Versiones Encontradas 3u6a6g

Ayer martes, en el Teatro Bretón de Los Herreros de Logroño, tras la última función de la obra "La Habitación de María", Concha Velasco se despidió de los escenarios. Acompañada por su hijo Manuel, autor de la obra, recibió el último aplauso de su público en un teatro. Aunque la actriz no cierra su carrera profesional, porque no descarta seguir participando en películas o proyectos de televisión. Concha Velasco, bailarina, presentadora de televisión, pero sobre todo actriz entrañable que cuenta en su filmografía con títulos que son parte de la historia de un país y también con gran recorrido en el teatro, en el que la hemos estado disfrutando mucho todos estos años. Conchita Velasco nació en Valladolid, pero comenzó con Estudios de Danza Clásica y Española en Madrid, en el Conservatorio Nacional a los 10 años y a los 15 Inició su carrera en el cine. Han sido muchas películas, obras de teatro, series de televisión, etc. que le han valido el reconocimiento de la profesión en repetidas ocasiones. Por destacar una, podemos recordar que en 2012 recibió el premio Goya de Honor, a toda su trayectoria cinematográfica, otorgado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España La querida actriz anunciaba hace unos días su despedida en los teatros, tras más de 60 años de una profesión que es su pasión, con una carrera llena de éxitos. Deja los escenarios porque a sus casi 82 años y aunque muy activa y capaz, sus hijos no desean que viaje tanto ya que últimamente actuaba un día en cada ciudad y sin descanso. Pero ella ha prometido que seguiremos viéndola, porque no piensa desaparecer de la vida pública, algo que agradecemos porque es una mujer a la que se le tiene mucho cariño. CHICA YE-YE Como humilde homenaje, repasamos hoy en "Versiones Encontradas", el tema "Chica Ye Ye", que tan unido está a la actriz. La canción fue compuesta por Augusto Algueró Y Antonio Guijarro para Luis Aguilé. Pero en un descanso del rodaje de HISTORIAS DE LA TELEVISIÓN (1965), dirigida por José Luis Sáenz de Heredia, Concha Velasco, interpretó esta canción fuera de cámaras junto a Los Botines (banda a la que por cierto después se incorporó Camilo Sesto, entonces conocido aún como Camilo Blanes). El resultado gustó tanto, que el director de la película decidió incluirla en la banda sonora. En esa película el reparto se completa con nombres como Alfredo Landa, Jose Luis López Vázquez, Gracita Morales, Antonio Ozores, Rafaela Aparicio, José Alfayete... Lo más destacado de la época y también, junto a Concha Velasco, Tony Leblanc, que acompaño a la actriz interpretando una versión de "Chica Ye Ye".

Alizée tenía apenas 16 años cuando su primera canción “Moi... Lolita” se dio a conocer en el año 2000. El encuentro de la joven de Córcega y el dúo Mylène Farmer - Laurent Boutonnat iba a cambiar su vida radicalmente. El fruto de este encuentro es“Gourmandises”, su primer álbum. 2 años más tarde se vende más de 4 millones de discos en todo el mundo. Sus canciones subieron rápidamente a los primeros puestos de las listas de éxitos italianas, españolas, alemanas, inglesas, polacas, holandesas, rusas ... y ocuparon con frecuencia el puesto número 1 en las listas de ventas durante muchas semanas. Su segundo álbum, “Mes Courants Electriques...” ("Mis corrientes eléctricas ..."), cuyo primer single es “J’en ai marre” / “I’m fed up” ("Estoy harta") también ha sido producido y escrito por Mylène Farmer y Laurent Boutonnat.

El viaje de Versiones Encontradas acaba de empezar. Un trayecto sin destino en el que puede pasar de todo. Con la música de Fools Garden y su éxito "Lemon Tree" de fondo, el equipo de Versiones Encontradas se adentra en la última aventura de la temporada. "Lemon Tree" es una canción incluida en el álbum "Dish of the Day" que se convirtió en éxito internacional en 1995 de la mano de los alemanes Fools Garden.

En 1991 nace Blas Cantó y ese mismo año Sergio Dalma actúa en Eurovisión. En esta edición le toca a Blas Cantó con "Voy a Quedarme" y hace justo 30 años, en 1991 el peso estaba sobre Sergio Dalma. Se cumplen tres décadas ya desde que Sergio Dalma representara a España en la XXXVI edición del Festival de la Canción de Eurovisión con "Bailar Pegados". Aquel fue un certamen emocionante para el público español. Aunque durante la primera mitad del tiempo de recuento de votos, Sergio Dalma aparecía como ganador, finalmente hubo que conformarse con el 4º puesto, sumando 119 puntos. Un resultado realmente envidiable, visto desde el presente, a la espera de lo que suceda en Roterdam este sábado. Fue el sábado 4 de mayo de 1991. En los estudios Cinecitta de Roma, en una edición presentada por Gigliola Cinquetti y Toto Cotugno. Él era el ganador italiano de la edición anterior con el tema "Insieme:1992" y ella lo hizo en 1974 con "No tengo edad". En aquella edición hubo empate entre Suecia y Francia, pero según el reglamento del festival, se desempata con el que más puntuaciones de 12 puntos acumule. De este modo, Suecia se llevó el premio con el tema «Fångad av en stormvind» de Carola Häggkvist. A pesar de todo, Sergio Dalma consiguió un gran espaldarazo a su carrera gracias a aquel "Bailar Pegados". De hecho, el álbum en el que se incluía originalmente, "Sintiéndonos la piel", vendió más de 700.000 copias. Y el propio Sergio Dalma se ha encargado de actualizarlo a lo largo de estos años con distintas versiones. En el programa de hoy repasaremos algunas de sus versiones y, además conoceremos algunos detalles sobre la edición actual del Festival de Eurovisión. Javier Escartín del programa "Pasaporte a Eurovisión", nos cuenta desde Roterdam, el ambiente entorno al representante español y otras curiosidades del festival que celebra su final de este año el sábado 22 de mayo.

