundtrack) El soundtrack de la trilogía, Back to the future (Regreso al Futuro), consiste en tres álbumes, uno por cada película. Cada álbum está conformado por menos de 20 pistas, donde la mayoría de estas fueron elaboradas por Alan Silvestri y ejecutadas por John Debney y la Orquesta Nacional de la Real Escocia. Algunas pistas que vale la pena resaltar por el éxito obtenido en numerosas listas de popularidad alrededor del mundo, son: The Power of Love, interpretada por Huey Lewis and the News; y Johnny B. Goode interpretada por Harry Waters Jr, Mark Campbell y Tim May. Alan Silvestri (Nueva York, 26 de marzo de 1950) es un conocido compositor musical de bandas sonoras. Silvestri es conocido por sus numerosas colaboraciones con Robert Zemeckis, especialmente Forrest Gump (1994), la trilogía de Regreso al futuro (1985, 1989 y 1990), Depredador (1987), Depredador 2 (1990), (1997) o El Expreso Polar (2004). Ha recibido dos nominaciones a los Oscar y dos a los Grammy. La trilogía Back to the Future (conocida como Regreso al futuro en España y Volver al futuro en Hispanoamérica) se refiere al conjunto de las tres películas de la saga de ciencia ficción Back to the Future, dirigidas por Robert Zemeckis, producidas por Steven Spielberg, Bob Gale y Neil Canton y distribuidas por Universal Pictures. Sus protagonistas son Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Thomas F. Wilson y Lea Thompson. La historia narra a Marty McFly un joven de 17 años amigo del científico Doc Emmet Brown quien inventa una máquina del tiempo y por accidente Marty viaja al pasado y evita el primer encuentro de sus padres ocasionando que él deje de existir. Regreso al futuro II La historia transcurre esta vez en el futuro, en el año 2015, donde Marty y Doc viajan hacia el futuro para evitar que el hijo de Marty McFly sea encarcelado por culpa del nieto de Biff. El problema surge cuando Marty compra un Almanaque deportivo con todos los resultados desde 1950 a 2000, con el fin de volver al pasado y ganar las apuestas. Biff en el futuro roba la máquina del tiempo y el almanaque con el fin de cambiar el rumbo de la historia. Cuando Doc y Marty vuelven a 1985, se encuentran con una Hill Valley apoderada por Biff. Doc y Marty viajan al año 1955 para poder quitarle el almanaque a Biff y volver a restablecer el año 1985. Cuando lo hacen Marty quema el almanaque y como era el 12 de noviembre de 1955, el día de la famosa tormenta elctrica en Hill Valley al Doc le cae un relámpago y desaparece. Sin embargo, por medio de una carta Doc le dice a Marty que está en 1885 y Marty corre a pedir ayuda a su "yo" del Doc de 1955. Temas: 1. Main Title 2. The Future 3. Hoverboard Chase 4. A Flying Delorean? 5. My Father! 6. 'Alterate 1985' 7. If They Ever Did 8. Pair O'Docs 9. The Book 10. Tunnel Chase 11. Burn The Book 12. Western Union 13. End Title

Back to the Future Trilogy (Soundtrack) El soundtrack de la trilogía, Back to the future (Regreso al Futuro), consiste en tres álbumes, uno por cada película. Cada álbum está conformado por menos de 20 pistas, donde la mayoría de estas fueron elaboradas por Alan Silvestri y ejecutadas por John Debney y la Orquesta Nacional de la Real Escocia. Algunas pistas que vale la pena resaltar por el éxito obtenido en numerosas listas de popularidad alrededor del mundo, son: The Power of Love, interpretada por Huey Lewis and the News; y Johnny B. Goode interpretada por Harry Waters Jr, Mark Campbell y Tim May. Alan Silvestri (Nueva York, 26 de marzo de 1950) es un conocido compositor musical de bandas sonoras. Silvestri es conocido por sus numerosas colaboraciones con Robert Zemeckis, especialmente Forrest Gump (1994), la trilogía de Regreso al futuro (1985, 1989 y 1990), Depredador (1987), Depredador 2 (1990), (1997) o El Expreso Polar (2004). Ha recibido dos nominaciones a los Oscar y dos a los Grammy. La trilogía Back to the Future (conocida como Regreso al futuro en España y Volver al futuro en Hispanoamérica) se refiere al conjunto de las tres películas de la saga de ciencia ficción Back to the Future, dirigidas por Robert Zemeckis, producidas por Steven Spielberg, Bob Gale y Neil Canton y distribuidas por Universal Pictures. Sus protagonistas son Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Thomas F. Wilson y Lea Thompson. La historia narra a Marty McFly un joven de 17 años amigo del científico Doc Emmet Brown quien inventa una máquina del tiempo y por accidente Marty viaja al pasado y evita el primer encuentro de sus padres ocasionando que él deje de existir. Regreso al futuro La historia transcurre en el año 1985 y cuenta las aventuras del joven de 17 años Marty McFly, que vive con sus padres y sus hermanos en Hill Valley, California. Marty tiene por su mejor amigo al científico "Doc" Emmett Brown, el cual un día le pide a Marty que le ayude con su último invento, que resulta ser una máquina del tiempo fabricada a partir de un automóvil De Lorean. Tras una exitosa prueba del invento Doc procede a explicarle a Marty cómo funciona la máquina y le muestra el "Condensador de flujo" que básicamente es lo que hace posible viajar en el tiempo. Sin embargo el condensador requiere de una cantidad de energía eléctrica de 1,21 Gigavatios que se generan de un poco de plutonio que Doc le robó a unos terroristas libios. Éstos aparecen de repente a bordo de una furgoneta tras enterarse del engaño y matan al Doctor Brown enfrente de