Frecuencia Sorora 1y5n59

Desde el vientre de su madre, Mayarí Montes de Oca conoció el ritmo a través del sonido de su corazón, ya que su padre se encargó de usar sus latidos para componer música que luego le compartía en cada mes del embarazo. Mayarí, es una cantante, compositora, live loopera y estadígrafa que nació en Canadá pero que a los 2 años viajó con su familia a México para crecer en Puebla. Su padre y su madre se conocieron en el extranjero y vivieron como migrantes, viviendo y trabajando con la música y la danza. «Cuando estaban en Canadá tenían su grupo de danza folklórica. Mis primeras exposiciones musicales fueron la música latinoamericana y música de protesta, así fueron mis inicios.» Su padre fue quien más la acercó a la música. Ella recuerda que - en sus primeros años- él estuvo al pendiente de las tareas de cuidado, así que le ponía películas sobre música y le hablaba de compositores latinoamericanos. En la secundaria el interés por conocer la guitarra le entusiasmó tanto que su papá empezó a enseñarle con la guitarra que él tenía. Ser autodidacta y tener buen oído para ejecutar canciones, la llevaron a formarse de una manera muy orgánica «Me aprendía la canción que en el momento sentía la necesidad de tocar y obsesivamente practicaba». A pesar de su interés se dio cuenta que había algunos obstáculos que no le permitían continuar: uno es que, por ser una persona neurodivergente - tener T.D.A. -, buscaba una y otra manera algo nuevo para enriquecer sus conocimientos y, por otro lado, no había muchos lugares donde mostrar sus talentos y aprendizajes. «Había compañeros que les gustaba la música, pero nunca me integraban. Para mis amigas y compañeras ni siquiera era algo que alguna vez le hubieran propuesto en su vida. Todos mis compañeros con los que compartía este gusto decían “que nos acompañe”, pero nadie me invitaba a tocar con ellos porque todo lo “volvía cursi" o "femenino”». El interés por internarse al mundo musical, la llevó a conservarlo de manera persona, en una forma íntima y, aunque en el camino halló otros intereses fuera del arte, siempre regresaba a la música, porque necesita «un respiro de reconectar con quien soy, con mis orígenes y la música es una herramienta que me ayuda a hacerlo.» A la par de conocer más sobre su pasión, estudió la licenciatura de Economía en el CIDE, pero en su regreso a Puebla, decidió desempolvar canciones que había escrito tiempo atrás para presentarlas con su proyecto. Al conocer su talento, Carlos Marrufo y su Sergio González Huerta la invitaron a presentarse en Breve Espacio Puebla , aquí conoció a la cantante Esmeralda Guillen, quien se convirtió en su amiga y con quien también ha encontrado apoyo y asesoría sobre el medio musical. Mientras continuaba labrando su camino, el pianista Armando Coyotl escuchó una de sus composiciones y le dijo que le recordaba a la cantante sa Cyrille Aimée, a quien iró desde el primer momento que la escuchó y con quien conoció el live looping. Antes de la pandemia, presentó su proyecto musical en el IMER y después se mudó a Nueva York para estudiar la Maestría de Estadística Aplicada para la Investigación de las Ciencias Sociales. En este viaje conoció a Cyrille Aimée, no solo en concierto, sino que también la invitó a que tomara una master class, ya que había escuchado los covers que hacía de sus canciones. «Yo no me la creía porque no me sentía merecedora de estar en la música, porque no pude estudiar la carrera de música... Además he escuchado mucho de mis amigos músicos también este juicio muy rígido que existe de “¡ay, cómo se atreve a subirse a cantar!” “¿Cómo se atreve a tocar la guitarra y hacerse llamar guitarrista? Si ni siquiera le invirtió a los años de estudio.” Entonces yo tenía todas esas voces en mi cabeza. Realmente había un bloqueo que es cuando te das cuenta, de cuán condicionadas nos tienen desde chiquititas con esa bola de traumas cuando dicen que no eres suficiente». Cyrille la apoyó para fortalecer su confianza y con ellos, Mayarí entendió que «la música no es elitista, realmente los elitistas somos los seres humanos. Existen diferentes caminos para llegar al mismo lugar y uno tiene que ver con esa dislina y esa constancia; pero hay otro camino que tiene que ver con la autenticidad, con el serle fiel a ti mismo, serle fiel a la música y no estar ahí por el ego, sino por esa capacidad que te da para conectar con los demás» Estas clases de canto la ayudaron a soltarse más, ella ha confesado que por medio del jazz y el scat, la improvisación le da más confianza. Aunque #MayaríMontesDeOca pensó que en Nueva York habría mayores posibilidades de entrar en el mundo de la música, se dio cuenta que también es muy difícil, sobre todo por ser mujer. Otra cuestión que vivió, fue el tema del acoso, que le hizo ver que en todos lados existe este problema «Al regresar aquí e intentar armar una banda de mujeres, las experiencias de ellas son igual o bastantes peores. Claramente me quedó claro que no soy la única. Cuando tengo la menor duda de algo que me está planteando un músico, un productor o patrocinador, pongo límites de entrada y entonces te tachan de que eres difícil. Se vuelve complicado, porque todavía - más en México - los que controlan la industria y el booking de los lugares son hombres.» Con 10 años realizando live looping, componiendo y acercándose a nuevas artistas. Mayarí cuenta con 3 proyectos: "Mayarí y loopita"; "Swing fusión" y "Moon Poject" (en el que ella busca involucrar más las canciones pop que contengan un mensaje potente, con el que se genere un cambio en la sociedad). A inicios del 2024 fue ganadora como solista en el concurso "She’s got the groove", impulsado por Yamaha. En su desarrollo profesional ha tejido una red de apoyo que le ha ayudado a reflexionar de cuán importante es hacer lazos: «acérquense a otras mujeres, porque la última forma de que lleguemos lejos, en especial en estados particularmente machistas -como es Puebla- es en alianza con las demás, ayudándonos , compartiendo ese conocimiento que tenemos sobre la escena. Esta cuestión de las colectivas nacionales, está muy padre, pero también el buscar hacer lazos locales es bien importante, porque cada estado, cada municipio, se rige por normas no escritas muy diferentes» **Programa transmitido por Universo 94.9 FM, radiodifusora de la Universidad de Colima, el 1 de mayo de 2024 y por Violeta Radio (CIMAC radio) el 3 de mayo. Conozcan más sobre #Mayarí : 💻 Página: https://mayarimoca.wixsite.com/mayari 📺 YouTube: https://www.youtube.com/@mayari_parlanchina 🎵 Soundcloud : https://soundcloud.com/rikkumay 📸 Instagram: https://www.instagram.com/mayari_moca/