Ni triste, ni solitario. Un genio especial. Antonio Vega es una de las firmas imprescindibles en el repaso a la música de los 80 y 90 en España. Primero con su formación Nacha Pop y después en solitario, este artista nos dejó canciones como "La chica de ayer", "Una décima de segundo", "vístete", "Lucha de gigantes", "Se dejaba llevar" o la que nos ocupa en el programa de hoy "El Sitio de Mi Recreo", entre otras. Antonio Vega falleció a los 51 años de edad el 12 de mayo de 2009. A pesar de la imagen que proyectaba, no era un chico triste y solitario. Él mismo desmentía que esa fuera su descripción. Aunque sí gozaba de la soledad elegida, la istrada, no era un chico solitario. Y tampoco era un chico triste, según cuentan quienes le conocieron, sino que tenía un agudo e irónico sentido del humor. Lo contaba por ejemplo Eva Amaral en el podcast "El Sitio De Mi Recreo" de Javi Nieves, donde varios artistas comparten sus experiencias personales con Antonio Vega. "El Sitio De Mi Recreo" es un tema incluido en el álbum "Océano de Sol" de 1994. En este programa repasamos algunas de las versiones encontradas que se han hecho sobre este clásico del pop español.

En 1995, a sus 53 años, el californiano John Paul Larkin, conocido como Scatman John, saltó a la fama con su álbum "SCATMAN'S WORLD". Era tartamudo, pero a la hora de cantar, esa característica desparecía y sorprendió al mundo con proezas como el "scat singing". El scat es un estilo de canto que consiste en improvisar sílabas y sonidos inconexos que sugieren un ritmo y melodía, que se dio originalmente en el jazz. En la letra de la canción, Larkin animaba a los jóvenes tartamudos a superar esa adversidad. Al agregar el canto de scat de jazz tradicional a los contagiosos ritmos de Euro-dance, Scatman John se convirtió en una de las estrellas pop de los 90. John Larkin, nacido en El Monte, California en 1942, había sufrido de tartamudez severa desde niño. Comenzó a tocar el piano a los 12 años y se interesó por el canto scat después de escuchar grabaciones de artistas de jazz clásico como Ella Fitzegerald, y especialmente Louis Armstrong, su principal influencia. Mientras luchaba con sus discapacidades del habla, se expresaba a través del piano y se convirtió en un pianista de jazz profesional durante la década de 1970. Actuó en numerosos clubes de Los Ángeles y su álbum debut, John Larkin, fue lanzado en 1986. Después de mudarse a Berlín en 1990, comenzó a cantar por primera vez, y sus interpretaciones de temas jazz comenzaron a recibir ovaciones de pie. Manfred Zähringer, propietario del sello danés Iceberg Records, lo vio en una de sus actuaciones y se le ocurrió la idea de hablar sobre dance-pop moderno. Larkin al principio dudaba, pero después de que su esposa y Zähringer lo animaran, escribió "Scatman (Ski-Ba-Bop-Ba-Dop-Bop)", una canción muy enérgica y pegadiza sobre cómo superó la tartamudez. Lanzada a finales de 1994, la canción se convirtió en un éxito mundial al año siguiente, vendiendo más de seis millones de copias. Luego vino el single "Scatman's World", tema que daba nombre a ese segundo disco, y también se convirtió en un éxito masivo. Scatman's World exploró el concepto de una sociedad utópica llamada Scatland y fue otro éxito, particularmente en Japón, donde se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos por un artista no japonés. El siguiente álbum, Everybody Jam !, fue otro pelotazo en Japón, donde disfrutó de su mayor fenómeno fan. Se produjeron muñecos de juguete Scatman John, y apareció en anuncios y en productos como latas de refresco. Larkin fue diagnosticado de cáncer de pulmón a fines de 1998 y se volvió menos activo, pero aun así grabó un álbum final, Take Your Time, que fue lanzado en junio de 1999. Se mantuvo positivo y optimista a través de su música y su vida personal, y falleció el 3 de diciembre de 1999 a la edad de 57 años. Listen to the Scatman, una colección de temas jazz, se lanzó póstumamente en 2001, y The Best of Scatman John apareció en 2002.