Marty. Éste, para escapar, se mete en el De Lorean y por accidente viaja 30 años hacia el pasado, a 1955, la época en que sus padres eran adolescentes. Ahí, Marty descubre que se le ha acabado el plutonio para volver a su época e interfiere con el primer encuentro de sus padres, lo que causará que en el futuro ellos no se conozcan ni se casen, y esto hace que Marty empiece lentamente a ser borrado de la existencia. Debido a la interrupción de Marty en el primer encuentro de sus padres; su madre, en ese entonces una joven, bella y totalmente extravertida chica, se enamora de él. Y siendo su padre un joven temeroso e incapaz de afrontar sus miedos contra Biff Tannen, las cosas se le complican (todo lo cual podría crear además una paradoja). Pero después de varias alocadas y desesperadas ideas consigue juntarlos de nuevo, asegurando su propio nacimiento y el de sus hermanos. Después de tantos líos, y con ayuda del más joven Doc Emmet Brown logra volver a 1985 para descubrir con sorpresa que algunas cosas eran diferentes, como que su amigo Emmett Brown sobrevive al ataque terrorista, o que su familia había prosperado y sus relaciones eran mejores. Temas: 1. The Power Of Love - Huey Lewis And The News 2. Time Bomb Town - Lindsey Buckingham 3. Back To The Future - The Outatime Orchestra 4. Heaven Is One Step Away - Eric Clapton 5. Back In Time - Huey Lewis And The News 6. Back To The Future Overture - The Outatime Orchestra 7. The Wallflower (Dance With Me Henry) - Etta James 8. Night Train - The Starlighters 9. Earth Angel (Will You Be Mine) - The Starlighters 10. Johnny B. Goode - The Starlighters

Inception (Origen) se desarrolla en un escenario del futuro cercano en el que se han inventado los dispositivos que permiten a los individuos invadir los sueños de otros y, si eres inteligente y con experiencia suficiente, extraer secretos –ideas- revelados a través del subconsciente del sujeto. Pero su realizador, Christopher Nolan va bastante más allá de este, de por sí, ambicioso argumento: ¿Sería posible implantar una idea básica y original en el sujeto, ajena a él, para así transformar su futuro, sus motivaciones y acciones y, en definitiva, influir en sus decisiones?, ¿y si, de hecho, ya estuvieramos experimentado los efectos de una idea propia que, como un virus, nos impide discernir que es realidad y sueño, sueño propio o ajeno? El director Christopher Nolan lo quiere todo. Quiere un éxito de taquilla que sea visceral y cerebral al mismo tiempo. Un entretenimiento que se pueda disfrutar ya sea como espectáculo o un rompecabezas, o en ambos términos, y con esta producción, en gran medida lo consigue. Inception (Origen) es una de las mejores películas de ciencia-ficción del nuevo siglo –son sólo 10 años, sí, pero no está nada mal para empezar-, un alucinógeno sobre los sueños planteados como espacios públicos. Pero también es una película de atraco estándar al viejo -o al nuevo- estilo, lleno de referencias propias de este tipo de producciones (El Golpe, Ocean’s Eleven..), y la estructura narrativa se adscribe a lo siguiente: un delito está previsto, se ha de montar un equipo, y ‘la banda’ –incluída la sonora- está lista para arrancar; y todo el infierno se desata. Pero también –asombroso, lo tiene todo- es una película íntima sobre el dolor, la adicción, y la realidad más lacerante (la escena del suicidio, tremenda). Nolan hace cine de género que quieren entretener e informar. Por lo general, tiene éxito porque sus películas son sutiles e inteligentes además de muy atractivas y entretenidas; sabe conjugar el mejor cóctel que pueda conseguirse de blockbuster palomitero y cine, de mayúsculas, con carga de profundidad y perspectiva; y, podeis creerme, vais a necesitar una buena dosis de perspectiva para disfrutarlo plenamente. El ORIGEN del éxito Pero ¿qué es Origen, en realidad? ¿Una película de acción o de introspección, un espectáculo o un drama? La película trata de la invasión de las ideas y los sueños, y de lo poderoso y peligroso que esto puede llegar a ser. Las ideas son peligrosas, pero la idea de poner nuevamente juntos al director Christopher Nolan y al compositor Hans Zimmer es, vale la pena decirlo, un billete ganador a la genialidad; pues con la visión de Nolan y la música de Zimmer, ¿acaso puede ser otra cosa que un éxito sensacional ? En algunas de sus declaraciones, Christopher Nolan señalaba dos cosas que realmente se evidencian cuando se escucha la BSO que Hans Zimmer a creado para Inception. Primero, Nolan remarca lo importante que es la banda sonora para la película y determinar ese punto onírico que la define de principio a fin, y lo es; la segunda, que Hans Zimmer es “uno de los talentos esenciales de la industria para trabajar en música cinematográfica” . Inception (Origen) es sinuosa, una película de ensueño sobre los sueños, y Nolan buscaba una partitura que pudiera atraer al espectador, ayudándolo a través de la confusión de los sueños que la habitan y que, adrede, propone. Apasionante, misteriosa y aciaga como todo lo que se escapa a nuestra comprensión, como se muestra en “09. Dream Within a Dream” . Todo esto es cierto. La banda sonora de Zimmer es, a veces, muy abstracta, con temas musicales fuertes y contundentes, vibrantes y metálicos, una música casi robótica y amenazadora como lo es la cadencia de la película. Pero en temas como "08. One Simple Idea" y "05. Old Souls" , escuchamos como se atenúa su