El 8 de febrero de este año, Colectiva Fortissimas realizó el nombramiento de la Iniciativa de Ley de Paridad de Género en Escenarios y Festivales Masivos en México, como la Ley Amparo Ochoa, como parte de la conmemoración del trigésimo aniversario luctuoso de la cantante. En esta ocasión platicamos con Merarit Viera - música y académica feminista del proyecto audiovisual Sonidos entre Morra- y Karina Cabrera -periodista musical, fundadora de Sonoridx y cradora del #MapaDeMúsicasMexicanas- , 2 de las 6 integrantes de #ColectivaFortissimas, quienes hablaron sobre la importancia de esta ley, así como la relevancia de su nombre. #AmparoOchoa , fue una cantante mexicana que nació en Sinaloa en 1946. Desde muy joven tomó el camino de la empatía, el respeto y el trabajo en comunidad a través de la música. Fue profesora y también dedicó su tiempo a llevar su voz a escenarios que estuvieran cerca de la gente, pero sobre todo de las mujeres. Las interpretaciones de Amparo Ochoa son parte importante de la historia musical de México del siglo XX. En su voz resuena la crítica social que genera que a las mujeres nos crezcan las ideas para continuar por el camino de la justicia social, el respeto y la equidad de género. Karina Cabrera, integrante de la colectiva agregó «Cuando se nombró la ley en Argentina me pareció fabuloso enlazar a las ancestras. Cuando mencionaron a #MercedesSosa, hubo un nuevo reconocimiento, una nueva búsqueda. Nunca dejó de existir Mercedes Sosa en la mente de la música de Argentina, pero aquí en México creo que es muy diferente. En el 2021, Modesto López, estrenó su documental “Se me rompió el barzón” y a mí, sí se me movieron un montón de cosas. Creo que todo tuvo sentido, teníamos que retomar a alguien que a lo mejor no está en la mente de todas, pero que debería estar, sobre todo por sus acciones. ¡Qué mujer tan extraordinaria! y ¿por qué no la estamos conociendo más?» La historia de la intérprete de “Mujer” y su activismo fueron fundamentales para que Colectiva Fortissimas eligiera su nombre para esta iniciativa que empezó a gestionarse en 2023, después de que saliera el Estudio de Brecha de Género en Festivales Mexicanos, realizado por la periodista cultural Karina Cabrera. En este trabajo se encontraron datos importantes como el de mostrar que «en el año 2023, los eventos culturales contribuyeron significativamente a la economía mexicana (…) En el contexto de estos eventos culturales, se evidencia una brecha persistente en la participación de mujeres, con una representación de 25%». Karina Cabrera compartió «cuando inicio esta acción de editar carteles con un objetivo muy claro de crear un estudio para brindar un piso de conocimientos, de datos, de información, que nos pudieran llevar en un momento a pensar en una ley. Yo sí tenía muy claro que no tenía los conocimientos para realizar una iniciativa de ley pero sí tenía bien claro que tenía los conocimientos para hacer un levantamiento de información que propiciara tener un piso». Después de que 4 de las integrantes de la colectiva se reunieran para abordar los datos duros que claramente dejaban ver la realidad, empezaron a llevar esta información a un tema legal. Así lo recuerda Merarit Viera: «Evidentemente nos hacía falta la fortaleza de cómo hacerlo legislativamente. Y en eso llega Leiden con dos compañeras con previas experiencias de iniciativas de ley. Yo siempre digo que el escenario se construye por el periodismo, por quienes escribimos alrededor de la música y por supuesto las artistas. Pero estamos ahí mujeres que hemos experimentado el problema y esta iniciativa de ley, surge como algo que nos identifica a nosotras mismas, que viene desde la experiencia misma» Salma Sáenz y María González de la agencia de consultoría, Saloma Innovación Social y Ambiental; Natasha Arguete de la Colectiva Energía Nuclear; Leiden Gomis del sello discográfico independiente, Sello Jueves; Merarit Viera del proyecto audiovisual, Sonidos entre Morras, y Karina Cabrera fundadora de Sonoridx y creadora del Mapa de Músicas Mexicanas, se reunieron para nombrarse como Colectiva Fortissimas y de esta manera iniciar una acción que ya veían urgente desde el análisis de carteles, así como el regular el ambiente laboral y la seguridad de las mujeres en estos espacios. En entrevista, Merarit Viera habló sobre la importancia de juntar «estos microactivismos que a veces están en nuestros espacios», ya que de esa manera nos damos cuenta que somos más trabajando en el desarrollo de la equidad, del respeto para quienes estamos y para las futuras generaciones, la también investigadora mencionó «decimos desde la colectiva que lo vamos a lograr y lo vamos a lograr todas». La iniciativa contiene 8 ejes claves: asegurar la participación femenina y de disidencias en los escenarios; mayor inclusión de proyectos emergentes; paridad, no cupo; derechos laborales; derechos culturales; protocolos de seguridad; promoción y difusión y Observación y cumplimiento. Sobre la diferencia de paridad y cupo, Karina Cabrera dijo «sí es súper importante la diferenciación y plantea nuevas formas de observar el problema. Es muy fácil incluir a más mujeres, invitar a más mujeres, que hablemos más de mujeres. Sin embargo, cuando empezamos a aumentar números, pero no estamos observando lo que está sucediendo o las razones por las que está sucediendo un problema, no sólo conceptualizamos mal, sino también politizamos mal.» El trabajo alrededor de protocolos es en beneficio de las músicas, pero también de las mujeres que son parte de estos espacios. Este desarrollo cubre tanto derechos laborales, como derechos culturales y de expresión. «Estos ejes que planteamos, parte desde la investigación». Merarit Viera agregó «por supuesto que en una ley de paridad implican cupos, pero no lo es todo. Por ejemplo uno de los ejes de la iniciativa es que hablamos de participación femenina, pero también hablamos de la participación de las disidencias sexogenéricas. Por lo menos desde que nos movemos en la colectiva, pensamos que es inclusión más inclusión.La paridad implica todas las condiciones que de alguna manera van a generar que existan formas de trabajo seguras y dignas. La misma paridad implica que haya inclusión también de otros proyectos emergentes». En este desarrollo de Ley, también le dieron importancia al crecimiento de la trayectoria de las artistas que apenas inician. La periodista musical mencionó: «creo que es importante mencionar en la cuestión de proyectos emergentes, pues estamos hablando de procesos de profesionalización de una escena local, porque podemos encontrar eso de “sí estamos cubriendo un cierto número”, pero no hay mexicanas. En el estudio de este año solo el 11% de las mujeres que se presentaron en estos festivales mexicanos, fueron mexicanas. ¿Dónde están los espacios de profesionalización local? ¿Cómo logramos una profesionalización de espacios cerrados, precisamente para esos proyectos emergentes locales? A lo mejor estamos logrando una profesionalización de proyectos que no son mexicanos. ¿Cómo le exigimos a esta escena lo que no le estamos dando? ¿Cómo le exigimos profesionalización si ni siquiera generamos los espacios?» Colectiva Fortissimas sigue trabajando en la difusión de la Ley Amparo Ochoa. Apoyadas con datos duros - como saber que México es el 3er país que más compra boletos para festivales y sabiendo que en la música ya no se gana por medio de regalías, sino por las presentaciones en estos espacios y por la venta de mercancía - su análisis para crear una ley que sea de protección para cada mujer, sigue generando más argumentos para hablar sobre la importancia de esta iniciativa. A esto, la fundadora de Sonoridx agregó: «los festivales son negocios y por eso nos parece importante estar señalando la importancia de ese negocio. Si la industria de la música en vivo ocupa el segundo lugar en consumo después de los videojuegos, ¿por qué no estamos siendo parte de esa industria?» Mientras que la integrante de Sonidos entre Morras detalló que están buscando trastocar derechos laborales y promover procesos de equidad, «esto incluye no solo el género, sino también incluye el territorio. No somos anti extranjeros, para nada, no va por ese discurso, va en un sentido más de inducción y reconocimiento hacia las músicas mexicanas. Y también a lo que implica pensar en una ley de paridad que tiene que ver con los procesos de consciencia». Conozcan más sobre la iniciativa de Ley de Paridad de Género en Escenarios y Festivales Masivos en México que promueve Colectiva Fortissimas. **Programa transmitido por Universo 94.9 FM, radiodifusora de la Universidad de Colima, el 28 de febrero y en Violeta Radio (CIMAC radio) el 1 de marzo del 2024 📸 Instagram: https://www.instagram.com/colectivafortissimas/ 💻Firmen la petición: https://www.change.org/.../y-d%C3%B3nde-est%C3%A1n-las-m...