¿Recuerdas cómo vestía tu pareja el día que os conocisteis? Chris De Burgh es un cantante irlandés nacido en Argentina. En 1986 publicó "The Lady in Red", para su álbum "INTO THE NIGHT", convirtiéndose en un éxito internacional. Fue el álbum que lo estableció como una verdadera superestrella mundial. Vendió más de 8 millones de copias. El icónico sencillo 'The Lady In Red', alcanzó el número 1 en 47 países y aún gana regularmente premios ASCAP por ser una de las canciones más reproducidas del planeta. Aunque aquí la mayoría lo recordemos solo por esta canción, en el Reino Unido ha tenido una carrera algo más extensa, incluso en EEUU, Noruega y Brasil. "The Lady in Red" es realmente su esposa Diane, que vestía de color rojo el día que se conocieron.

La herencia musical de "La Más Grande". La última canción de Rocío Jurado, la última actuación, fue en diciembre de 2005 para el especial de televisión "Rocío Siempre". Una gala de casi tres horas en la que se vio acompañada por otros cantantes como Lolita, Mónica Naranjo, David Bisbal o Malú. Rocío estaba ya gravemente enferma y hubo que parar la grabación en varias ocasiones para que pudiera recomponerse. A pesar de eso, ofreció un gran concierto, con el que se despidió de su público. Siete meses después, en junio de 2006, falleció víctima del cáncer con el que llevaba luchando desde hacía dos años. Rocío Jurado nace en Chipiona en 1944. Desde muy joven destaca por su gran voz y se presenta a infinidad de concursos, que gana constantemente, hasta que decide dedicarse profesionalmente a cantar. En su casa aquella noticia no siente muy bien y no se lo permiten. Rocío simula ponerse en huelga de hambre antes sus padres, hasta conseguir su propósito, ir a Madrid y ser artista. Llegó a la capital y vivió modestamente en una pensión. Pastora Imperio le escucha cantar y le ofrece trabajo en su tablao "El Duende", donde con 17 años, ganará 300 pesetas al mes. Con ese dinero, trae a su familia a vivir con ella en Madrid. A partir de ahí, comienza su carrera artística. Triunfa en la copla y sobre todo en la música melódica, con canciones como "Señora", "A Que No Te Vas", "Se Nos Rompió El Amor", "Como Una Ola", "Ese Hombre" y tantas y tantas otras. Rocío Jurado sorprende también cambiando la peineta y la bata de cola en la copla, por la sensualidad. Además, tuvo tiempo de hacer cine, siendo la primera folclórica en desnudarse en una película, en la época del destape y el erotismo. Se convierte en "La Más Grande". Paralelamente a su vida sobre los escenarios, despierta interés en el público sobre su vida privada. Se casó con el campeón mundial de boxeo en peso ligero, Pedro Carrasco. Fruto de ese matrimonio, nace Rocío Carrasco. Después llegó el divorcio con el boxeador. Más tarde se casó con el torero Ortega Cano, con quien adoptó dos hijos. Además, su hija Rocío Carrasco es también portada de revistas por su boda y divorcio con Antonio David, la custodia de sus hijos y por su posterior romance y matrimonio con Fidel Albiac. Pero la noticia más grave de Rocío Jurado la ofrece ella misma, en una rueda de prensa en septiembre de 2004, cuando comunica que un cáncer se abre camino en su cuerpo. Una enfermedad contra la que luchó con todas sus fuerzas, pero que lamentablemente, pudo con ella el 1 de junio de 2006. La última canción que escuchamos cantar a Rocío Jurado en un escenario es la que cerraba la gala "Rocío Siempre". "Como Yo Te Amo" era el tema que cerraba el concierto, acompañada por un coro góspel. Al terminar, después de casi tres horas de concierto, aún permaneció casi diez minutos más. Se despidió primero de un emocionadísimo Bertín Osborne al que canto a capela el estribillo de esa misma canción y después volvió a repetir el estribillo para despedirse de su público para siempre.

El crudo relato de un niño narrando su vida en el conflictivo hogar al que pertenece. Una gran canción, con una triste historia. El día a día de un niño maltratado, criado en un hogar sin paz. Narrado en primera persona, desde la voz de un niño llamado Luka que, con estremecedora serenidad, describe su vida. Una canción compuesta e interpretada por la californiana Suzanne Vega. La elección del nombre de Luka como protagonista de este tema, es fruto del error de un cartero. En 1983 Suzanne vivía en Nueva york. Recibió en su buzón una revista por equivocación, a nombre de Luka, que era un niño que vivía en su edificio. El niño no parecía ser víctima de maltratos, pero su nombre le pareció oportuno para incluirlo como protagonista en una canción sobre la que llevaba tiempo pensando. Y así fue como todos terminamos cantando, me llamo Luka. Pero no conocimos esa canción hasta 1987. Ese año Suzanne Vega publicó el álbum «Solitude Standing», que la elevó a la categoría de estrella. Ese trabajo alcanzó el número 2 en el Reino Unido y el número 11 en Estados Unidos, siendo nominado a tres premios Grammy, incluido el de Disco del Año. También consiguió la certificación de platino, vendiendo tres millones de copias en todo el mundo. En ese trabajo estaba la canción que repasamos hoy, «Luka», seguramente la única canción de éxito escrita desde la perspectiva de un niño que ha sufrido abusos. A día de hoy, Vega sigue apoyando a grupos de derechos humanos y de niños como Amnistía Internacional, Casa Alianza y Covenant House. Vega también tiene la distinción de haber sido bautizada como «Madre del MP3» por Karlheinz Brandenburg, el creador de esa tecnología, quien usó su grabación de «Tom's Diner» para refinar su algoritmo de compresión.