intensidad. Los filmes de Nolan se basan en personajes problemáticos, con defectos, pero también son, sin embargo, tristes y humildes, y eso es lo que la parte más dulce de la partitura de Zimmer proporciona. Temas con ritmos sencillos, algunos terribles y otros donde reluce un amago de esperanza, comprometido por la desesperación. En los últimos 10 años Hans Zimmer ha elaborado un currículum impresionante de bandas sonoras, y si continúa a este ritmo, su catálogo pronto rivalizará incluso con los mejores compositores de cine de la historia, elevándolo a la categoría de los grandes maestros de bandas sonoras como John Williams, Ennio Morricone, Jerry Goldsmith y Max Steiner. La fuerza de estos compositores reside en su capacidad de incluír ‘realmente’ la música en la película, no sólo como un respaldo a lo que está sucediendo en la pantalla, sino como si la música en sí misma fuera un ‘actor’ más interpretando la intensidad y la emoción de la historia, forjándola, como un elemento propio del conjunto de la trama, y, lo que es más significativo, introduciéndola discretamente en beneficio del conjunto, de la película. Normalmente, los temas principales de una banda sonora son memorables, pero las piezas internas que rigen la historia y el flujo de entrada y salida en toda la película rara vez lo son. Lo que hace que un ‘maestro’ sea grande es su capacidad para crear una partitura que tiene vida propia y que puede estar directamente relacionada con escenas específicas, emociones y personajes. Hans nos muestra lo bien que entiende este concepto, componiendo movimientos magistrales que pueden tanto capturar escenas completas como resaltar determinadas emociones presentes en ellas. A veces, la diseminación de la composición es su punto más fuerte. Esto es especialmente notable en la breve introducción de la banda sonora de “01. Half ed Dream” , que se construye a partir de atmosféricos y ritmos suaves en un crescendo lleno de cuernos y timbales -sonidos que me recuerdan al balanceo del péndulo de un carillón monstruoso, en un 'tiempo irreal' de un lugar intangible- para, a continuación, volver a fluir en una cadena decreciente antes de construir otra, fuerte y corta. En estas cualidades el compositor Hans Zimmer destaca por encima de cualquier otro. Mantiene las cosas simples en lugar de caer en excesos y en la complejidad innecesaria. La música fluye con las imágenes, sin imponerse a ellas. Los temas se desarrollan de forma sencilla por una razón: son eficaces y fáciles de recordar. Me resulta asombroso que pueda utilizar 2, 3 o 4 tonos y pueda crear de la nada un fantástico y emocionante tema musical que, literalmente, nos pone los pelos de punta. Recordemos, por ejemplo, algunos de sus últimos trabajos: El Caballero Oscuro, El Código Da Vinci o, incluso, su partitura más experimental, Sherlock Holmes. Y, ahora, la música de Inception (Origen), que me recuerda a algunos de sus mejores trabajos hasta la fecha. Otra de las influencias musicales que se aprecian en la BSO de Inception es lo mucho que nos recuerda, en algunos temas, a la legendaria Blade Runner, de Ridley Scott (realizador) -Vangelis (compositor). Lo cual no tiene nada de extraño si tenemos en cuenta que Nolan se ha declarado, en más de una ocasión, un reconocido irador de Blade Runner, o que Zimmer ha alabado, a su vez, el trabajo musical que Vangelis realizó para este filme, en entrevistas recientes. La pista “05. Old Souls” , de Zimmer, es un ejemplo muy ilustrativo que justifica, en esta ocasión, mencionar este toque erótico y atormentado a lo ‘Blade Runner’, ya entrevisto antes en “02. We Built Our Own World” . De hecho, La BSO de Inception bien podría ser el Blade Runner de hoy. Aunque todo hay que decirlo, la suave vibración electrónica que subraya el tema también nos puede resultar familiar (algunos opinarán que demasiado familiar), y referirnos, así, al aire musical bondiano, ya mencionado, que respira el “Night at the opera” de David Arnold, compuesta para Quantum of Solace. Pero Zimmer no sería Zimmer, ni el Origen de Nolan tendría sentido, sin una buena dosis de adrenalina. Hans Zimmer nos trae un poco de acción de alto octanaje en la pista “07. Mombasa” . Sorprende quizá, este tema, que en apariencia utiliza muy poco la percusión –que llegamos a oir, por lo menos- y, en cambio, se basa en ella en un 80% de la misma. La música, intensa desde un principio, trepidante en su desarrollo y electrizante en la recta final, está elaborada de manera que nos suscita, implícitamente, un torbellino de emociones, identificándose una épica y sólida sensación de pura ciencia-ficción, que arraiga y se mezcla con lo que sucede en la pantalla. El espectador está servido. Este era, seguramente, el objetivo de Nolan, tenerlo todo fundido –imagen y música-, como un gran espectáculo audiovisual. Volviendo a “Mombasa”, empieza de una forma relativamente suave, pero muy pronto estalla en una señal de acción fantástica que me lleva a señalar las mismas intenciones del tema “Crimson Tide” en la BSO, también de Zimmer, de la película La Roca. Rompe un poco con el conjunto de la Banda sonora, sí, pero se ajusta como un guante al parque temático, que es lo que realmente importa. El Principio del Fin En resumen, esta banda sonora es a la vez épica y new age, y tal vez ahora nos enteramos del fruto de los recientes experimentos de Zimmer con Sherlock Holmes y también el sonido que creó