Abriendo caminos, así como una flor que muestra sus pétalos para invitar al goce, y acercándonos a la raíz, al origen, tal como las piedras nos enseñan su firmeza en la tierra, la agrupación hidrocálida FLOR DE JADE comparte sus composiciones que fusionan géneros musicales y diversos instrumentos para visibilizar a la mujer en la música (como compositoras, instrumentistas, cantantes y productoras), promoviendo la ruptura de estereotipos de género. Cynthia (compositora, saxofonista,charanguera,quenista y percusionista) inició este proyecto al buscar a más mujeres que pudieran contribuir a la antigua agrupación. «Éramos un dueto, tocábamos trova, canto nuevo, folklore, no hacíamos música original. Pasó el tiempo y dije “como que estaría padre juntar a otras chicas, porque entre ellos siempre se juntan a hacer proyectos y ¿por qué no nosotras?” Luego invitamos a Lyna y a otra chica que toca el arpa. Justo en 2016 (…) nos dimos a la tarea de buscar a mujeres que tocaran lo que estábamos tocando y fue nuestro estreno con este concepto, de puras mujeres». Crearon un disco con el apoyo del Programa de Acciones Culturales Multilingües y Comunitarias (PACMYC). Para este trabajo realizaron talleres con mujeres que habían vivido algún tipo de violencia, con el deseo de ayudarlas, por medio del arte, a sanar y crear comunidad. Lyna Lopez Amayo (baterista, cantante, compositora y arreglista) ha continuado con Cynthia desde entonces. «Yo pienso que es esta cuestión de crear las comunidades entre las compañeras que son músicas o incluso en general, porque es muy importante la cuestión de redes, la organización. Nosotras tuvimos que pasar por muchas etapas para poder llegar a lo que somos ahora.» FLOR DE JADE también está integrada por Mar Luna (tecladista, acordeonista, compositora y arreglista), quien compartió que actualmente hay más apertura musical. «A mí no me dejaron estudiar música. Yo soy Licenciada en istración de Empresas, pero ahora ya estoy en el 4o semestre de la carrera de Jazz.» Como maestra de piano se ha dado cuenta que sus alumnas y alumnos no ven tan lejano el hecho de dedicarse a la música. «Antes era “ni loco vas a ser artista”». En la composición y voz, también está la multinstrumentista Salma de Sant, quien encontró una fotografía de sus bisabuelas con instrumentos musicales « Me contó mi abuelita que no las dejaban salir y era como en lo que se entretenían y hacían sus canciones y arreglos. Nadie siguió la tradición, porque se casaron y tuvieron hijos…Ellas eran de Huejúcar, Jalisco». Con esa imagen, entendió que su pasión por la música venía de tiempo atrás, de sus raíces. Lorena, trompetista de la agrupación, es madre de dos hijas y en esta reflexión sobre la persistencia y el trabajo en colectivo dijo que «A veces andaremos muy cansadas y a veces andamos de humor, pero aún así sabemos llevar el ensayo. Somos muy comprensivas todas». La más reciente integrante de la banda es Miroslava Coutiño (guitarrista, vocalista y también arreglista), quien se siente agradecida por pertenecer a esta banda porque ella cree «que la química en el grupo es muy importante, porque a lo mejor puedes ser músico y tocar padre, pero si no hay química con los demás integrantes del grupo, no vas a funcionar». Parte de la unión de #FlorDeJade ha sido la empatía y el apoyo que las integrantes tienen unas con otras. Lyna Lopez Amayo mencionó que aunque todas tienen una vida aparte, el 60% de su tiempo lo dedican al proyecto «a veces debemos sacrificar un poco o un mucho, pero el resultado se ve en las giras». La agrupación ha participado en la #FeriaNacionalDeSanMarcos , en la Feria Nacional de Rincón de Romos, en el #FestivalDeCalaveras , en el “Festival Internacional de San Luis Potosí”, en 2018 dieron una gira por Italia y en 2023 fueron invitadas al Eco Fest en Pasto, Colombia. FLOR DE JADE también estuvo presente en el Eimim- Encuentro Iberoamericano de Mujeres en la Industria Musical del 2023, el cual tuvo como residencia #Aguascalientes. Haber estado presentes en las ponencias y compartir experiencias con más artistas, las motivó a comprender todo el esfuerzo que han realizado a través de estos años. Cynthia agregó « me dije “el día de hoy, todo ha valido la pena” y sobre todo el haber compartido con ellas y hacernos más sólidas cada vez. Yo estoy aquí, porque las quiero, porque quiero un proyecto, compartimos los mismos ideales, las mismas ganas, los mismos sueños, las mismas metas, y eso es sumamente complicado de encontrar». Con su gran desarrollo de empatía y compañerismo, Flor de Jade realizó una colaboración especial con la también cantautora y guitarrista hidrocálida, Geo Blanc ; también han podido tejer esta red de apoyo musical no sólo en el escenario, sino también en cuestiones técnicas o de grabación, como con la compositora y multiinstrumentista Cinthya Morado, quien las apoyó con un bombo legüero para la realización de un nuevo sencillo. «Esas son las cosas que hacen que esto crezca y que nos hacen crecer como comunidad musical», mencionó Lyna. El proceso creativo de sus composiciones ha sido una conjugación de hermandad y afinidad, en la que todas contribuyen, porque, como Salma de Sant mencionó «cada experiencia personal tiene su verdad y son dignas de ser contadas. Está bien chido permitirnos contarlas». El desarrollo de Flor de Jade ha cruzado fronteras, pero también ha sorteado varios obstáculos. «Al principio nos costó mucho trabajo ser escuchadas. Tuvimos que aprender de todo lo que no funcionaba, todo lo que nos decían convertirlo en positivo. Era eso, ser resilientes y dejar el dolor de lado.», comentó Cynthia. Con cerca de 10 años de continuo trabajo, #FlorDeJade nos deja en claro con su canción “Lucharé” que aunque las quieran callar, no se van a doblegar. **Programa transmitido por Universo 94.9 FM, radiodifusora de la Universidad de Colima, el 7 de febrero y por Violeta Radio el 9 de febrero del 2024. Conozcan más sobre FLOR DE JADE 📺 YouTube: https://www.youtube.com/@flordejade 🎙 Spotify: https://open.spotify.com/.../1Up3GvbFaHKAiiF4pAm3wO... 📸Instgram: https://www.instagram.com/flordejademx/

Siguiendo las notas de su acordeón y las raíces que nutren su historia, La Negra MeXa cruzó fronteras para llegar a #Colombia , en donde se reconoció «como una mujer afrodescendiente, como una afromexa, como una negra, no solamente desde mi propia historia, sino también en darme cuenta cómo persigo cosas más allá de solo actuar una obra de teatro o de solo tocar una canción, para realmente trascender». Jessica Esther Moreno, también conocida como #LaNegraMeXa , es una acordeonera, cantante, compositora, actriz y directora de teatro. Ella nació en la periferia de la Ciudad de México, creció en zonas donde los sonideros enriquecieron el ritmo de sus días y observó como la música cerraba las calles para que la gente gozara la vida. Su madre le abrió el camino para acercarse al arte,«gracias a ella empecé a tocar teclado». Mientras que su hermano le dio otra herramienta valiosa, una agenda que sirvió como diario, el cual le ayudó a aterrizar sus ideas, a apropiarse de historias y, como dice ella, a vomitar sus palabras. Estudió en la Escuela Nacional de Arte Teatral, donde conoció a Carla Mireya Álvarez, su amiga, colega y compañera de creaciones y viajes con quien fundó Gitanas Teatro A.C., una colectiva que tiene la finalidad de llevar su trabajo a comunidades rurales, indígenas, afrodescendientes y zonas marginadas. Para incrementar su contribución y mezclar su también pasión por la música, La Negra MeXa incorporó el acordeón para atraer a más audiencia. Aunque inició sus estudios en la Casa de Música Mexicana, su amiga La Terrorista del Sabor, le recomendó que fuera a Colombia a estudiar el acordeón. Viajó a #Valledupar, en donde conoció a niñas y adolescentes que le enseñaron sobre música, pero también sobre romper con la cultura y los estereotipos. «Se dice mucho que las mujeres no deben tocar el acordeón, “que no tenemos la fuerza para tocarlo”, “que no nos van a crecer (los senos)”, “que nosotras estamos hechas para ser reinas de belleza, no para hacer música”, se dicen muchas cosas.» En estos encuentros entendió que ser acordeonera es quien aprende del barrio, de la calle y no en la academia, como son las personas llamadas acordeonistas. Conociendo también el trabajo de Wendy Corzo, Nataly Patiño y reflexionando con Mariana Malinalli, llegó a la conclusión que el acordeón «es un instrumento complejo, no solo por la ejecución, sino que es luchar contra la imagen de estos señores que son una referencia, pero nosotras no y han habido muchas en la cultura, tanto colombiana, como mexicana». La Negra MeXa vivió alrededor de 9 años en Colombia, en donde realizó su maestría en Estudios Artísticos en #Bogotá. Su llegada a este país le dio el cobijo necesario crear comunidad y profundizar más en la historia de las personas afrodescendientes, con quienes realizó un proyecto artístico que se convirtió en “Palenque Sonoro”, performance en el que se reflexiona sobre «lo que significa ser mujer de color en América Latina». En su camino musical, La Negra MeXa pudo crear junto con FANIA (jaranera, trompetista y rapera) la agrupación Corroncha Son, que también la integran DayanBeu Vázquez (en percusiones) y Perla Villalba (en el bajo). «Con #CorronchaSon o con Gitanas Teatro A.C. es: vamos a descentralizar el arte, vamos a llegar a los territorios de donde somos nosotras, de donde a mí a mis 12 años me hubiera gustado que llegara una morra a decirme “esto que estás sintiendo se llama así” o “esto no lo permitas” o “no estás sola”. » Con paso firme y notas fuertes, La Negra va abriendo caminos y encontrando a más mujeres que desde sus propias historias también lo han hecho. En su crecimiento vio la importancia de ver a las mujeres músicas y evidenciar este «romper lo sistémico y decir a los hombres “históricamente ya tienen un espacio ganado”. Ahí vamos, porque lo merecemos y eso ha propiciado a muchas colaboraciones». Tal fue el caso en 2023 con la canción “Chismecito”, que interpretó con Audry Funk, Masta Quba y Rebeca Lane. También pudo compartir escenario con Mare Advertencia, quien la invitó para celebrar sus 20 años de Hip Hop. «Vamos juntas, porque la brecha es larga y dura, pero si vamos juntas, tumbamos lo que sea.» Conozcan más sobre el la lucha, las obras y la música de La Negra MeXa, quien sabe que «la negritud y la blanquitud no es una cuestión del color de la piel, es una cuestión mucho más profunda». Estará de gira con Gitanas Teatro A.C. con el Circuito Nacional de Artes Escénicas de Espacios Independientes Chapultepec, visitando #Michoacán en el Foro La Mueca; #Colima en ElPatio-Taller espacio escénico independiente y en #Jalisco El Venero - Foro - Teatro **Programa transmitido por Universo 94.9 FM, radiodifusora de la Universidad de Colima, el 31 de enero del 2024 y por Violeta Radio el 2 de febrero del 2024 **Vean el trabajo de La Negra MeXa: 📺 YouTube: https://www.youtube.com/@NegraMeXa 🎙 Spotify: https://open.spotify.com/.../0lPND0f84cLVxwPGRp8fhd... 📸 Instagram: https://www.instagram.com/lanegra_mexa/ 📺 YouTube Corroncha Son: https://www.youtube.com/@corronchason1490 📸 Instagram Corroncha Son: https://www.instagram.com/corronchason/ 📸 Instagram Gitanas Teatro A.C.: https://www.instagram.com/gitanasteatro/