Esta es historia de un hombre paseando un día gris de invierno por New york, añorando volver a California. Es el clásico "California Dreaming" de The Mamas & The Papas en los años 60. Una canción compuesta por John y Michelle Prhilips que desde su publicación, hasta nuestros días, ha sido revisada en multitud de versiones. Artistas de distintos estilos musicales han hecho suya esta canción. Lo hicieron The Beach Boys y también Wilson Philips, que curiosamente estaba formado por Carnie y Wendy hijas de Brian Wilson de The Beach Boys y Miechelle, hija de los integrantes de The Mamas & The Papas que compusieron el tema. Pero California Dreamin´ ha sido llevada a otros escenarios musicales. Por ejemplo, Eddie Hazel, virtuoso guitarrista de gran influencia en los comienzos de la música funk en Estados unidos, le aplicó su estilo particular. O Boby Womack, uno de los grandes músicos del Soul que, con su áspera voz, le imprimió su sello personal. Pero hay otros estilos musicales más accesibles y recientes. SIA la interpretó para la banda sonora de la película "San Andreas" en 2015. El Dj y productor Freischwimmer, también en 2015 hizo su cover logrando millones de reproducciones y accediendo a los primeros puestos de las listas estadounidenses. Además, José Feliciano, The Carpenters, Mocedades, REM, son otros de los muchos artistas que han hecho suya la canción protagonista en este programa de Versiones Encontradas.

La Leyenda de La Llorona tiene distintas versiones en varios países latinoamericanos. La más antigua viene de la cultura Azteca, en época precolombina. Una mujer se aparecía a los indígenas llorando desesperadamente por sus hijos, anunciando que algo malo les iba a pasar. Se interpretó que sus hijos eran precisamente los del pueblo azteca y que el anuncio, les prevenía de la invasión española que los sometió cruelmente. La leyenda fue evolucionando a lo largo de los siglos. La más popular está arraigada en México. Es versión de la leyenda, dice que existió una mujer indígena que tenía un romance con un caballero español. Fruto de esta pasión, nacieron tres niños. Cuando la joven comienza a pedir que la relación sea formalizada, el caballero la esquivaba, quizás por temor al qué dirán. Un tiempo después, el hombre dejó a la joven y se casó con una dama española de alta sociedad. Cuando la mujer se enteró, dolida, despechada y totalmente desesperada, asesinó a sus tres hijos ahogándolos en un río. Tras esto, la culpa le llevó al suicidio. Se cuenta que, desde ese día, a las once de la noche, se escucha el lamento lleno de dolor de la joven, en el río donde esto ocurrió. Y que se aparece vestida de blanco, cerca de la plaza patria en México. Con el tiempo, una canción popular tomó el personaje de La LLORONA como concepto de mujer atormentada. Y el compositor Andrés Henestrosa, hacia 1940 popularizó la canción agregando versos. Ese es el tema que repasamos hoy en una selección de sus muchas y variadas versiones. Desde Chavela Vargas hasta Rosalía, han sido muchas las voces que han dado vida a la llorona. Un tema que también tiene diferentes versiones en sus letras, pero siempre con la llorona como protagonista.

El tema "Wake Me Up Before you Go-Go" está incluido en el álbum "Make It Big" de 1984. El título de la canción nace de una nota que dejó Andrew Rigeley en la puerta de su habitación, para que su madre lo despertara, sin saber que George Michael la leería y que encontraría en ella, el camino al éxito con una gran canción. Wham! es la historia de dos chavales que se conocieron en el colegio en 1975. Tenían 12 años y se llamaban George y Andrew y estudiaban en el Bushey Meads School. Entre otras cosas, compartían gustos musicales. Seis años después, formaron WHAM!, o mejor dicho INNERVISION RECORDS, que es como firmaron la primera maqueta casera que grabaron en diez minutos. Después pasaron a llamarse Wham!, porque lo consideraron más impactante, fresco y directo. Algo que identificaba el perfil juvenil del dúo. Wham! vendió 30 millones de discos a lo largo de su corta carrera, que fue de 1981 a 1986. Cinco años en los que solo grabaron tres discos de estudio. Entre otros logros del dúo, está el de ser el primer grupo occidental en actuar en china y fue en 1985. En 1986 decidieron separarse amistosamente. Según George Michael, Wahm! reunía una serie de valores juveniles, que estaban dejando atrás al ir cumpliendo años. Según se hacían mayores, se iban alejando poco a poco del significado original del dúo y antes de desdibujarlo, prefirieron parar. De este modo, podían seguir con sus proyectos personales, de acuerdo a su momento vital. El final del grupo lo celebraron con un concierto a lo grande ante 72.000 personas en el estadio de Wembley. Un concierto que duró ocho horas.