para Batman Begins / The Dark Knight. A Zimmer le gusta experimentar y diseccionar los sonidos para crear otros de nuevos y es un ingeniero de sonido de primera clase, rasgos que demuestra una vez más en sus composiciones. Juega con la mente y las emociones, todo al mismo tiempo, con pequeñas sutilezas que sugiere y sabe transmitir con su música, tremendamente imbricada con las imágenes y el argumento del que es parte. A priori tiene todo lo que un verdadero fan de Hans Zimmer requiere: temas maravillosos, sonidos electrónicos perfectamente alineados, y un paisaje sonoro que sopla y pinta en nuestra mente, como un lienzo, mientras lo escuchamos y, para colmo, incluso nos provoca con sus clásicas acumulaciones emocionales musicales que tan enorme éxito tuvieron en El Caballero Oscuro. Sugerente y dramática, uno de esos raros ejemplos de la cinematografía en los que música de cine e imágenes no sólo conviven felizmente sino que se funden en una única e indisoluble creación en la que por separado no tendrían ni el mismo efecto ni, por supuesto, la misma repercusión. Estoy seguro que será otro clásico Zimmer y una de las mejores bandas sonoras del 2010. Mientras tanto, felicitémonos, si acaso, acariciando la idea del nacimiento de un genial matrimonio profesional que puede darnos las mejores alegrías del futuro cinematográfico en ciernes. Christopher Nolan & Hans Zimmer, forever. 1. Half ed Dream 1:12 2. We Built Our Own World 1:55 3. Dream Is Collapsing 2:23 4. Radical Notion 3:43 5. Old Souls 7:44 6. 528491 2:23 7. Mombasa 4:54 8. One Simple Idea 2:28 9. Dream Within A Dream 5:04 10.Waiting For A Train 9:30 11.Paradox 3:25 12.Time 4:35

“Esencia de mujer” (1992), es un remake del filme italiano de 1974 titulado “Profumo di donna”, del director milanés Dino Risi. Esta nueva versión de los noventa, dirigida por Martin Brest, trata de un chico, Charlie Simms (Chris O’Donnell) que estudia en una escuela privada de Nueva York y que, gracias a una beca, trabaja los fines de semana para conseguir algún dinero. Uno de esos fines de semana, el de Acción de Gracias, tendrá que hacer de lazarillo de un Teniente Coronel retirado, ciego, amargado y dispuesto a quitarse la vida, llamado Frank Slade (Pacino). La relación se convertirá en amistad y cambiará la vida de ambos. En la cinta podemos ver a un Al Pacino colosal, cuya interpretación fue galardonada con un Globo de Oro y un Oscar en 1993 al mejor actor principal. El filme también consiguió en esa misma edición de los Oscar, como destacables, la nominación a la mejor película y al mejor director. En cuanto al resto del reparto, le acompañaba un jovencísimo Chris O’Donnell (ya prometía), que obtuvo un Globo de Oro en ese mismo año 1993 como mejor actor de reparto, y una adolescente y juvenil Gabrielle Anwar. El autor de esta banda sonora es Thomas Newman, Thomas Newman nació en Los Ángeles, California el 20 de octubre de 1955. Es miembro de una de las familias de compositores de cine más conocidas en Hollywood. Hijo del compositor Alfred Newman (1901-1970) (quien compuso la música en películas como "The Battle of Midway", "My Friend Flicka", "La canción de Bernadette", "La barrera invisible", "Eva al desnudo" o "La túnica sagrada") y de su mujer Martha Louise, realizó sus estudios en la Universidad de Yale. Su tío Lionel Newman compuso "Hello, Dolly!", su hermano David Newman ha realizado la música de películas como "Papá canguro", "Smoochy" o "Ice Age" y su primo Randy Newman es un conocido compositor. Una de las características musicales de Thomas Newman es su continuo cambio de estilos, pasando de la aclamada "American Beauty", en la que hacía uso de diversos instrumentos en un estilo rítmico con unas piezas minimalistas, a otras bandas sonoras en las que hace uso de la orquesta. Ha sido nominado nueve veces al Oscar en la categoría de Mejor banda sonora y 1 vez en la categoría de Mejor canción original, aunque hasta la fecha no ha ganado. 1. Scent of a Woman (Main Title) 2. A Tour of Pleasures 3. Tract House Ginch 4. 45 in 25 5. Balloons 6. Cigars Part Two 7. Por una Cabeza [The Tango Project] 8. Long Gray Line 9. The Oakroom 10. Park Avenue 11. Witnesses 12. Beyond Danger 13. La Violetera [The Tango Project] 14. Other Plans 15. Assembly 16. Fleurs de Rocaille 17. End Title

Esta es la banda sonora original de la película El Resplandor (The Shining) de 1980, dirigida por Stanley Kubrick, la cual está basada en la novela del mismo nombre escrita por Stephen King en 1977. Supuestamente el nombre proviene de el tema “Instant Karma!” de John Lennon, donde dice “well we all shine on…” (y existe el rumor de que King lo mató!...). Además se dice que S. King tomó como inspiración para esta novela los cuentos “La máscara de la muerte roja” y “La caída de la casa Usher” entre otros de Edgar Allan Poe. Kubrick siempre elegía buena música para sus películas. Al encontrarse el sonido y la imagen, el sonido busca su sitio en la imagen, intentando concretizarse en una idea visible, a la vez que otorga un complemento abstracto que es determinante en cuanto a la complejidad de las sensaciones que produce la totalidad audiovisual. Al escuchar la banda sonora sin ver las imágenes, se logra desprender a la música de lo concreto, permitiendo una completa libertad en su percepción e interpretación. Aunque de todas formas, si es que ya hemos visto la película, persiste el recuerdo de algunas imágenes en