Como una montaña, firme y sabia, así se describe Tere Estrada, sirena de las letras y la musica , quien con su inquietud por conocer las venas de la historia, ha hecho surcos para sembrar sus letras - de sus canciones y libros- en las vidas de varias generaciones. Con 35 años de trayectoria, la “Sirena hechicera” nos invita a sumergirnos, sin tener miedo a las orcas, para encontrar en su voz los tejidos que han fortalecido el rock mexicano: «soy una apasionada con todo lo que tenga que ver con investigación musical y, bueno, en cosas de mujeres, pues más». Socióloga, cantante, compositora y escritora, #TereEstrada creció en un mundo de libros, arte y mucha creatividad. «Vengo de una familia donde mis papás son periodistas, donde siempre había libros, de niños jugábamos a hacer obras de teatro, a hacer radionovelas. Era un lugar donde se incentivaba la imaginación». En la primaria entró al coro de la escuela, tomó clases de piano y en la adolescencia su papá le regaló su primera guitarra. Entre cuerdas y versos, exploró el mundo de la composición y a los 17 años terminó su primera canción. Aunque tuvo el apoyo de su familia, aprendió a navegar sola con la convicción de su pasión como la estrella que le ha dado guía. «Las artes están consideradas como si fueran un oficio menor, como algo no indispensable para la vida cotidiana. Entonces es una lucha constante, porque no nada más te lo puede decir tu familia nuclear, sino te lo pueden decir amigos, te lo pueden decir vecinos». Después de titularse con la tesis “Lenguaje e identidad en el rock mexicano”, encontró el mar de la investigación que la llevó a nuevos horizontes. Con cuaderno y grabadora en mano realizó más de 100 entrevistas que alimentaron a “Sirenas al ataque: historia de las rockeras mexicanas”, una de las obras más importantes sobre la música de nuestro país. Este trabajo abarca gran parte de lo acontecido con las músicas, cantantes y compositoras que estuvieron presentes de 1956 al 2000. «En mi libro de #SirenasAlAtaque , ves la historia de las rockeras que fueron jóvenes en los 50, su rol esperado era que obviamente se casaran, tuvieran hijos y abandonaran su pasado rockero… ir a contracorriente, hacer tu propio camino era rudo.» La música siempre la ha acompañado, es ese «llamado del alma» que la motiva a decir que su voz es su destino para viajar con ella a países como India, Nepal, República Checa y Colombia; para sembrar con ella - en foros, escuelas y festivales - la importancia de conocer a las que han sido referencias en la historia de nuestra música. Con 8 álbumes de estudio que nos llevan por el blues, jazz y rock, la también escritora de la novela “Un blues en la penumbra”, ha creado un fuerte y grato vínculo con sus oyentes. «Existes gracias a la gente que asistió a un concierto, a la gente que te compró un disco y a la gente que te pone en su casa. Así es la manera en que hemos resistido.» **Programa transmitido por Universo 94.9 FM, radiodifusora de la Universidad de Colima, el 17 de enero del 2024 y por Violeta Radio (CIMAC radio) el 19 de enero del 2024. Conoce más de Tere Estrada, sirena de las letras y la musica: 📺 YouTube: https://www.youtube.com/@tereestrada 🎙 Spotify: https://open.spotify.com/.../4ht6p70C3SAnR1tgQFxmCW... 📸 Instagram: https://www.instagram.com/sirenas07/ 🎥 TikTok: https://www.tiktok.com/@tereestradamx

Como una loba aullando a la luna, Araceli Cantora, comparte sus composiciones con su voz y aliento para sembrar semillas que germinan sin adoctrinamiento. Nacida en Santiago, Chile, ha trabajado con su conocimiento, creatividad y empatía para crecer la comunidad. «En la periferia norte nazco, crezco y aprendo. En este abandono (del gobierno), surge una cuestión importante, yo creo que más allá de revictimizaarnos como población, surgen iniciativas propias y es en donde yo empiezo a crecer la inquietud por el arte» Araceli Cantora se nombra directora artística, compositora, cantante, fotógrafa, lesbiana visible y poeta. Su interés por adentrarse a la música comenzó a través de los aerófonos, primero con la flauta dulce y después la flauta contralto, al poco tiempo conoció la quena y se adentró en la música andina para hallar en el camino la guitarra. Su aprendizaje con este instrumento inició en su adolescencia con una guitarra que sólo tenía 3 cuerdas, pero eso no la detuvo para estudiar y practicar las posturas. «Paralelo a eso me pongo a tocar en las micros, en Santiago. Bueno, la realidad obrera… por medio de la libertad que me daban los recursos que comenzaba a generar: podía invitar a mis compañeras a almorzar, podía moverme en la micro, podía meterme en los museos. Era muy de andar sola, muy de buscar estos estímulos. Yo feliz porque estaba ahí, pudiendo ver arte contemporáneo, siendo de la población de la periferia norte; cuestiones que no llegaban justamente a esta población, pero sí teníamos el jazz, sí teníamos el hip hop, sí teníamos el folklore, sí teníamos el bolero, los valses.» Caminando por las calles de una gran ciudad, escuchó historias, encontró nuevas vivencias y halló las metáforas que han alimentado sus composiciones para hablar sobre el desarrollo social, pero sobre todo, reflexionar acerca del florecimiento de su propia existencia, entendiendo que su hermana mayor es la autonomía. «Me gustaba jugar sola, pero también me encontraba con mis amiguitos a jugar a la pelota y a hacer travesuras. Y así se va desarrollando la inquietud, como una forma urgente de poder comunicarme con ese mundo extraño. No encajaba del todo con mis amiguitos de la población, no encajaba del todo en el museo, no encajaba del todo en la escuela. Yo creo que también ahí empiezo a darme cuenta que mi ser lesbiana jugaba un rol importante, porque no podía encajar en ningún lado. ¿cómo poder comunicarme con la sociedad y proponer también? Fue a partir de esta creación urgente y la música se me transformó en la máxima posibilidad» Así como deseó para Luchín, personaje de uno de los sencillos de su primer EP, “Micro”, lanzado en 2019, Araceli abrió su jaula para volar como pájaro, acercando a gente de otros horizontes a permitirse sentir y pensar por medio de sus palabras sobre las realidades sociales. «La desigualdad sobre todo en América Latina y en países colonizados, sigue siendo voraz, entonces, ahí el arte es fundamental para seguir alimentando a la humanidad, el corazón, el respeto, la integridad, el desarrollo de lo humano» Araceli Cantora explora distintos géneros como la nueva trova, el indie, el trap y la palabra hablada. Con su vinculación en el arte, encuentra en el surrealismo de Leonora Carrington, en los versos de Gabriela Mistral, en la cooperación social con el pueblo mapuche por medio de la palabra de la poeta Ana Rosa, una vital y necesaria manera de unir sus venas con las de la tierra que unen a cada ser, a cada pueblo en resistencia. «El capitalismo, el extractivismo, nos está matando, nos está socavando desde adentro.» En su andar lleva la voz en alto, el paso firme y os brazos abiertos para abrazar a la manada. Su tejido entrelaza las voces de quienes dejaron huella, usando fragmentos de los poemas de Stella Adriana Díaz Varín, de Gabriela Mistral; también conecta con la gente de su alrededor como con su madre y con Javiera Electra , con quien reflexiona sobre «lo más sensible y sutil, lo que realmente nos gusta y nos llama y nos convoca, que no es la violencia, que no es el poder, que no es el control, sino que es el amor, es la libertad, es la contemplación» . Con el crecimiento y fortalecimiento de la comunidad, Araceli Cantora nos viene a recordar una nueva era en la que nos dice que “silenciadas no, porque nunca más calladas” con “Semilla, fuego y libertad”, canción creada en colaboración con Audry Funk, Nina Inti y Sin Amx. Con su álbum “EnBituin”, lanzado en 2023, la música de Araceli Cantora, nos invita a continuar con el pensamiento crítico, con la atención fija en lo que nos une y en trabajar en seguir fortaleciendo al desarrollo con nuestro entorno. Su voz es ese fuego que nos une, sus palabras son esas semillas que germinan para crear un cambio de consciencia. **Programa transmitido por Universo 94.9 FM, radiodifusora de la Universidad de Colima, el 10 de enero de 2024 y por Violeta Radio (CIMAC radio) el 12 de enero de 2024. Conozcan más sobre #AraceliCantora : 📺 YouTube: https://www.youtube.com/@AraceliCantora 🎙 Spotify: https://open.spotify.com/.../0SgodB6Pya5ITzgky9EsMz... 📸 Instagram: https://www.instagram.com/araceli_cantora/