CORONA, grupo incluido en la corriente Eurodance italiana de los 90. Con la brasileña Olga De Souza como vocalista. Triunfaron con esta canción primero en Italia en 1993 y un año después en medio mundo. Olga de Souza, conocida artísticamente como Corona, nació en Río de Janeiro en una familia de músicos, la música ha sido su pasión desde que era joven. Olga trabajó en un banco (Caixa Económica Federal) durante un par de años antes de decidirse a viajar por el mundo, desde Estados Unidos a toda Europa, llegando finalmente a Italia, donde fue descubierta. El año 1994 debutó con "The Rhythm of the night", que alcanzó el número uno en las listas italianas durante 13 semanas consecutivas y fue distribuido al mercado europeo por Warner Music y producido por DWA. En Inglaterra, en pocas semanas, "The Rhythm of the Night" encabezó las listas de éxitos y fue el álbum más vendido, con más de 1.000.000 de copias vendidas. La canción se convirtió en el eslogan de ese verano y Corona el artista más buscado. Logró 15 discos de oro y platino. Comenzó la primera gran gira mundial y 'Rythm of The night' se estrenó en Estados Unidos. De inmediato, se convirtió en un éxito dance a nivel mundial. En 1996 Corona debuta por primera vez como presentadora y cantante en un programa de televisión (festival Bar) en Italia. Un año después se traslada a Francia para presentar el programa de televisión 'Dance Machine'. En 1998 se lanzó el álbum "Walking on music". Con una gran pasión por la música y la búsqueda continua de nuevos sonidos, ritmos, estilos y nuevos géneros, el álbum AND ME U fue lanzado en el 2000. En 2004, en homenaje a su Brasil natal, Corona cantó "A cor dos teus olhos" (El color de tus ojos). Corona define la canción como una huella de su recuerdo de infancia. La canción se convirtió en un éxito inmediato. El mismo año 'Garota Brasileira', una canción con sonidos picantes de samba se convirtió en un éxito entre el público japonés. En 2005 colaboró ​​con Shake Record con la realización de otros tres temas, "Break in time", "I'll beyour lady" y "La playa del sol". En 2006 participó como estrella invitada en un proyecto llamado 'Angel live concert' dedicado a Karol Wojtyla. En 2007 regresa a Estados Unidos, donde cantó "Baby i don’t care" y continuó su gira. En 2010/2011, un sello independiente 1 ° POP lanzó un álbum dedicado a la nueva generación llamado "Y" Generation, 10 canciones nuevas que van desde Rock, Pop hasta Dance. ‘Welcome’ , ‘Angel’ , ‘I cant’t wait’, ‘Gimme love’,’Fly away’,’My song’,’Black cinderela’,’Saturday’,’Beat and shake’,’Beating’

El 14 de marzo de 2020, todo un país cenaba con la noticia de la declaración del primer estado de alarma en España. El día a día de millones de ciudadanos cambiaba a partir de ese instante y pasamos a vivir en cuarentena, para evitar la expansión del COVID-19. Desde los balcones empezamos entonces a observar, con estupor, las calles vacías y el transcurrir de los días entre noticias desalentadoras. Hospitales colapsados, miles de contagios, centenares de muertes diarias, funerales vacíos... Meses eternos que nos enseñaron que todo lo que dábamos por sentado, puede verse alterado. La realidad nos llevó a comprobar que no hay nada intocable. Nuestra libertad, salud, economía, tranquilidad, trabajo, ocio... Todo lo que dábamos por hecho, había desparecido y se cambió por el miedo. Pero poco a poco nos acostumbramos y aprendimos a convivir con un problema que vino para quedarse por mucho tiempo. En esa cuarentena, el mundo de la música hizo gala de una enorme generosidad y nos acompañó con distintas acciones especiales a través de redes sociales. Festivales online que los cantantes ofrecían desde sus casas, sin el abrigo de acompañamientos técnicos, versiones de temas como "Resistiré" que reunían a los números 1 del panorama musical para recaudar fondos a beneficio de cáritas o otras versiones que racudaron fondos en la lucha contra el COVID. En Versiones Encontradas hemos querido volver, durante unos minutos, a esos días que, en lo musical, ofrecieron mucho para ser recordado. Y en nuestra memoria siempre, el agradecimiento a los sanitarios y a todos aquellos que tuvieron que seguir trabajando para que a los demás, no nos faltara de nada. Ahora que el horizonte se dibuja esperanzador, gracias a la vacuna, es momento de hacer un último esfuerzo y seguir siendo cautos. No olvidar lo vivido y poner los medios para evitar repetirlo.

Rick Astley alcanzó el éxito en los 80 con "Never Gonna Give you up" y 20 años después, un fenómeno viral llamado Ricrolling, lo trajo a la actualidad en Estados Unidos. En 1987 el mundo conocía a un joven cantante británico con cara de niño y voz de barítono, que presentaba el álbum "Whenever you need somebody". En ese trabajo se escuchaban temas como el que repasamos hoy en el programa. Su videoclip suma más de 882 millones de visualizaciones en YouTube, en gran parte por la "troleada" que en 2007 se hizo llamar "Ricrolling". Consiste en enviar un enlace que anuncia un contenido de interés. Puede ser social, político o algo curioso y cuando el destinatario pincha en el link, se encuentra a Rick Astley cantando "Never Gonna Give You Up". En ese momento el "troleado" pasaba a ser "ricrolled". La broma se expandió hasta el punto de que YouTube, en el "Día de las bromas" en abril de 2008, vinculó todos sus videos destacados del día, al videoclip de Rick Astley. El video que cumulaba todas esas visitas, fruto del "Ricrolling", fue retirado por error de la plataforma YouTube. Se volvió a subir después y esa segunda subida suma más de 880 millones de visualizaciones. Se estima que, en total, habrían sido unos 2000 millones de reproducciones. El cantante acaba de cumplir 55 años y actualmente lo vemos muy activo en redes como Instagram o TikTok, donde sube versiones de temas de grupos como R.E.M. o Pet Shop Boys acumulando más de 1.6 millones de seguidores y casi 2 millones de suscriptores en YouTube. Además, ha publicado recientemente un doble álbum recopilatorio "The Best of Me" y en mayo comienza su gira en UK.