ciertos fragmentos significativos, como una ilusión retrospectiva, dando cuenta de lo fuerte que puede ser la unión de lo auditivo y lo visual. Este disco es en sí denso y oscuro, además de concentrar la esencia terrorífica de la película, existiendo varios fragmentos que hacen recordar escenas de ella, acompañando y complementando de gran forma el horror de las imágenes. Incluye música de Wendy Carlos (antes conocida como Walter Carlos), quien también formó parte de otra banda sonora de Kubrick: “La Naranja Mecánica”. Ligeti, cuya música se usó en “2001: Odisea del espacio” y “Ojos bien cerrados”. Además Béla Bartók, Krzysztof Penderecki y finalmente una banda de los años 30 que tocaba en un lujoso hotel de Escocia: Henry Hall and the Gleneagles Hotel Band. Lista de temas: 01. The Shining (Main Title) - Wendy Carlos & Rachel Elkind 02. Rocky Mountains - Wendy Carlos & Rachel Elkind 03. Lontano - Gyorgi Ligeti 04. Music for Strings, Percussion and Celesta III - Bela Bartok 05. De Natura Sonoris No. 2 - Kryzysztof Penderecki 06. The Awakening of Jacob - Kryzysztof Penderecki 07. Masquerade - Jack Hylton & His Orchestra 08. Midnight, the Stars and You - Ray Noble & His Orchestra 09. It's All Forgotten Now - Ray Noble & His Orchestra 10. Home - Henry Hall & The Gleneagles Hotel Band 11. Polymorphia - Kryzysztof Penderecki 12. Utrenja (Kanon Paschy) - Kryzysztof Penderecki 13. De Natura Sonoris No. 1 - Kryzysztof Penderecki 14. Utrenja (Ewangelia) - Kryzysztof Penderecki

Titanic: Music from the Motion Picture es la banda sonora de la película de 1997 Titanic.Fue compuesta por James Horner y lanzada el 18 de noviembre de 1997 por Sony Music.Tal como la película, el álbum tuvo un rotundo éxito, con más de 30 millones de copias vendidas, siendo uno de los álbumes más vendidos de toda la historia. La banda sonora obtuvo numerosos premios, entre los que se destaca el premio Óscar en 1998 en la categoría de «mejor banda sonora - drama».Además, la canción «My Heart Will Go On», cuya melodía fue compuesta por James Horner, escrita por Will Jennings e interpretada por Céline Dion,2 obtuvo el Óscar a la mejor canción original. Debido al éxito que tuvo la banda sonora de Titanic, Horner compuso un segundo álbum, llamado Back to Titanic. El nuevo álbum, lanzado en agosto de 1998, es una mezcla de material del disco anterior con material nuevo. Entre el material que aparece en este disco pero no en el anterior, se encuentra la interpretación de Moya Brennan de «Come Josephine, in my Flying Machine», una canción que en la película Jack le canta a Rose, y luego ella canta cuando aguarda a ser rescatada de las aguas congeladas del océano Atlántico.20 También hay una nueva versión de My Heart Will Go On. El álbum fue un éxito también, aunque no tanto como su predecesor.El 2 de octubre de 1998 fue certificado «Platinum» por la Recording Industry Association of America (RIAA) por los envíos de un millón de copias en los Estados Unidos.Para diciembre de 2008 ya había vendido 1,2 millones de copias en ese país, de acuerdo con Nielsen SoundScan. La intención original del director de la película, James Cameron, era que Enya compusiera la música, y de hecho usó su música como una banda sonora temporaria durante la edición de la película. Cuando Enya se negó, Cameron le ofreció el trabajo a James Horner, con quien tenía una fría relación después de su primer trabajo juntos, Aliens, pero reconsideró las cosas cuando escuchó la banda sonora de Braveheart.Horner compuso la banda sonora teniendo en cuenta el estilo de Enya;la cantante noruega Sissel Kyrkjebø prestó su voz para la parte vocal de la banda sonora. Su voz apareció en siete pistas y fue, según Horner y muchos más, «la voz inolvidable de Titanic». Cameron le dijo a Horner que «Se metiera adentro de la historia. Que escribiera a Jack, a Rose, a Titanic.» Tres semanas después, Horner le mostró un demo a Cameron y, cuando terminó, Cameron tenía los ojos llorosos. Horner luego le mostró dos melodías más, que estaban conectadas a momentos tristes de la película, como la muerte de Jack. Las melodías dejaron a Cameron llorando. La música que había compuesto Horner era justo lo que él quería. Horner quería una canción que apareciese en los créditos y cerrase con broche de oro la película. Por lo tanto, desobedeciendo a Cameron, quien no quería una canción con letra, llamó a su amigo Will Jennings para que la escribiese. Cuando habían terminado, Horner se reunió en Las Vegas con Céline Dion, quien ya había participado en varias películas, y su esposo, el mánager de Dion, y se las mostró, con la intención de que la interpretase la cantante. A Dion le gustó mucho, así que aceptó y cantó la pieza más distintiva de la película, «My Heart Will Go On». Ahora quedaba mostrarle a Cameron la canción. Horner buscó el mejor momento para hacerlo; cuando el director estaba entusiasmado por unos efectos que habían logrado, Horner se la enseñó. A Cameron le encantó y acepto ponerla en Titanic.