Con un respiro profundo, la cantante, compositora, docente e instrumentista mexicana Geo Equihua nos invita a adentrarnos a nuestro ser y a reconciliarnos con nuestras emociones para darles el lugar que merecen. «Para mí eran dos opciones: sentirme mal y ya o sentirme mal y entender cómo estar lo mejor posible dentro de eso. El descubrimiento fue que en la medida que hacía preguntas y me respondía, iba desenmarañando algo y siento que eso es lo que hace la tristeza, como decir, guárdate, piensa, siente. El enojo te da esta energía para responder, para poner límites que te cuesta poner. El dolor como que te pone en un punto en el que te obliga a hacer cosas que de otra manera no harías y el miedo te genera una incomodidad tal que no puedes solo pasar por alto lo que está pasando, que es la ansiedad» Después de ser parte de varias agrupaciones como Ave Sol, La Blues Band y el Coro Acardenchado, en 2018 Geo Equihua decidió continuar con su proyecto como solista. Su inspiración musical nace con el folklore latinoamericano y la Nueva Canción, pero la exploración con el blues, el rock, el pop y la electrónica le dio más herramientas para crear una fusión de ritmos que se mezclan con letras íntimas en su reciente EP “Hágase la oscuridad”, lanzado en 2023. Con su canto nos lleva en el viento como el vuelo del águila que recorre las sierras mexicanas o en las plumas de las majestuosas alas del cóndor que desde arriba observa la belleza de los Andes, como si desde arriba pudiéramos observar el fondo de las heridas que se convirtieron cicatrices, un aprendizaje que crece a medida que nos acercamos a nuestras sensaciones. «Creo que la música es un acompañamiento perfecto para esos momentos, porque lo que más da miedo es darte cuenta que lo tienes que atravesar en soledad y aunque sí, también no, porque te puedes rodear de personas que de manera profesional acompañan procesos emocionales; de tu familia, de amistades; de música, de cosas que te inspiran, de cosas que te van tirando veintes.» En su nombre lleva la raíz que la conecta con esta tierra que nutre por medio de la naturaleza, los sonidos y la danza. Con su apellido, Equihua, recuerda la importancia de conectar con lo ancestral, de acercarse al origen para sanar, para entender el presente y trabajar desde lo individual para apoyar al crecimiento social. Con estudios en Etnología, despertó su interés de compartir cómo cada persona crea una propia realidad dentro del plano social. Sus conocimientos los ha llevado a composiciones que también son denuncia, tal fue el caso de “Miel”, sencillo que dedicó al ahora extinto Café Trevi, uno de los espacios que fueron parte de la historia del centro histórico de la Ciudad de México. «El arte sigue siendo de la gente para la gente, responde una necesidad, no es un capricho, no es un lujo, es algo vital» En su camino como artista independiente, Geo Equihua ha podido cosechar aprendizajes con los que desarrolla la materia de Gestión de Proyectos Musicales y también imparte talleres sobre la autogestión. «La autogestión me ha enseñado muchísimo, a veces sí me ha agotado, pero eso me enseñó a respetar mucho mi descanso, a respetar mis límites como persona, el ritmo que para mí es sano en cuanto a un proceso creativo.» Conozcan más sobre la trayectoria de Geo Equihua, quien logró alzar su vuelo para ir al desierto, donde encontró bellos mensajes para que en su regreso pudiera recordar que sobrevivió. **Programa transmitido por Universo 94.9 FM, radiodifusora de la Universidad de Colima, el 22 de noviembre de 2023 y por Violeta Radio (CIMAC radio), el 24 de noviembre de 2023. 📺 YouTube: https://www.youtube.com/@geogeogeomx 🎶 Bandcamp: https://geogeogeomx.bandcamp.com 🎙 Spotify: https://open.spotify.com/.../4YDMCfgqZlhlrBpuoI5h... 📸 Instagram: https://www.instagram.com/geogeogeomx/?hl=es

El dueto de rap, AtempomaGia, está conformado por Aura Diez a.k.a. Matlactli Di y Ketzalli Flores también conocida como la Kaleezi, dos artistas emergentes del estado de Colima que compartieron sus sentires y su desarrollo con la poesía y el rap. Con sus palabras, su ritmo, sus reflexiones en torno al ser y a la sociedad, más la magia que encuentran día a día en su caminar, unieron su fuerza para crear composiciones que han ido creciendo a lo largo del 2023. Aura Diez, Matlactli Di, envuelta de letras y creaciones por parte de su familia, comenzó con la escritura desde su infancia, recuerda que entre los 4 y 5 años compuso su primer poema. A partir de conocer su poder de creación, decidió continuar con la escritura y publicar más poemas. Tiempo después se integró a un colectivo de hip hop, en donde sus compañeros la apoyaron a crecer y explorar más con el rap. Ketzalli Flores, La Kaleezi , mencionó que ella creció escuchando a raperos hombres «y fue un parámetro para mí de lo que no tenía que hacer, porque no terminaba de conectar con los mensajes que compartían» Fue a partir de escuchar el trabajo de Matlactli Di que sintió esa representación que necesitaba. La decisión de trabajar en conjunto nació a partir de la sinergia en su comunicación. Temas que casi no exponían con más personas, fueron saliendo como el viento que genera una danza de hojas que se abrazan. En voz alta ellas dicen «decidí que nadie me va a imponer con el título de comandante. La imposición infundada considero un estado alarmante» Matlactli Di y la Kaleezi escriben versos para «gente que requiera despertar su consciencia». En su camino han apoyado a más personas desde las infancias, hasta personas mayores y en este camino que también ha sido sinuoso, mencionan que ahora «nos merecemos que todo fluya sencillo». Conozcan los versos de AtempomaGia, quienes en conjunto y alzando sus palabras comparten que «al pueblo unido en movimiento nada lo puede frenar».