Olé Olé en España y parte de Europa y Flans desde México, en Latinoamérica popularizaron en los 80 el tema de Nacho Cano, "No Controles". 1983 es el año que en el que descubrimos en la voz de Vicky Larraz uno de los himnos del pop español, que llevaba la firma de uno de los arquitectos de MECANO, Nacho Cano. Olé Olé, lanzaba en su primer álbum esta canción, con la que lograron hacerse un hueco en el panorama musical. Dos años más tarde, el grupo mexicano FLANS, formado por tres chicas, Isse, Ivone y Mimi hicieron su versión, cosechando un gran éxito en países latinoamericanos. La canción inicialmente iba destinada a MECANO, pero Nacho se animó a probar a grabar una maqueta con Vicky Larraz y al escuchar el resultado, decidió dársela a Olé Olé. El grupo irrumpió así con fuerza en las radios y programas musicales, con un tema que sería el primero de una larga lista de éxitos. La formación se convirtió en un trampolín para sus vocalistas. Vicky Larraz primero, Marta Sánchez después y Sonia Santana, con menos suerte al final.

Un éxito desde 1985 con ventas millonarias. Un videoclip icónico remasterizado en 2019 que suma miles de millones de visualizaciones. Un riff inconfundible. Antes de convertirse en TAKE ON ME, antes de llegar A-Ha, esta canción pasó por un proceso de prueba error durante varios años. La primera versión, la semilla de Take On Me, surge en la banda BRIGEST. BRIDGEST fue una banda noruega de estilo Punk, fundada en 1978 con grandes influencias de The Doors. Estaba formada por cuatro componentes, dos de ellos Pål Waaktaar y Magne Furuholmen. En 1980 publicaron un EP en el que no incluyeron MISS EERIE (THE JUICYFRUIT SONG) que era la génesis de TAKE ON ME. Les parecía demasiado pop, alejada del sonido punk en el que querían moverse. Sabían que era pegadiza, pero precisamente por eso, por resultar muy comercial, no les gustó. Poco después, la banda se disolvió. Entonces  Waalktaar y Furuholmen,  se juntan con Morten Harket, el vocalista y forman "A-ha" en 1982. Morten descubre la maqueta de Miss Eerie y se da cuenta de que ahí hay un éxito. Empiezan a trabajar en ella y pasa a llamarse "Lesson One" en una nueva versión. En 1983 A-Ha viaja a Londres para ser auditados por Andrew Wickham, un AR de Warner, que también se percató del potencial de ese tema y fueron fichados por la discográfica. Ahora había que producir y remezclar la música del grupo. Y en 1984 se hizo una primera producción del tema ya como TAKE ON ME, pero no funcionó.  Además, llevaba un video clip que tampoco gustó. Se vendieron apenas 300 copias. Pero la discográfica y el grupo seguían confiando en esa canción y volvieron a producirla en 1985.  En ese momento contaron con Alan Tarney como productor, quien daría el sonido final a la canción. Una vez logrado, quedaba otro factor importante para llegar al gran público de manera efectiva, el videclip. En esos años, la música llegaba en gran parte por la Tv porque canales como Mtv hicieron desarrollar la creación de video clips.  Sabían que tenían un clásico en sus manos y estaban dispuestos a seguir trabajando en él para hacerlo llegar a todo el mundo. Entonces, entró en juego el jefe creativo de Warner, que venía con una idea muy original. Había visto un sistema de grabación de animación llamado "Rotoscopia" y con esa idea y ya con la versión definitiva de Alan Tarney, el gran Steve Barron dirigió el video clip. Tras cuatro meses de arduo trabajo en el que se utilizaron más de tres mil fotogramas, se llegó a lo que todos recordamos, un video original y efectivo. La persona encargada de dibujar todos esos fotogramas, Mike Patterson, no imaginaba que aquello que estaba creando en su día fuera a convertirse en un icono pop. Pero sí, fue un éxito mundial y ganó seis premios MTV el año siguiente.