«My Heart Will Go On» tuvo un rotundo éxito mundial, y llegó a los primeros lugares en la lista de canciones más populares de varios países.En 1997, ganó un Óscar a la «Mejor canción original» y posteriormente un Globo de Oro en la misma categoría en 1998. Para el fondo coral, Horner utilizó un coro de voces sintetizadas, en vez de uno de voces humanas.Esto se debió a que Horner quería evitar un sonido que diese la sensación de un coro de iglesia. James Horner es un compositor y director de orquesta, nacido el 14 de agosto de 1953 en Los Ángeles, California.Estudió en el Royal College of Music y entró en el mundo de la composición de música para películas con bandas sonoras menores, pero poco a poco comenzó a obtener trabajos en películas más importantes. Horner compuso más de cien bandas sonoras, entre las que se encuentran la segunda y la tercera de la saga de ciencia ficción Star Trek (1982 y 1984), la de Aliens, el regreso (1986), Apolo 13, Casper y Braveheart (1995), El hombre bicentenario (1998), El Grinch (2000), Troya (2004), Las crónicas de Spiderwick (2007), El niño con el pijama de rayas (2008), Avatar (2010) y The Karate Kid (2011). Además de las dos nominaciones ganadoras de Titanic, Horner también ha sido nominado por: Fievel y el Nuevo Mundo, Aliens, el regreso, Campo de sueños, Braveheart, Apolo 13, Una mente maravillosa, Casa de arena y niebla y Avatar. 1997 Titanic: 1.Never An Absolution (3:03) 2.Distant Memories (2:24) 3.Southampton (4:01) 4.Rose (2:52) 5.Leaving Port (3:26) 6."Take Her To Sea, Mr. Murdoch" (4:31) 7."Hard To Starboard" (6:52) 8.Unable To Stay, Unwilling To Leave (3:56) 9.The Sinking (5:05) 10.Death Of Titanic (8:26) 11.A Promise Kept (6:02) 12.A Life So Changed (2:13) 13.An Ocean Of Memories (7:58) 14.My Heart Will Go On (Love Theme From 'Titanic') - Celine Dion (5:10) 15.Hymn To The Sea (6:25) 1998 Back To Titanic: 1.Titanic Suite - The London Symphony Orchestra And The Choristers Of King's College, Cambridge (19:05) 2.An Irish Party In Third Class (Includes John Ryan's Polka And Blarney Pilgrim) - Gaelic Storm (3:49) 3.Alexander's Ragtime Band - I Salonisti (2:30) 4.The Portrait - Piano Solo Performed By James Horner (4:43) 5.Jack Dawson's Luck (Includes Humours Of Caledon, The Red-Haired Lass, The Boys On The Hilltop And The Bucks Of Oranmore) (Traditional) (5:38) 6.A Building Panic (8:09) 7.Nearer My God To Thee - I Salonisti (2:49) 8.Come Josephine, In My Flying Machine - Màire Brennan (3:32) 9.Lament (Includes A Spalipìn A Rùn) (Traditional) (4:36) 10.A Shore Never Reached - The Choristers Of King's College, Cambridge (4:27) 11.My Heart Will Go On (With Dialogue) - Celine Dion (4:43) 12.Nearer My God To Thee - Eileen Ivers (2:22) 13.Epilogue / The Deep And Timeless Sea - The London Symphony Orchestra And The Choristers Of King's College, Cambridge (12:37)

Wendy Carlos es uno de los primeros compositores con medios electronicos, alla por casi fines de los 60s donde aparecen los primeros sintetizadores analogos, fabricados por Moog y por Buchla. En muchas de sus piezas compuestas, ella reinterpreta pasajes de la musica clasica, pero con sonidos electronicos. Wendy Carlos,nacida como Walter Carlos,el 14 de noviembre de 1939 en Pawtucket (Rhode Island, EE. UU.) es una compositora transexual de música electrónica estadounidense. Carlos fue una de las primeras intérpretes famosas de música electrónica que usaron sintetizadores. En 1972 la banda sonora de la película A Clockwork Orange (La naranja mecánica) incluía música de Wendy Carlos,posteriormente (1973) se editó una versión de A clockwork orange que incluiría solamente los temas realizados por Carlos, incluyendo obras propias y arreglos de música instrumental de Beethoven, Rossini y Purcell. En esta grabación resulta crucial el empleo de un Vocoder (codificador vocal o también llamado seguidor de espectro) para la obtención de sonidos electrónicos con cualidad vocal: esto es bien apreciable en sus composiciones Timesteps (Los pasos del tiempo), Country Lane y su versión del cuarto movimiento de la Novena sinfonía de Beethoven. tracklist: 1. Timesteps 2. March from A Clockwork Orange 3. Title Music from A Clockwork Orange 4. La Gazza Ladra 5. Theme from a Clockwork Orange (Beethoviana) 6. Ninth Symphony: Second Movement 7. William Tell Overture (Abridged) 8. Orange Minuet 9. Biblical Daydreams 10. Country Lane

La Naranja Mecánica (Clockwork Orange por su título original) es una película británica de ciencia ficción satírica, producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick en el año 1971. En una adaptación fílmica de la novela homónima escrita por Anthony Burgess en el año de 1962. La película, que fue filmada en Inglaterra, se caracteriza por contenidos violentos que facilitan una crítica social en psiquiatría, el pandillerismo juvenil, las teorías conductistas en psicología y otros tópicos ubicados en una sociedad futurista distópica. Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial. Curiosidades La película fue autocensurada por el propio Kubrick al poco de estrenarse, ya que se rumoreó que una pandilla de gamberros había asesinado a una vagabundo mientras cantaban el "Sing under the rain" , imitando la película que habían visto. Solo hasta la muerte del director, los ingleses no han podido disfrutar de este film en sus cines. Durante la secuencia en que Alex golpea a Mr. Alexander (Patrick Magee) Kubrick le dijo a McDowell: "Mientras le golpeas canta algo, lo que más te guste, lo que sea". Entonces McDowell empezó a cantar el celebérrimo Singin 'In The Rain (Cantando bajo la lluvia) ya que era la única canción de la que sabía la letra. Inmediatamente, Kubrick se puso en o con los propietarios de los derechos de dicha canción para evitar problemas legales. Cuando Alex se dirige a la tienda de discos, podemos ver en la entrada a un hombre