En esta emisión, Audry Funk nos platicará cómo ha sido crear una red de apoyo a lo largo de las dos décadas de su trayectoria artística. Como parte de la conmemoración de los 50 años del Hip Hop, realizó una serie de entrevistas que tituló “Más Hip Hop es esta vulva”, en donde platicó con raperas sobre los momentos en los que se han sentido invisibilizadas en la escena del Hip Hop. «A nosotras no nos van a decir qué es el Hip Hop y cómo es activar desde el Hip Hop, porque nosotras somos parte de la fundación del Hip Hop en México, aunque no lo mencionan, aunque no lo digan y aunque nos quieran poner a un lado» Al integrarse a “Mujeres Trabajando”, conoció a Dayra Fyah, otra de las pioneras del rap en México, con quien ha compartido reflexiones sobre la cultura Hip Hop y el feminismo, así como otros temas sociales que siguen lastimando al crecimiento digno y justo de las poblaciones mundiales. En 2021 salió “Existir Resistir”, documental creado por Sara Escobar y Dayra Fyah, con apoyo de Tortugas al Viento, en el que abordan estos temas que siguen siendo parte de las letras de Audry Funk. «En México ya era duro ser rapera y hablar de cuestiones sociales, nos cerraba más las puerta.» En su carrera ha lanzado 2 álbumes de estudio y ha lanzado sencillos que pertenecerán a su tercer disco. En cada composición encuentra un nuevo género que le ayuda a conectarse más con la música y en sus letras sigue hablando sobre lo que significa ser mujer en un sistema en el que los cánones siguen poniendo mano dura a nuestro crecimiento. «Yo lidio mucho con el síndrome de la impostora, haciendo un ejercicio de ver el afuera, pero de darme y de sanar a esa niña que le dijeron que no podía, que no era talentosa, que no era suficientemente mujer para ser respetada. Todo esto se lo llevo a mi niña interior para sanar estas heridas» A lo largo de más de 20 años de carrera, Audry Funk sigue creciendo, llevando su palabra a escenarios de Estados Unidos, México, Guatemala, Colombia, Alemania, Francia, España y dando entrevistas a medios como la BBC de Londres, The Guardian y ARTS . También fue nombrada en el 2018 por la revista Rolling Stones como uno de los proyectos más poderosos y propositivos de la música hecha por mujeres mexicanas. «Hice “Más Hip Hop es esta vulva”, porque no solamente soy yo, son las compas que están activando en Ecatepec, son las compas que están en las periferias de los estados. Estamos activando desde otras culturas, desde otros contextos, donde el Hip Hop está ayudando a salir de mucha mierda que el sistema está teniendo más allá del show business»

Las inquietudes por el conocimiento y el saber que éste derrumbaba los miedos, le dieron a Dayra Fyah las palabras que visten su personalidad y su nombre artístico. «El nombre de Dayra significa erudita y lo escogí, porque sé que no sé todo, pero también sé que no me quiero quedar con la duda.» Una devaluación fue la causa por la que Dayra Fyah se mudara con su familia de Ciudad de México a Ecatepec. En este municipio creció y a los 13 años halló en el aerosol un aliado con el cual crear y expresarse, para convertir el graffiti el cimiento para “iluminar la selva de concreto, resistir desde el gueto” e iniciarse en la cultura del Hip Hop. «En mi generación hicimos más cosas en el hip hop, tuvimos que entrar a varias disciplinas. Creo que entender qué era la cultura de hip hop, fue lo que me afianzó. Empecé a ver toda la raíz, porqué era importante . Cuando empecé a rapear, ya estaba la "Declaración de paz del Hip Hop" y empecé a entender que era importante lo que se decía y el cómo se decía.» A los 16 años, Dayra fue mamá y encontró una red de apoyo con su madre y su abuela, quienes le dieron la ayuda para que continuara con sus composiciones y sus ensayos. El padre de su hija también estuvo al pendiente y fue en esta relación en donde entendió la importancia del trabajo en conjunto para tener un mejor crecimiento. Cuando lanzó su primer disco, notaron el resultado de lo que estaba haciendo y que «realmente estaba buscando hacer algo con mi vida, más allá de ser mamá.» Aunque ya conocía el rap en inglés, al escucharlo en español cambió su percepción, sobre todo cuando conoció a más mujeres, porque profundizó en los contextos que cargaban estas canciones. Algunas de sus primeras referencias fueron Arianna Puello y Anita Tijoux , también comenzó a ser parte de Mujeres Trabajando colectivo multidisciplinario creado por Ximbo y Jezzy P. En su crecimiento por Ecatepec , uno de los municipios que encabeza la lista de feminicidios en el Estado de México, vio la necesidad de aprender a defenderse ante las violencias y también encontrar las herramientas para compartirlas con su hija, quien también iba en crecimiento. Así descubrió la defensa personal, pero al no cubrir con otras cuestiones que le atravesaban ideó una nueva manera de enseñar en la cual ella impartía la parte teórica y otros amigos la parte física. Fue con ESD Global Self-Defense en donde pudo combinar sus conocimientos y necesidades para hallar la autodefensa. Con talleres se convirtió en instructora y creó AliadasdelaVida un espacio para enseñar a más mujeres a defenderse de las violencias. Siempre quiso ser psicóloga o comunicóloga, fue por este motivo que su hija le compartió la convocatoria para estudiar el diplomado de comuncación y periodismo impartido por la Escuela Feminista de Comunicación. Con estas herramientas generó entrevistas para Rap Paz con la serie "Sororizando" - sección donde se trataron temas sobre rap, feminismos y HipHop-, también surgió el "Mixtape Abya Ayala Armada de Palabra" y junto con Sara Escobar y el equipo de Tortugas al Viento, realizó el documental “Existir Resistir” que habla sobre la rapera mexicana Audry Funk. Dayra Fyah encontró en su madre y su abuela una red de apoyo. De ahí obtuvo el hilo para ampliarla más, visibilizando el trabajo de sus compañeras del rap; enseñando la defensa de mentes y cuerpos de más mujeres y abriendo el camino para su hija y las nuevas generaciones que siguen construyendo el bienestar social.

«¡Pobres golondrinas que se van a buscar como los migrantes, a las tierras extrañas, la migaja de pan!», escribió Alfonsina Storni en “Golondrinas”, poema que refuerza las reflexiones de Flama, cantante, guitarrista y compositore costarricense, que entrega con su voz profunda el sentimiento que ha sido marcado por la travesía de los caminos que le han llevado a habitar lugares de Estados Unidos y México. En su infancia, su abuelo le dio el impulso para cantar y su padre, que también canta y toca la guitarra, le dio la inspiración para crecer con la idea de continuar con la música. «A los 14 años, mi papá me regaló un libro que era un curso de guitarra y las canciones que enseñaba eran baladas y boleros.» Su esencia de viaje y descubrimiento le llevó a explorar con el piano, el güiro, la clave, otros instrumentos que visten a la cumbia y también incursionó por la producción musical en la computadora. Flama describe que su música e identidad maduraron en un mundo de intolerancia, opresiones e imposiciones, pero el escribir y componer le ayudaron a hallar la fuerza para levantar sus alas. Después de entonar canciones que le dieron más aliento en su entendimiento por la vida, se atrevió a dar un nuevo paso, que es el de la composición. Su primera canción fue “Tu niño”, una pieza que se envuelve con ritmos que le recuerdan su adolescencia. «Se refiere específicamente a un período que fue muy oscuro, muy triste, en donde tuve que luchar mucho contra la represión y en donde tuve que irme y dejar todo lo que conocía.» Con palabras de Facundo Cabral, Flama canta «ser feliz es mi color de identidad» recordándonos que la música, el tejido con más personas y el respeto nos ayudan a crecer en comunidad. «Al final es como tomarse un té de hierbas para sanar el estómago, es sentarse a escribir lo que estás sintiendo, es una forma de sanar. He tenido momentos muy difíciles, esto lo hago para sobrevivir, para sacar estas cosas y no mantenerlas en mi cuerpo, para que no se conviertan en enfermedades, que no se conviertan en dolores a futuro. Es importante recordar que esto es una labor de sanación y hay que seguir haciéndola».