Coque Malla se encuentra preparando su gira "Crac Tour", para la que ya hay primeras fechas anunciadas en su web. El vocalista de Los Ronaldos presentará en directo los temas de su último álbum "¿Revolución?" y seguro, sus temas más conocidos hasta ahora como "No Puedo Vivir Sin Ti". Coque Malla lleva 34 años sobre los escenarios desde que empezó con su banda en los 80. En 2017 se celebró el 30 aniversario del grupo Los Ronaldos que, por cierto, barajaron llamarse Aldabillo Cultura. Coque Malla era el más joven del grupo, siete años más joven que los demás. De hecho, el contrato del primer álbum lo firmó su padre, porque él tenía 16 años. Sumaron 11 años de carrera conjunta y publicaron 6 discos hasta 1998. En 2007 se juntaron para publicar un EP llamado "4 Canciones" donde se incluía "No puedo vivir sin ti" e hicieron gira. Con esos conciertos, se aprovechó para grabar el último trabajo publicado por la banda. El álbum en directo llamado "La Bola Extra". Y ya en 2008 se disolvieron hasta nuevo aviso. En solitario, Coque Malla rescató "No Puedo Vivir Sin Ti" en una versión más íntima. Una revisión que se convirtió en banda sonora de una importante campaña publicitaria. Gracias a ello, la canción despegó en popularidad. A partir de ahí el propio autor de la canción, ha hecho otras versiones, como la que llevó a cabo junto a Anni B Sweet, con un ambiente aún más íntimo y con melodías folk e indie, muy en el estilo de la cantante. NO PUEDO VIVIR SIN TI (Letra): Llevas años enredada en mis manos, en mi pelo En mi cabeza Y no puedo más No puedo más Debería estar cansado de tus manos, de tu pelo De tus rarezas Pero quiero más Yo quiero más No puedo vivir sin ti No hay manera No puedo estar sin ti No hay manera Me dijiste que te irías, pero llevas en mi casa Toda la vida Sé que no te irás Tú no te irás Has colgado tu bandera, traspasado la frontera Eres la reina Siempre reinarás Siempre reinarás No puedo vivir sin ti No hay manera No puedo estar sin ti No hay manera Y ahora estoy aquí esperando a que vengan a buscarme Tú no te muevas No me encontrarán No me encontrarán Yo me quedo para siempre con mi reina y su bandera Ya no hay fronteras Me dejaré llevar A ningún lugar No puedo vivir sin ti No hay manera No puedo estar sin ti No hay manera No puedo vivir sin ti No hay manera No puedo estar sin ti No hay manera

Mari Trini vendió más de 10 millones de discos en todo el mundo. Fue galardonada con un disco multiplatino honorífico en 2005. Firmó más de 309 canciones a lo largo de su vida. En 1971 publica su tercer álbum "Escúchame", donde encontramos "Yo No Soy Esa", el tema que repasamos hoy en el programa en sus Versiones Encontradas. María Trinidad Pérez de Miravete Mille, nacida en Murcia en 1947. En 2009 estaba preparando un libro de poemas y un concierto de despedida que no pudo celebrar porque ese mismo año falleció con 61 años, víctima de una larga enfermedad, en el Hospital Universitario Morales Meseguer, de Murcia. A los 6 años compuso su primera canción. Con 7 años tocaba la guitarra. A los 9 tuvo una enfermedad renal que la mantuvo en cama durante años. Ella misma dijo que cayó enferma siendo niña y se curó cuando ya usaba sostén. Después conoció a Nicholas Ray, director de películas como "Rebeldes sin Causa" y él la introdujo en el mundo de la industria musical. Viajó a Londres donde se formó como cantante con Peter Ustinov y trabajó en la BBC donde tuvo oportunidad de conocer a músicos de la talla de Paul Mc Cartney. Después se trasladó a parís, allí publicó 12 canciones dividas en tres EP. Cinco años después, una vez finalizado su compromiso discográfico en Francia vuelve a España y publica su primer álbum en español "Mari Trini", con canciones de otros autores como Luis Eduardo Aute, Juan Carlos Calderón o Patxi Andión y algunas propias. Pero fue el siguiente álbum "Amores", el que le dio el éxito en ventas. A partir de ahí, durante dos décadas, sumó éxitos con canciones como "Ayúdala" "Una Estrella en Mi Jardín", "Yo No Soy Esa", "Te amaré, Te Amo y Te Querré", etc. En los 80 rompe con su imagen seria de faldas largas y tonos oscuros. En esta década encontramos a una Mari Trini más coqueta y presumida. Incluso posa desnuda para INTERVIÚ. Lo hizo cuando quiso y como quiso. Quien definía como rebeldía en los 70 vestir de largo y en tonos oscuros, frente a las modas de un tiempo en el que la mujer debía ser expuesta para lograr el éxito, decidió, cuando ya había consolidado su carrera, que entonces sí, porque le apetecía y no porque lo necesitara, posaría desnuda. Y así lo hizo. La década de los 90 no fue su mejor momento, aunque ella reconocía que eso formaba parte del oficio. Lo malo vendría después. El principio del fin: En 2001 publica un doble álbum con Los Panchos. 23 canciones de las cuales doce, eran de la cantautora. Aquel proyecto estaba sujeto a un contrato que se incumplió. Mari Trini dijo haber sido estafada por su mejor amigo. Entre otras cosas, estaban en juego los derechos de autora de sus canciones que, tras un juicio, recuperó. Dolida por el desengaño y silenciada por un contrato que le impedía grabar con ninguna compañía discográfica durante 3 años, Mari Trini cayó en una depresión. Necesitó de ayuda psicológica y tras quedar libre del contrato con la compañía discográfica, regresó en 2005 con el último trabajo publicado en vida, que recogía sus éxitos y un DVD con actuaciones en directo. Ese mismo año la Sociedad General de Autores de España (SGAE) le rindió homenaje por su extensa trayectoria, otorgándole un disco multiplatino honorífico. Pero nada volvió a ser lo mismo para Mari Trini. Al poco tiempo, cayó víctima de una larga enfermedad que le llevó a la muerte el 6 de abril de 2009, en Murcia. Mari Trini tras su muerte, fue nombrada en 2009 hija predilecta de Murcia y se puso su nombre a una calle de Caravaca de la Cruz. La comunidad de Murcia afortunadamente no había esperado a su muerte para hacerle un reconocimiento público ya que, en 2008 con motivo del Día de la Mujer, le entregó en vida el galardón honorífico "Premio Mujer Murciana", por retratar con sus canciones los problemas y desigualdades que sufre la mujer. Lamentablemente, fue una de las últimas apariciones públicas de la cantante. Recientemente la artista canaria Diamar ha incluido para su álbum "Raíces" una versión del clásico de Mari Trini, con la colaboración de Iván Torres vocalista de Efecto Pasillo. DiaMar ha querido destacar que "' Yo no soy Esa' llega como un homenaje a la gran Mari Trini y a las mujeres que lucharon por hacerse un hueco en el mundo compositivo, liderado por hombres, en lucha por la igualdad." Letra de la canción "Yo No Soy Esa": Yo no soy ésa que tú te imaginas una señorita tranquila y sencilla que un día abandonas y siempre perdona Esa niña si, no Ésa no soy yo. Yo no soy ésa que tú te creías la paloma blanca que te baila el agua que ríe por nada diciendo sí a todo Esa niña si, no Ésa no soy yo. No podrás presumir jamás de haber jugado con la verdad, con el amor de los demás. Si en verdad me quieres, yo ya no soy ésa que se acobarda frente a una borrasca luchando entre olas encuentra la playa Esa niña si, no Ésa no soy yo. Pero si buscas tan sólo aventuras amigo, pon guardia a toda tu casa yo no soy ésa que pierde esperanzas piénsalo, ya no. Yo no soy ésa que tú te imaginas una señorita tranquila y sencilla que un día abandonas y siempre perdona Esa niña si, no Ésa no soy yo.