leyendo la prensa, este sujeto es el mismo Kubrick, realizando un cameo. El libro que está escribiendo Frank Alexander cuando Alex y sus "drugos" irrumpen en su casa, se titula "La naranja mecánica (A clockwork Orange)" La serpiente llamada Basil fue introducida furtivamente por Kubrick en una secuencia cuando se enteró de que Malcolm McDowell tenía fobia a los reptiles. La portada de la banda sonora de "2001: Una odisea del espacio" (1968) puede verse nítidamente en la secuencia de la tienda de discos. Al principio de la película pueden darse cuenta de que es la misma canción con la que comienza "El resplandor" pero con ciertos arreglos. Despues de la filmación de la película, Malcolm McDowell no pudo usar nunca más gotas para los ojos. Cuando Alex y sus "Drugos" entran en el Korova Milkbar se ve claramente un lienzo en la pared de una mujer desnuda. La misma pintura aparece en una secuencia de "El resplandor" (1980) El director Stanley Kubrick solicitó a la agrupación inglesa: Pink Floyd, utilizar la música de su disco "Atom Heart Mother" para la película, pero la banda lo rechazó El título original de la película es "The Clockwork Orange". "orange", en inglés significa "naranja", pero en verdad proviene de otra palabra: "ourang", una palabra de Malasia donde el autor del libro, Anthony Burgess, vivió durante varios años. Esta palabra tiene otro significado y es el de "persona". De esta manera, el escritor hizo un juego de palabras, y realmente, lo que el título significa es "El hombre mecánico". Es decir, Álex después de aplicarle el tratamiento Ludovico Hacia 1968, Mick Jagger, líder de los legendarios "The Rolling Stones", se interesó por llevar al cine "La naranja mecánica". El interpretaría a Alex, mientras que el resto de los "Stones" -Bill Wyman, Charlie Watts, Keith Richards y Brian Jones- serían los "drugos". Por supuesto, Anthony Burgess se negó en redondo. Cuando Dim y Pete, convertidos en policías, detienen a Alex, lucen en sus placas los números 665 y 667. Por consiguiente, al hallarse entre ellos, a Alex le correspondería el número del Diablo: el 666. Música La música de La naranja mecánica es en su mayoría música clásica, correspondiendo a los gustos de Alex, aunque hay una variación importante con la novela, puesto que todas las obras que se mencionan allí (de autores reales o imaginarios) se han condensado, por razones de "economía dramática" en solamente la Novena de Beethoven: todo un guiño irónico a la idea de que "escuchar música le hace a uno mejor persona", y especialmente con un canto a la fraternidad humana como es la Novena Sinfonía. En la novela, lo que canta la mujer en el Korova es "un fragmento de la ópera Das Bettzeug de Friedrich Gitterfenster" (?); lo que elige Alex para escuchar por placer tras el asalto a la casa del escritor son tres obras, "el nuevo Concierto para violín del norteamericano Geoffrey Plautus" (?), la Sinfonía Júpiter de Mozart y un Concierto de Brandenburgo de Bach; lo que suena como fondo en las películas nazis que le hacen ver con motivo de su "tratamiento" es el final de la Quinta Sinfonía de Beethoven; lo que el escritor y sus "camaradas" utilizan para empujarle al suicidio es "la Tercera Sinfonía del danés Otto Skadeling" (?)... Todas estas músicas son sustituidas por la Novena, en la que novela y película sólo coinciden en la escena final, cuando el Ministro le regala el "estéreo". También en la novela el condicionamiento de Alex es contra toda la música que le gusta, no sólo contra la Novena. 1. Title Music From A Clockwork Orange 2. Thieving Magpie, The - (abridged) 3. Beethoviana - ("A Clockwork Orange" theme) 4. Ninth Symphony, Fourth Movement - (abridged) 5. March From A Clockwork Orange (Ninth Symphony, Fourth Movement, abridged) 6. William Tell Overture - (abridged) 7. Pomp And Circumstance March No. 1 8. Pomp And Circumstance March No. IV - (abridged) 9. Timesteps - (excerpt) 10. Overture To The Sun 11. I Want To Marry A Lighthouse Keeper 12. William Tell Overture - (abridged) 13. Suicide Scherzo (Ninth Symphony, Second Movement, abridged) 14. Ninth Symphony, Second Movement - (abridged) 15. Singin' In The Rain - Gene Kelly

Todos los temas incluidos en este audio han sido realizados por fans de la serie,con los mas variados instrumentos como guitarra,piano,violin,arpa,gaita,flauta,harmonica,coros voces e incluye un par de temas metaleros,esta serie es buenisima y despierta pasiones en todo el mundo. Game of Thrones (titulada Juego de tronos en España) es una serie de televisión estadounidense de fantasía medieval creada por David Benioff y D. B. Weiss para la cadena HBO. Está basada en la serie de novelas Canción de hielo y fuego, del escritor George R. R. Martin y su trama se centra en las violentas luchas dinásticas entre varias familias nobles por el control del Trono de Hierro del continente de Poniente. La serie fue estrenada el 17 de abril de 2011 en Estados Unidos, el 8 de mayo en Hispanoamérica y un día después en España a través de Canal+. La segunda temporada se estrenó el 1 de abril de 2012 en Estados Unidos en simultáneo con el resto del mundo. La serie ha logrado, a lo largo de sus dos temporadas, buenas críticas y altos niveles de audiencia, además de multitud de nominaciones y premios. En concreto, Peter Dinklage recibió el premio Emmy al mejor actor de reparto en una serie dramática por su interpretación de Tyrion en la primera temporada.