En las palabras de Karina Cabrera , se escucha el eco de la historia de muchas mujeres que han nutrido su crecimiento, su camino como mujer y su trayectoria como periodista. En la travesía por los escritorios en los que trabajó con datos que le ayudaron a nutrir su escritura y su creatividad, se dio cuenta de la importancia de nombrar y visibilizar el trabajo de las mujeres. Karina Cabrera es una periodista independiente que se desenvuelve principalmente en el área musical, también se nombra como activista de la cultura libre e impulsora de espacios con #MujeresAlFrente por medio de #Sonoridad , proyecto que creó en 2019 con la finalidad de apoyar con la difusión de la historia de las mujeres en la música. Su gusto por el conocimiento y por compartir lo aprendido surgió desde niña, guiada por la lectura de libros, revistas, periódicos y una radio de baquelita que con cariño su abuelo le regaló. Después de estudiar la licenciatura en Ciencias de la Comunicación en la UNAM, decidió recorrer los pasillos de medios de comunicación en donde pudo desarrollar trabajos de investigación, reportajes, entrevistas, ser editora y jefa de información. En este crecimiento encontró muchos elementos que le dieron herramientas para continuar, pero siempre se topaba con un gran vacío que era difícil completar, ya que no le era permitido hacerlo. Ese enorme espacio era la historia de las mujeres. «No se me permitía meter en la agenda o en las investigaciones, nombres de mujeres. Alguna vez había lanzado una serie de mujeres en la música y el director me llama y me dice “a nadie le interesa esto, las mujeres no son de interés”. Estamos hablando que en el 2004, todos los medios, en general, tenían esa mentalidad y muchos la siguen teniendo ¿Esto que ha provocado? Que no tengamos mayor conocimiento de nuestra historia, que aunque haya lanzamientos, no hayamos podido abarcarlos bien; que no tengamos clásicas súper bien definidas; que no podamos hablar de discografías con la misma reverencia o a la distancia que propicie investigación en la actualidad… No lo tenemos, ¿por qué? Porque siempre en la agenda se rechazó que cubriéramos nuestra historia.» Sus reflexiones como periodista y como mujer, la impulsaron a realizar investigaciones profundas sobre la escena musical mexicana, enfocada en la carrera de las mujeres. Teniendo como referencia a #TereEstrada - cantante, compositora, socióloga y escritura del libro “Sirenas al ataque: Historia de las rockeras mexicanas”- Karina ha entendido que es importante «abonar información, crear una base de datos y referencias que nos tengan presentes y que nos ubiquen dentro de la historia. Si nadie escribe de nosotras, nosotras debemos escribir de nosotras; si no hay información sobre nosotras, hay que generar información». En sus pasos, que dejan huella con Sonoridad, nació el #MapaDeMúsicasMexicanas, el cual ha reunido más de 400 proyectos, tanto de bandas y solistas, como sellos discográficos, colectivas y festivales. Karina Cabrera también ha impartido el “Taller de Periodismo musical con perspectiva de género ”, así como el de “Relaciones Públicas para proyectos musicales independientes”. Festejemos estos dos años de Frecuencia Sorora conociendo el trabajo de una de las periodistas y activistas más importantes de la historia musical de México quien nos compartió sus reflexiones sobre la importancia de los medios de comunicación en el crecimiento de las artistas. Fotografía de Romy Goto

Como el viento que recorre paisajes que se envuelven con bastos follajes o llanos en los que la tierra se levanta hasta con su paso ligero, la voz de Lhasa de Sela transporta las imágenes de sus historias, estremeciendo la piel con su sensualidad, sumergiéndose por ese camino profundo en donde atesoramos los recuerdos más recónditos o estrujando como un cálido abrazo que nos devuelve el aliento. En esta emisión recordaremos a la cantante, compositora y pintora, Lhasa de Sela, quien nació el 27 de septiembre de 1972 en Big Indian, Nueva York. Su infancia fue un cúmulo de culturas, nuevos territorios y diversidad de colores, sonidos, formas y aromas. Un autobús escolar - acondicionado para poder ser una casa rodante- fue su hogar en el que viajó junto con su familia a México, para residir unos años en este país. También conocieron distintos espacios de Estados Unidos. Por medio de la naturaleza y las páginas de sus libros encontró aventuras, el valor de entender los procesos de vida y, sobre todo, la importancia de estar y sentir el presente. La música de Chavela Vargas, Cuco Sánchez, Maria Callas, Amália Rodrigues, Jacques Brel e intérpretes de distintos géneros de Europa del Este, amenizaron esta etapa , pero fue cuando vio un documental de Billie Holiday que decidió dedicarse al canto. Al lado de su madre, Alexandra Karam y su padre, Alejandro Sela, conoció las artes, la historia y lo que significa crecer en comunidad. A los 19 años viajó a Canadá para reencontrarse con sus hermanas. En su estancia, tocó en cafés y en esta temporada conoció al guitarrista Yves Desrosiers, quien la acompañó a lo largo de su carrera musical. En 1997 lanzó su primer álbum titulado "La Llorona”. Sus letras fueron escritas en español, como si la tinta fuera el río que la guía a sus raíces, y la música es una fusión de ritmos de la música tradicional mexicana con el sonido del klezmer. Este material fue bien recibido por el público y fue acreedor a los premios Félix y Juno. También participó en el Lilith Fair, festival de música que recorrió Estados Unidos y que fue fundado por la cantante Sarah McLachlan. Su finalidad era dar más espacio y visibilidad al trabajo de las mujeres de la escena musical. Dos años después del lanzamiento de "La Llorona", viajó a Francia para dar una gira con sus hermanas. Ahí permaneció alrededor de 3 años, en los cuales trabajó con sus nuevas composiciones, para lanzar "The Living Road", su segundo álbum lanzado en 2003. En este material entrelazó los caminos de las culturas que fueron parte de su crecimiento, dando como resultado un trabajo con canciones en Inglés, francés y español. Su carrera continuó en crecimiento y aunque a veces se sentía intimidada por sus colegas que tenían un amplio conocimiento en música, Lhasa decidió que no había motivo para sentirse menos y que lo importante era trabajar en la confianza propia. En 2008, cuando se encontraba preparando sus nuevas composiciones, fue diagnosticada con cáncer de mama. Ella continuó trabajando para lanzar en 2009 "Lhasa", su tercer disco, un trabajo en el que siguió profundizando con los cuestionamientos de la vida y la existencia, mezclados con tonos tenues que ayudan a quien escucha a disipar pensamientos ajenos al presente, convirtiendo el entorno en un refugio. Lhasa de Sela cerró los ojos el 1 de enero de 2010, dejando en sus composiciones la profundidad que trae la navegación sobre el preguntarse qué es el ser. Compartió en su música la mezcla de las culturas que le dieron una voz profunda que viene nutrida por sus raíces. Lhasa de Sela se convirtió en poesía, en esa flor que deja su esencia en el viento, el cual lleva su canto y atraviesa esos paisajes que cruzó la mujer errante. Fotografía: Ryan Morey

Después de nacer y vivir parte de su infancia en Las Vegas, Darlin llegó a Colima a crecer y encontrar en sus letras y su voz los lazos que la unirían a la música, en donde ha sentido «que ya tengo un lugar a donde pertenecer». Con 4 sencillos lanzados, Darlin entrega composiciones que son la fusión de las dos nacionalidades que la han nutrido para crecer su empatía. «El hecho de que ahorita estoy haciendo música se debe mucho a las personas que están a mi alrededor que me impulsaron a hacerlo.» En sus reflexiones, ha llegado a concluir que a pesar de que la industria imponga que las artistas van muy de la mano con la imagen ella quiere «que la gente me escuche por lo que hago». En compañía de su banda, Darlin navega por diversos géneros como el jazz, el R&B, el pop, el indie y el Folk.

Una de las grandes cualidades de la compositora y pianista Pilla Piano es la empatía que ha ido trabajando, nutriendo y compartiendo con la música. Aunque, por mucho tiempo creció siendo la única mujer en esta área, ha luchado por romper esta brecha al lado de más músicas, creando talleres y proyectos musicales - como Wujeres y KSUMI - para que más mujeres se acerquen al jazz. «Crecí con esta old school ruda, fea, humillante. Siempre me tocó ser la única morra en medio de puros vatos, entonces, para un tema de improvisación es subirte al ring, que es la plataforma donde hay una disputa muy grande. Eso a mí me tocó muchísimo, me tocó llorar, que te humillaran, que no te dejaran subir...» El amor que tiene por el arte y el compromiso social que ha ido desarrollando en su vida, le dan herramientas para involucrarse más con el público, con colegas y con estudiantes que busquen profundizar en ritmos e improvisación. En esta entrevista platicó sobre los diferentes caminos que ha trazado con el jazz, llevando este género a nuevos espacios, como en Chiapas, en donde logró abrir la licenciatura en Jazz y Música popular en la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas, con el maestro Ciro Liberato y con el apoyo del maestro Francisco Téllez.