Tino Casal reunía varios factores que le hacían especial. Una voz perfectamente reconocible, un look innovador y exagerado que también le hacía distinto, una gran sensibilidad artística en varias disciplinas y un perfil altamente perfeccionista. De hecho, las sesiones de grabación de las pistas de voz en sus álbumes eran eternas. Todo esto le hacía distinto, único, inconfundible. José Celestino Casal, (Tino Casal) nace el 11 de febrero de 1950, en un pueblo minero de Asturias. Alejado de cualquier entorno que pudiera desarrollar su potencial artístico. A pesar de eso, sus inquietudes lo guiaron por el camino en el que más adelante lograría la fama. Así, en 1963, con 13 años, da sus primeros pasos en la música con un grupo llamado "Los Zafiros Negros". Cuatro años más tarde, "Los Archiduques", un grupo con cierto renombre en Asturias, lo ficha para ser su vocalista. Después empezó su carrera en solitario, inicialmente como cantante melódico, pero ese no era su destino. Se mudó a Londres, se empapó de todo lo que allí se estaba gestando musicalmente, para volver después a Madrid y encontrarse con la "movida madrileña" a la que, sin integrarse del todo, aportó mucho. Empieza a relacionarse con el mundo discográfico, trabaja como productor musical, además de desarrollar otras inquietudes como el estilismo o el grafismo. Publica su primer álbum "NeoCasal", con temas como "Stupid Boy" o "Champú de Huevo", que lo darían a conocer al gran público. En 1983 lanza su segundo trabajo "Etiqueta Negra", en el encontramos uno de sus temas más representativos, "Embrujada". Un año más tarde, la canción "Pánico en el Edén", incluida en su tercer álbum "Hielo Rojo" es elegida como tema oficial para la vuelta ciclista a España, logrando así una gran popularidad. La mala suerte se cruzó en su camino en 1985 por una necrosis de cadera, consecuencia de un esguince mal curado, que lo dejó fuera de los escenarios hasta 1987, año en el que grabó "Lágrimas de Cocodrilo", con el sorprendente tema "Eloise", canción que lo devolvió a la primera línea del panorama musical de forma inmediata. Dos años más tarde, en 1989, publica "Histeria", que se convirtió en el último trabajo publicado en vida por el artista. El 22 de septiembre de 1991, Tino Casal muere víctima de un accidente de coche, a los 41 años de edad. Desde entonces, se han ido publicando distintos álbumes recopilatorios de sus grandes temas, con rarezas o con revisiones como las de Pumpin' Dolls. Lo último, "Origen" un trabajo inédito grabado en Italia en 1977 y que ha sido rescatado recientemente en Brasil, donde permanecía descatalogado en un sello discográfico desde 1983, con el nombre de "Canciones de Celestino Casal". Pablo Lacárcel, productor del sello LEMURIA, conocía de la existencia de una canción grabada en Italia por Tino Casal, "Volarás, Volaré".  Al investigar sobre ese material, las pistas le llevaron hasta Brasil, donde descubrió que no solo había una canción, sino un álbum completo, con temas inéditos grabados por Casal. Ese álbum ha visto la luz en diciembre de 2020, con el nombre de "Origen".