Avatar cuenta la historia de un lisiado y veterano marine norteamericano quien se involucra en un esfuerzo colectivo que lo llevará a habitar y explotar un planeta rico en biodiversidad, en el que decidirá unirse a una raza extraterrestre nativa para pelear a su lado, en una lucha por la supervivencia. Compositor: James Horner. 1."You Don't Dream In Cryo..." (6:09) 2.Jake Enters His Avatar World (5:24) 3.Pure Spirits Of The Forest (8:49) 4.The Bioluminescence Of The Night (3:37) 5.Becoming One Of "The People", Becoming One With Neytiri (7:43) 6.Climbing Up "Iknimaya - The Path To Heaven" (3:18) 7.Jake's First Flight (4:49) 8.Scorched Earth (3:32) 9.Quaritch (5:01) 10.The Destruction Of "Hometree" (6:47) 11.Shutting Down Grace's Lab (2:47) 12.Gathering All The Na'vi Clans For Battle (5:14) 13.War (11:21) 14.I See You (Theme From Avatar) - Leona Lewis (4:20)

Compositor: Luis Bacalov Conviene ponerse a echar cuentas con esta banda sonora. En un arranque de 'genialidad', Hollywood Records reeditó esta banda sonora incluyendo a famosas personalidades (Sting, Julia Roberts y Madonna, entre otros) recitando poemas de Neruda con la música de Bacalov de fondo. Si eliminamos todas estas pistas, nos quedan unos 40 minutos de música. También debemos descartar las canciones incluidas, que en el filme tienen una función diegética: se trata de 'Madreselva', interpretada por Carlos Gardel, y una versión instrumental de la misma. La partitura se apoya en un encantador e inocente tema central, dedicado al ingenuo cartero, con gran participación del reconocible bandoneón. Como cortes adicionales tenemos tres versiones de este tema a cargo de diferentes instrumentos. Si las quitamos, lo restante dura unos 27 minutos. Lo que es la obra en sí se basa en sucesivas repeticiones del motivo principal y la inclusión de un tema secundario, también fantástico (desarrollado en el corte 'Beatrice'). La suma total de música original nos da unos 12 minutos. En definitiva, una obra bonita, que en la película transmite una falsa impresión de 'gran banda sonora' debido a su agotadora repetición hasta que al espectador se le graba en la memoria la melodía (caso similar al de Carros de fuego o La vida es bella), y que contiene muy poca música "real" como para considerarla grande. Ni para llevarse el Oscar. Disfrutad del refrescante 'In bicicletta'. Temas: 1. Theme From Il Postino 2. Morning - Pablo Neruda / Sting 3. Poetry - Pablo Neruda / Miranda Richardson 4. Leaning Into Afternoons - Pablo Neruda / Wesley Snipes 5. Poor Fellows - Pablo Nevuda / Julia Roberts 6. Ode To The Sea - Pablo Neruda / Ralph Fiennes 7. Fable Of The Mermaid & The Drunks - Pablo Neruda / Ethan Hawke 8. Ode To The Beautiful Nude - Pablo Neruda / Rufus Sewell 9. I Like You To Be Still - Pablo Neruda / / Glenn Close 10. Walking Around - Pablo Neruda / Samuel L. Jackson 11. Tonight I Can Write - Pablo Neruda / Andy Garcia 12. Adonic Angela - Pablo Neruda / William Dafoe 13. If You Forget Me - Pablo Neruda / Madonna 14. Integrations - Pablo Neruda / Vincent Perez 15. And Now You're Mine - Pablo Neruda / Julia Roberts & Andy Garcia 16. The Postman 17. Bicycle 18. Madreselva - Carlos Gardel 19. The Postman Lullaby 20. Beatrice 21. Metaphors 22. Loved By Women 23. The Postman 24. Sounds Of The Islands 25. The Postmans Dreams 26. Pablito 27. Milonga Del Poeta 28. Madreselva (instrumental 29. The Postman Poet 30. The Postman (Harpsicord And String Version) 31. The Postman ( Guitar And Bandoneou Version)

Chicago años 30. Época de la Ley Seca. El idealista agente federal Eliot Ness persigue implacablemente al gángster Al Capone. La falta de pruebas le impide acusarlo de asesinato, extorsión y comercio ilegal de alcohol, pero encontrará un medio para inculparlo por otra clase de delitos. Ennio Morricone. 1.The Untouchables (End Title) (3:13) 2.Al Capone (2:57) 3.Waiting At The Border (3:46) 4.Death Time (2:43) 5.On The Rooftops (2:36) 6.Victorious (2:10) 7.The Man With The Matches (2:47) 8.The Strength Of The Righteous (Main Title) (2:27) 9.Ness And His Family (2:46) 10.False Alarm (1:12) 11.The Untouchables (3:05) 12.Four Friends (2:52) 13.Machine Gun Lullaby (7:02)