En su infancia, Montserrat Borrego -violonchelista y cantante mexicana- , escuchó el canto de su padre, el cual fue una de las semillas que atesoró para obtener frutos en su trayectoria artística. Se ha presentado en recintos como la Sala Nezahualcóyotl, la Sala Blas Galindo , en el MUAC y también ha participado en el Festival Children of the World in Harmony y el Festival Internacional de coros COREARTE en Bracelona. También forma parte del cuarteto de jazz Sonido Lavanda, que fue galardonado en el Concurso Nacional de Ensambles Estudiantiles de Jazz en la edición 20 del JAZZtival Michoacán. Desde pequeña, Montserrat Borrego disfrutó los diferentes géneros musicales que había en casa “empecé escuchando rock, rock en español, había muchas influencias. A mi tía le gustaba el jazz, le regalaba a mi abuela discos de Ella Fitzgerald, de Billie Holiday, de Nina Simone.” Su acercamiento formal con la música fue cuando entró al Coro Niños y Jóvenes Cantores de la Escuela Nacional de Música. «Disfruté el tiempo que estuve en el coro, descubrí mucha música que no había escuchado. Cantábamos repertorio como de Ponce, de Bach, de compositoras contemporáneas mexicanas, como María Granillo, también ahí conocí la música brasileña.» A los pocos años de desarrollar su voz, encontró en el violonchelo un nuevo instrumento para explorar. Con las enseñanzas del maestro Gustavo Martín, logró ser parte de la grabación del disco “El violonchelo en México Vol. II”, con la pieza "Elegía" del compositor Alexis Aranda. Con la nutrición en su voz y en sus manos, siguió levantando este huerto musical, encontrando una nueva alianza con su pasión en la licenciatura en Canto y Scat en la Escuela Superior de Música. Aquí tomó clases con Ingrid Beaujean y en este camino conoció a más representantes del jazz como Alice Coltrane, Betty Carter y Melba Liston. «Creo que es responsabilidad de uno buscar y hacerles este espacio que realmente merecen todos estos personajes femeninos dentro del jazz y de la música en general» Conozcamos el trabajo y desarrollo de #montserratborrego, quien también platicó sobre sus inquietudes como artista independiente y los problemas que puede tener la centralización del arte. Formó parte de la 8a edición del Festival Internacional ColimaJazz, en donde participó en un conversatorio con otras dos estudiantes de la Licenciatura en Música del Instituto Universitario de Bellas Artes UdeC y con Juan Pablo Vázquez. Conozcan más sobre el trabajo de Montserrat Borrego: 📺 Youtube: https://www.youtube.com/@montserratborregomata5294 📸 Instagram: https://www.instagram.com/monk_se/

La fuerza y la precisión que Jhoely Garay tiene en sus dedos al pisar los trastes de la guitarra para correr de una nota a otra, son las mismas que la han impulsado para comprometerse con su pasión por la música, la composición y la empatía por su entorno. En la secundaria despertó su curiosidad por la guitarra. Al no poder tener una en su casa, su lado creativo le ayudó a recortar un cartón que semejara este instrumento para poder acostumbrar la agilidad de sus dedos y la coordinación con su mente. Años más tarde su preparación la llevó a Nueva York para estudiar en The City College de Nueva York y después la maestría en composición en la Escuela de Música de Manhattan. Guitarrista, compositora y arreglista de jazz, Jhoely Garay condujo por primera vez a su orquesta en 2021 «me acuerdo que escuchaba discos y cerraba los ojos y me ponía a imaginar cómo se sentiría dirigir eso frente de la banda. Si del disco se escuchaba tan majestuoso, ahora imagínate lo que se siente estar en frente de la banda y realmente tener el poder de darle forma a estas composiciones con tus ideas para que la banda pueda dar su mejor concierto». Jhoely Garay ha sido acreedora a la beca de la Fundación Cultural Latin Grammy; fue galardonada con el Portland Jazz Composers Ensemble Prize en 2020 y como becaria del programa “Jóvenes Creadores” del FONCA, realizó el proyecto “Ecosistemas Sonoros”, composiciones que se inspira en los sonidos de la naturaleza de diferentes ecosistemas naturales del país. En 2023 se presentó en la edición número 8 del Festival Internacional Colima Jazz, el cual fue dedicado a las mujeres que trabajan en este género. Conozcan más sobre el trabajo de Jhoely Garay: 💻 Página Oficial: https://www.jhoelygaray.com/ 📺 Youtube: https://www.youtube.com/@JhoelyGaray 📸 Instagram: https://www.instagram.com/jhoelygaray/ Ver menos

Como si en la madera pudiera sentir las raíces y en las cuerdas una guía que la lleva a su pasión, Laura Itandehui halló en el violín un acompañante que dio las primeras notas de su historia musical. Desde pequeña, Laura Itandehui se nutrió de distintos géneros musicales. A los 4 años comenzó a trazar su camino musical al estudiar violín, pero fue en la adolescencia cuando decidió conocer de manera más detallada el potencial de su voz y en sus composiciones la manera de navegar por la profundidad de la conexión que la rodea con el arte y la vida. «Estar en o con la sensibilidad y con el arte me parece sumamente formativo. Tener ese tipo de conexión y sensibilidad ayuda a desarrollar empatía y curiosidad.» Después de haber sido parte del Ensamble Vocal K’ay Ha’ y de la Orquesta Nacional de Jazz de México, Laura Itandehui lanzó su primer álbum como solista en 2021. Su crecimiento musical ha sido alimentado por su curiosidad y por el gusto de compartir con sus amistades y familiares. Sarah Vaughan, Cyrille Aimée y Cécile McLorin Salvant son parte de sus bases en la música y en la vida, ya que con ellas ha aprendido que “no hay que tomarse todo tan en serio, hay muchas maneras de expresarse y hacer las cosas… Ahora ya estoy un poco más relajada viendo que en realidad hay muchas maneras de caminar el camino.» Escuchen la entrevista realizada a Laura Itandehui en la que compartió algunas referencias que han sido parte de su crecimiento profesional y en las que también ha encontrado grandes lecciones para la vida. «Una escucha música y ve arte por todas partes, pero hacerlo de una manera consciente, es un paso muy grande y muy importante.»

Con su voz, Sara Aldana, nos guía por el calor del Pacífico Colombiano. Su tono y las palabras que visten sus composiciones, nos muestran el camino de los ríos que nos conducen al amplio océano que lleva el sonido que su madre le mostró con sus cantos. Desde niña, Sara mostró su habilidad con la voz; sus manos la fueron conduciendo con la danza que sus dedos iniciaron en complicidad con las cuerdas de su guitarra y su creatividad amplió los horizontes que en su libertad decidió alcanzar desde Ginebra hasta su nuevo hogar que se encuentra en Barcelona, en donde estudió su maestría en composición para medios audiovisuales y escénicos en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. Desde otro continente, continuó colaborando con la Women Jazz Project, “un proyecto que nació en Cali, buscando un espacio para las mujeres que estaban haciendo jazz y que no tenían muchos espacios para tocar". Sus pies la condujeron a nuevas tierras y aunque Sara Aldana no sabía qué hacer, ni qué camino escoger, su autonomía y su dedicación avivaron su pasión por la música para crear su primer EP, "Ahora lo sé" que se lanzó este 2023 y en el que nos comparte su crecimiento desde sus reflexiones como mujer y como persona adulta, para llegar a contemplar su desarrollo en su carrera profesional. Páginas de Sara Aldana: 📺YouTube: https://www.youtube.com/@sara_aldanamusic 🎵Spotify: https://open.spotify.com/artist/4Yw4GHQLW5i2rJoZAhb0i6?si=LMUDkaPYSa-2A72sUgod3w 📸Instagram: https://www.instagram.com/sara_aldanamusic/

Desde pequeña, Natalia Gómez, encontró fascinante ver el poder de unión y convocatoria que genera la música. Su inquietud por descubrirla de manera juguetona y libre, la llevó a generar el vínculo con la danza y en este arte conoció su cuerpo y la construcción que puede surgir con él, como ella menciona en su poema "mis manos esperan, ¿qué esperan?", esperan tomar acción. Es a partir de estudiar la carrera de Artes Escénicas que explora su inquietud por la creación y el uso de diferentes herramientas artísticas. Esa libertad le dio un cálido abrazo como si el sol se lo entregara con unas plumas para crecerle alas que la guiaron a consolidar su proyecto musical: ANAN, el cual, como ella menciona, "transita entre varios géneros como el Art Pop, la electrónica y la música experimental." Conozcasmos el trabajo de la artista nacida en Aguascalientes, que al abrazar su ser multifacético decidió que ella quiere crear: "yo quiero hacer cosas que están en mi mente y no necesariamente hacer lo que me dicen que debo hacer". Páginas de ANAN: 💻 Oficial: https://www.ananmusica.com/ 📺YouTube: https://www.youtube.com/@anan7214/videos 🎶Bandcamp: https://ananmusic.bandcamp.com/ 🎵Spotify: https://open.spotify.com/artist/2Sz720YxhL7PzLIDdaj2iA?si=xm1d9rXwR5qSYp8RwOEIgA 📸Instagram: https://www.instagram.com/anan_musica/